Riff

Edição 1005 (16 de agosto de 2008)

2008-08-19T13:44:00.000-07:00

Direto do acervo roqueiro

esta semana reuni algumas das melhores imagens do famoso fotógrafo dinamarquês Jørgen Angel. Não é tarefa fácil pois os alvos das fotos são as estrelas do rock and roll das décadas passadas e o acervo de clicadas de Jørgen tem mais de 50.000 fotos. Desde sua adolescência ele trabalhou retratando diversos momentos de bandas e artistas do rock. E isso inclui fotos de apresentações, ensaios e strip-teases depois de shows (a maior prova do sucesso do “rock farofa” de Alice Cooper). Alguns personagens e momentos deixam saudade, como Bon Scott, Jimi Hendrix, Freddie Mercury, a tradicional “Mark II” do Deep Purple, o Black Sabbath reunido e Jimmy Page em plena boa forma. Em outras imagens, a clássica coreografia-pulo de Pete Townshend; e Lemmy Kilmister nos áureos tempos, anteriores ao Motörhead, quando tinha a banda Hawkwind. Os ângulos e as fotos em preto e branco criam um clima que contribui para a arte muito bem executada pelo fotógrafo dinamarquês, a arte de paralisar o tempo e registrar momentos únicos em fração de segundo. Divirta-se.

Edição 1004 (9 de agosto de 2008)

2008-08-13T09:22:00.000-07:00

O filho da voz

Passou pelo Brasil nesta semana, mais exatamente na segunda-feira, 3, o cantor Frank Sinatra Jr., sim, filho de Frank Sinatra. A apresentação foi na Via Funchal, em São Paulo. Outros dois shows também foram agendados no Brasil: um dia 7, no Rio de Janeiro, e outro hoje, dia 9, em Belo Horizonte.

O filho de um dos maiores cantores da história da música fez seu show em forma de homenagens, ao seu pai e à bossa nova brasileira. Grandes clássicos que ganharam fama na voz de Sinatra foram relidos por seu filho, com um detalhe que possui uma importância histórica: a orquestra que acompanhou Sinatra Jr. é a mesma que tocava com seu pai. Hinos do século XX foram reproduzidos pelo também ótimo cantor, como I Got You Under My Skin, Strangers In The Night e New York, New York. O encerramento do show foi provavelmente um espetáculo, ao som de My Way.

No meio da apresentação, subiu ao palco a cantora carioca Marina de La Riva, que interpretou junto com Frank Sinatra Jr. dois clássicos da bossa, Garota de Ipanema e Dindi. Tudo bem que cantora não é muito conhecida, mas o que valeu foi a homenagem ao estilo que Frank Sinatra (o pai) tanto apreciava.

A turnê do filho do “A Voz” chama-se Sinatra by Sinatra. No Brasil e até mesmo em São José, Sinatra deixou uma legião imensa de fãs que ainda preservam o bom gosto musical.

Procura-se uma guitarra

Por favor, se alguém viu uma guitarra Jackson Stratocaster branca perambulando por aí, envie um email para o fã-clube do Iron Maiden. O fato é bizarro, porém interessante. Nesta semana, Adrian Smith, um dos três guitarristas do Maiden, teve sua guitarra roubada. O instrumento é único no mundo todo. Os dados interessantes vêm a seguir: o “desaparecimento” da guitarra não se deu no Brasil! Mas sim na Europa, em pleno primeiro mundo, na capital grega Atenas, após um show. Então, Adrian ofereceu como recompensa uma jaqueta e uma carta de agradecimento escrita à mão. Acho que até o “seqüestrador” está decepcionado uma hora dessas, esperando que o guitarrista desse como recompensa algum valor medido em várias e bem cotadas libras esterlinas. Dessa maneira, por devolução, a guitarra vai demorar a aparecer.

Apenas confirmando

Na semana passada, após a notícia de que o site da Ticketmaster (www.ticketmaster.com.br) já estaria dispondo à venda, no sábado, ingressos para dois shows do Judas Priest no Brasil, em novembro, misteriosamente todo e qualquer vestígio do Judas desapareceu do sítio eletrônico. Porém, como sempre, a má notícia veio acompanhada de uma ótima, que parece agora ser certa. O Judas Priest, em seu site oficial, confirmou quatro apresentações no Brasil, em novembro: dia 12 em Porto Alegre, dia 14 no Rio de Janeiro e dias 15 e 16 em São Paulo. O jeito é esperar notícias sobre as entradas no site da estranha Ticketmaster.

Edição 1003 (2 de agosto de 2008)

2008-08-04T09:54:00.000-07:00

Material inédito dos Beatles

e alguém quiser adquirir é só contatar a casa de leilões em que uma fita de rolo será arrematada em agosto por valores estimados entre 25 e 37 mil reais. Não é pouca coisa. A raridade foi encontrada em um sótão de uma casa em Liverpool, cidade natal dos Beatles, na Inglaterra. Um homem estava limpando o cômodo da casa de seu pai e encontrou essa verdadeira pepita de ouro disfarçada de pedaço de cromo. O que realmente interessa, o som que sai da fita ao ser reproduzida, são cerca de 30 minutos de gravação com algumas versões inéditas de músicas. Segundo um site de beatlemaníacos, o tape seria de 1964, quando da gravação de um programa de TV da BBC chama “Top Gear”.

A grande pergunta é: como a fita de rolo gravada em 1964 foi parar no sótão de uma casa de um desconhecido? E como foram achar essa pérola apenas em 2008, mais de 40 anos depois? Para uma banda tão devastada como é o Beatles, qualquer coisinha inédita que tenha o nome do grupo já vale um bocado de milhares de reais. Eles podem.

Para fechar o ano com
chave de ouro, por enquanto

tenção roqueiros de plantão! O Judas Priest pode estar rumando para nosso país em novembro. É o que informa o site da Ticketmaster, uma empresa que terceirizou o serviço de venda de ingressos para vários eventos. Segundo o site da empresa, já estão agendadas duas apresentações do Judas, nos dias 15 e 16 de novembro, um sábado e um domingo, no Credicard Hall, em São Paulo. A atenção deve ser dispensada quanto ao pequeno número de entradas e à enorme procura por um lugar ao sol. Serão duas raras apresentações.

Espera-se que outros grupos e artistas famosos ainda venham para o Brasil. Alguns já estão confirmados, como o guitarrista Joe Satriani e as bandas Grave Digger e Symphony X. Nada que chegue perto do patamar do Judas Priest.

Os ingressos estarão à venda no site da Ticketmaster (www.ticketmaster.com.br) a partir do dia 2 de agosto, um sábado. Dou escassos dias (senão menos) para a totalidade das vendas. Portanto, corra.

Edição 1002 (26 de julho de 2008)

2008-07-30T07:04:00.000-07:00

Queen sem Freddie Mercury?

esde 2005, dois dos membros remanescentes do Queen, Brian May e Roger Taylor, fazem apresentações com o grupo chamado “Queen + Paul Rodgers”, que conta com Paul Rodgers no vocal. A jogada de usar o nome do vocalista separado do grupo que imortalizou Freddie Mercury, na minha opinião, foi mais que uma prevenção contra revolta de fãs da formação clássica do Queen. Foi uma atitude muito bem tomada de respeito. Pois, pra mim, o Queen sem Freddie Mercury não é o Queen. A identidade criada entre esses dois nomes é tão grande que um Queen sem Freddie Mercury seria o mesmo que um Van Halen sem os irmãos Eddie e Alex Van Halen. É algo impensável.

E a novidade desta semana ficou por conta da notícia de que o “juntado” Queen + Paul Rodgers vai a estúdio para gravar e lançar material inédito. Nada contra, pois, ainda bem, o disco vai ser assinado com o nome de Queen + Paul Rodgers. O álbum provavelmente vai se chamar Cosmos Rocks e não teve a tracklist confirmada ainda. O estranho é que a única coisa mercenariamente confirmada sobre o disco é que ele já está à venda, ou melhor, pré-venda, no site da banda.

Vamos combinar: Paul Rodgers não é aquilo tudo como cantor. Ainda mais se comparado a um dos grandes expoentes da voz na história da música, o Freddie Mercury. Aliás, não há como comparar. Por isso é importante deixar essas comparações de lado e separar a carreira do Queen em duas fases bem distantes uma da outra: com Freddie e com Paul. Queen + Paul Rodgers não é o Queen! Não tem Freddie Mercury!

Edição 1001 (19 de julho de 2008)

2008-07-21T07:38:00.000-07:00

Uma instituição do heavy metal

olf Kasparek, mais conhecido como “Rock and Rolf”, e o Running Wild já se tornaram patrimônios vivos do rock. Para quem não conhece, o Running Wild é uma banda alemã de heavy metal que é considerada uma das precursoras do estilo no mundo. Sua fundação data de 1976, apesar do primeiro lançamento ser apenas de 1982. Na época, os alemães já estavam se acostumando com o fato do país ter sido um dos berços do hard rock através dos irmãos Schenker e do Scorpions. Porém, levando-se em conta a já consagrada existência do Black Sabbath e o estouro de popularidade do Iron Maiden, talvez as duas figuras mais importantes da história do heavy, ambas inglesas, o Running Wild chegou com algo novo na terra germânica. Principalmente no começo da carreira da banda, os vocais de Rolf eram muito agressivos, beirando ao death metal, mas audíveis. Talvez esse tenha sido o principal choque nos ouvidos da Alemanha, que estavam amaciados pelo vocal melódico de Klaus Meine.

O disco clássico do Running Wild é, sem dúvidas, o Under Jolly Roger, de 1987, que contém música homônima, um dos maiores sucessos da banda. Desde o começo, inclusive nesse álbum, a temática pirata é o principal assunto das letras de Rolf. “Jolly Roger” é a famosa bandeira pirata, aquela mesmo, a da caveira.

A sonoridade da banda é única. É daquelas que não se misturam com outro estilo: é heavy metal em seu mais cru estado, apesar de alguns críticos classificarem parte da obra do grupo como hard rock ou speed metal. Todavia, o Running Wild é uma banda que eu recomendo. Como o propósito de Rolf nunca foi ficar milionário com a música, isso segundo ele, a banda nunca fez grandes trabalhos de divulgação nem shows fora do ciclo Europa-EUA. Mesmo assim, os fãs aqui no Brasil não são em pequeno número.

Fica a dica de uma ótima banda, com ótimas músicas: Riding The Storm, Bad To The Bone, Death Or Glory e muitas outras. Procurem saber. É heavy metal puro. Além disso, a banda atende, na minha opinião, dois requisitos importantes: são europeus e são antigos. Apenas tome cuidado para não sacudir muito a cabeça e quase ficar cego, assim como fez um baixista de uma banda escocesa chamada The Day I Vanished. O headbanging foi tão forte que a retina de um de seus olhos deslocou-se! Pelo menos, ele vai entrar no clima pirata do Running Wild — provavelmente vai usar um tapa-olho após a cirurgia.

obert Plant, em entrevista em Toronto, foi perguntado sobre um possível retorno do Led Zeppelin para fazer uma turnê (esse assunto é exaustivamente tratado após uma única apresentação, em dezembro do ano passado). A resposta foi surpreendente. Plant fingiu estar dormindo, simulou um ronco e completou: “Me acorde quando ela [a repórter] tiver ido embora”. Três conclusões sobre o acontecido. Primeira: o Led não precisa de reunião, pois não tem que provar nada a ninguém. Segunda: todo mundo sabe da história que o nome “Led Zeppelin” só seria usado na presença dos quatro integrantes do grupo. O show de dezembro de 2007 foi uma milagrosa e provavelmente única exceção. E como John Bonham morreu há quase 30 anos... O que me cansa é a imprensa estar sempre batendo na mesma tecla. Terceira: o senso de humor de Robert Plant está apuradíssimo. Resta-nos rir.

Edição 1000 (12 de julho de 2008)

2008-07-15T12:12:00.000-07:00

O poeta está vivo

genor de Miranda Araújo Neto, o Cazuza, nos deixava há 18 anos. Vítima de uma série de complicações decorrentes da AIDS, o poeta faleceu no dia 7 de julho de 1990. Sua trajetória em vida está muito bem contada e comentada no artigo que reproduzo abaixo, do jornalista Tárik de Souza, veiculado no “Jornal do Brasil” do dia seguinte à morte de Cazuza. Nada a acrescentar sobre Cazuza. Sobre o que ele dizia em suas letras-poesias, apenas o silêncio, pois elas em si já dizem tudo.

Com o fio da lâmina bem afiada

O exagerado Cazuza, com suas rasantes na poética da paixão dilacerada, rompeu as farpas da fronteira rock/MPB. Em letras de corrosão “lupicínica”, este Agenor, quase xará de Cartola, sorveu música ao mesmo tempo em que dissipava a vida em noites que nunca tinham fim (Por que a gente é assim?) lá pelos baixos da vida. Bem Nelson Cavaquinho da geração rocker.

Sempre auto-irônico, realizou a profecia de “ganhar pra ser carente profissional”. Alguém capaz de explicitar seduções íntimas: “Há dias planejo impressionar você, mas fiquei sem assunto. Vem comigo, no caminho eu explico”. Um Morrissey de pele dourada pela tropicalidade, à cata de “um pouquinho de proteção ao maior abandonado, seu corpo com amor ou não, raspas e restos, mentiras sinceras me interessam”. A devastação afetiva, a relação narcísica especular pós-moderna, não poderia ter gerado polaróide mais holográfica. “Se todo alguém que ama, ama pra ser correspondido, se todo alguém que eu amo é como amar a lua inacessível, é que eu não amo ninguém”. Sem arrego, touché monsieur Lacan.

Em parcerias com o constante (Roberto) Frejat, o periódico dublê de letrista e crítico Ezequiel Neves e os demais barões vermelhos (Guto e os ex-integrantes Dé e Maurício Barros), Cazuza despontou como crooner e ponta de lança da classe de 82 do BRock, a da Blitz, do Paralamas, do Kid Abelha, do Magazine e até do Herva Doce.

A misturadeira do tempo já peneirou esses primórdios, o que só fez ressaltar o lastro do nosso Lou Reed de plantão, nos desvãos da saciedade amorosa: “Ser teu pão, ser tua comida, todo o amor que houver nessa vida, e algum trocado pra dar garantia”.

Em carreira solo, Cazuza aprofundou os sulcos de suas obsessões, ampliou o leque de parcerias (Lobão, Leoni, Gil, Rogério Meanda) servindo-se com freqüência da dialética das antíteses. “O nosso amor a gente inventa, pra se distrair e quando acaba a gente pensa que ele nunca existiu”. Mesmo no embalo de uma bossa nova, raríssimo caso de hit retardatário na comemoração dos 30 anos do movimento, ele enfia a faca da dor: “Digo alô a um inimigo, encontro um abrigo no peito do meu traidor”. Faz parte do meu show.

Acossado pela AIDS, Cazuza, nos últimos discos, afiou ainda mais o fio da lâmina: “Eu vi a cara da morte e ela estava viva”, lancetou ele no estilete de Boas Novas, do álbum Ideologia. “Se você quiser saber como eu me sinto, vá a um laboratório ou um labirinto, seja atropelado por esse trem da morte”, vomitou em Cobaias de Deus (em parceria com Angela Rô Rô), no duplo do testamento Burguesia.

Mas o aço da navalha vinha sendo temperado ao longo de toda a carreira. A erosão de Só As Mães São Felizes, a que cita os pontos cardeais de sua cartilha poética, de Allen Ginsberg a Rimbaud (“você nunca sonhou ser currada por animais, nem transou com cadáveres”), data de 85. É contemporânea da autópsia em corpo vivo de codinome Mal Nenhum: “Não me chamem a polícia, não me chamem o hospício, não, eu não posso causar mal nenhum, a não ser a mim mesmo”.

O poeta terminal, cantor da garganta em chamas e voz sem apuro, sempre exorcizou a própria condição de passageiro da agonia. Quando voltou a lente para as mazelas do país, acionou morteiros no rock enredo Brasil (“Mostra a tua cara, quero ver quem paga pra gente ficar assim”) ou abriu a metralhadora em O Tempo Não Pára: “transformam o país inteiro num puteiro, pois assim se ganha mais dinheiro”. Escancarando, sem economizar conseqüências, locutor impune da indignação no país dos seqüestros industrializados. A geração AI-5, comprimida entre o amor livre e a praga da AIDS, auto-imolou seu mártir a sangue frio.

Edição 999 (5 de julho de 2008)

2008-07-06T20:33:00.001-07:00

Um gênio incompreensível

im Morrison, em sua curta existência de 27 anos, produziu e deixou para nós, ouvintes meramente estúpidos, uma obra pequena em quantidade porém enorme em possibilidades de compreensão. As músicas totalmente doidas, com letras mais malucas ainda, são um golpe forte nos ouvidos dos marinheiros de primeira viagem do navio The Doors. Talvez a intenção de ser original tenha sido o motivo para a falta de lucidez e de sobriedade, ao pé da letra, da obra da banda norte-americana. E se você ainda está no estágio “Come on baby, light my fire”, esqueça, porque este clássico foi composto pelo guitarrista Robby Krieger, não pelo mente-indecifrável Morrison, que completou aniversário de morte nesta quinta-feira que se passou, dia 3 de julho. Jim foi encontrado sem vida na banheira de seu apartamento em Paris, em 1971. A causa da morte teria sido um ataque cardíaco aliado a complicações respiratórias, entretanto sempre houve a suspeita de uma overdose de drogas.

A inovação do The Doors começou pelo fato de o quarteto ser uma banda de rock que não tinha um baixista, algo no mínimo diferente, principalmente para aquela época. Mas mesmo assim Ray Manzarek, John Densmore e Robby Krieger davam conta do recado e seguravam a cozinha para a reprodução das loucas composições de Jim Morrison. O enredo das canções do The Doors sempre foi o mais louco possível, com relação tanto às letras quanto aos ritmos e melodias. Talvez por isso eu nunca tenha concordado com alguns críticos que classificam a banda como a maior de todos os tempos. Com absoluta certeza, foi uma das mais originais e até mesmo importantes. Mas não é das melhores para se ouvir. Não tem o algo a mais que te cria aquela vontade de ouvir a próxima faixa do disco.

Portanto, aqui apenas registro os 37 anos da morte de Jim Morrison. Pois não sei se estou num patamar inferior de compreensão, ou melhor, num local onde as portas da percepção não estão abertas, pois ainda não entendi a musicalidade da banda. Acho que, por causa dessa dúvida que se instiga nos ouvintes, é que a história e a discografia do grupo, ambas curtas, se tornam apaixonantes para eles. Confesso que essa curiosidade também me abateu, mas de uma coisa não tenho dúvidas. Desculpem-me os fãs, que normalmente são fanáticos, no sentido saudável da palavra, mas o The Doors nunca me apeteceu.

O NOVO BRAVE NEW WORLD

Às vezes as coincidências são tão fortes que nos remetem diretamente à realidade. Em outras tantas nos dão a oportunidade de soltar uma boa risada. É o caso desta foto retratando a frente de um ônibus da cidade de São Paulo. Algum desocupado (e detalhista) observou a casualidade, registrou-a e logo esta já estava na internet. Um amigo me enviou como curiosidade. O número de identificação do automóvel é o 666, o número da besta (na música, famoso pelo disco The Number Of The Beast, do Iron Maiden), e o ponto de destino anotado ao lado é o Jardim Novo Mundo (se associa ao disco do Maiden também, Brave New World). Rara coincidência.

Edição 998 (28 de junho de 2008)

2008-06-29T13:49:00.000-07:00

O mundo dos covers

esta semana o jornal britânico “Daily Mail” publicou duas listas interessantes. São relacionadas aos famosos covers, as músicas regravadas por outros artistas que não as compuseram. Os covers são muito comuns no mundo da música, pois representam não só a garantia de boas vendas — sim, regravações de músicas famosas atraem os ouvintes, mais até pela curiosidade, e são um ótimo negócio —, como também homenagens entre esses artistas. Pena que, também porque vivemos num cruel mundo capitalista, a primeira opção é a mais adotada como motivo para se copiar uma canção. É o que fez (ou melhor, tentou fazer) Celine Dion. Acredito eu que a busca por novos fãs foi a principal causa para uma fracassada releitura da You Shook Me All Night Long, do AC/DC. Eu também me assustei: Celine Dion cantando AC/DC definitivamente não é das melhores combinações musicais. Ainda bem que ela reconheceu que não deveria lançar a versão em single, após a apresentação do Divas Las Vegas 2002, inclusive lançada em DVD. Ela e a cantora Anastacia simplesmente entraram para a história ao fazer o pior cover de todos os tempos! E isso é unânime. Apenas foi confirmado nessa bizarra pesquisa. Segundo o periódico inglês, “uma ofensa musical”. Concordo.

As outras posições não chegam nem aos pés da primeira. A segunda já não é aquelas coisas em versão original, pois misturou Aerosmith com o hip hop dos jurássicos Run-DMC. Imaginem um cover. O cover para o Extreme ficou realmente uma lástima. Nas duas outras posições as explicações são fáceis: fazer cover de The Doors e Oasis é missão difícil.

Entretanto, para aliviar o peso de montar uma lista com os cinco piores covers da música, o jornal “Daily Mail” também compilou as cinco melhores regravações. E, com toda justiça, Jimi Hendrix e o cover do clássico All Along The Watchtower, do imortal Bob Dylan, ficaram no primeiro lugar — destaco o cover do U2 para esta música, que ficou muito bom também. Na segunda posição, talvez a música mais tocada em festas de casamento e formaturas: Twist And Shout, que não é dos Beatles. O quarteto de Liverpool apenas regravou a canção. Outro grande cover é o do Guns N’ Roses para Live And Let Die, de Paul e Linda McCartney, quando estes formavam a banda Wings. Nas outras posições, duas bonitas canções com covers que ficaram melhores que os originais, na minha opinião. Nessa lista, ainda acrescentaria o cover do Rainbow para a música Since You Been Gone, do Argent.

Seguem abaixo as duas listas com o nome da música, dos compositores, entre parênteses, e do artista que a regravou.

PIORES COVERS:

1. You Shook Me All Night Long (AC/DC) – Celine Dion
2. Walk This Way (Aerosmith e Run-DMC) – Girls Aloud e Sugababes
3. More Than Words (Extreme) – Westlife
4. Light My Fire (The Doors) – Will Young
5. Wonderwall (Oasis) – The Mike Flowers Pops

MELHORES COVERS:

1. All Along The Watchtower (Bob Dylan) – Jimi Hendrix
2. Twist And Shout (The Top Notes) – The Beatles
3. Live And Let Die (Wings) – Guns N’ Roses
4. The Man Who Sold The World (David Bowie) – Nirvana
5. Feeling Good (Anthony Newley e Leslie Bricusse) – Muse

Edição 997 (21 de junho de 2008)

2008-06-22T14:27:00.000-07:00

Não se compra o produto pela embalagem
(conclusão)

COUNTRY LIFE
ROXY MUSIC
Estampar seus discos com belas mulheres já tinha se tornado um hábito dos ingleses do Roxy Music em 1974. Mas a nudez das modelos Constanze Karoli e Eveline Grunwald na capa de Country Life foi um pouco demais para os padrões morais de alguns países. A capa acabou sendo censurada nos EUA, Espanha e Holanda.

STREET SURVIVORS
LYNYRD SKYNYRD
O quinto álbum de estúdio dos reis do southern rock tomou as prateleiras das lojas em 17 de outubro de 1977. Na capa, a banda inteira posava envolvidos por várias labaredas de fogo. Poucos dias depois do lançamento de Street Survivors, uma acidente aéreo matou dois integrantes e feriu gravemente os restantes. Depois da tragédia a capa foi retocada e as chamas removidas.

APPETITE FOR DESTRUCTION
GUNS N’ ROSES
A arte inicial do primeiro disco do Guns N' Roses, banda acostumada a controvérsias, trazia uma pintura que retratava um robô estuprador prestes a ser atacado por um monstro de metal. Apesar do imenso sucesso comercial (20 milhões de cópias vendidas), os escritórios da gravadora Geffen foram inundados com reclamações e comentários de indignação. Só restou ao selo recolher as capas e substituí-la por uma versão mais amena.

AMORICA
BLACK CROWES
Uma foto tirada das páginas da revista masculina Hustler, exibindo uma virilha feminina vestindo um biquíni com a bandeira dos EUA, era ostentada na capa do terceiro disco dos americanos do Black Crowes. O visual de Amorica não causou uma boa impressão nas redes de lojas que vendiam o disco, resultando numa devolução quase total dos cópias.

VIRGIN KILLER
SCORPIONS
Enquanto na Alemanha, país de origem do Scorpions, a capa de Virgin Killer (1976) passou despercebida, em lugares como os EUA ela fez a acusação de pornografia infantil e pervertidos pairar sobre as cabeças dos membros do grupo germânico de heavy metal. Tamanha foi controvérsia, que a capa original permanece censurada até hoje.

Edição 996 (14 de junho de 2008)

2008-06-15T16:09:00.000-07:00

Não se compra o produto pela embalagem

uita coisa ruim é encontrada se analisarmos o conteúdo de alguns discos. E existem aqueles que possuem boas músicas porém a primeira impressão, a que fica, chega a ser muitas vezes assustadora. Estou falando das capas desses álbuns. Nesse top 10 que será completado semana que vem, a maioria das artes de capa foi censurada, de maneira justa ou até mesmo por causa do excesso de moral das décadas passadas. Muitos discos foram relançados com novos e menos polêmicos temas para a capa, tornando os originais verdadeiras raridades. A verdade é a seguinte: não se produz mais capas de álbum como antigamente. As artes estampadas nas embalagens dos LPs, não só por serem maiores, eram muito mais chamativas. Além disso, os produtores e artistas tinham as intenções de chocar e ao mesmo tempo colocar em xeque a inteligência de quem comprou o “bolachão”. Haja visto que até hoje a foto do Abbey Road dos Beatles gera discussões. Há muita coisa embutida nessas gravuras que não percebemos nem mesmo depois de uma boa e demorada olhada.

Seguem abaixo as cinco primeiras capas mais polêmicas da música. A lista foi preparada pelo site da Gibson, aquela mesmo, a fábrica de guitarras. Divirta-se.

YESTERDAY AND TODAY
THE BEATLES
Lançado em 1966 somente nos EUA e no Canadá, o disco carregava uma foto tirada pelo fotógrafo Robert Whitaker, mostrando o quarteto de Liverpool coberto de sangue, pedaços de carne e partes de bonecas. Apesar de ter dominado as paradas americanas na época de seu lançamento, a capa de Yesterday and Today foi duramente criticada. A gravadora Capitol ordenou que todas as rádios que possuíssem o disco com a foto sangrenta o destruíssem. Hoje, é um dos discos mais raros e valiosos dos Beatles.

MOBY GRAPE
MOBY GRAPE
O primeiro disco dos californianos psicodélicos do Moby Grape saiu em 1967. Por conta da imagem do baterista Don Stevenson mostrando o dedo do meio ao lado de seus colegas de banda, o disco teve que ser recolhido logo depois de seu lançamento.

ELECTRIC LADYLAND
THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE
O terceiro disco do deus da guitarra Jimi Hendrix causou rebuliço em outubro 1968 não apenas pelo seu repertório genial que mudou o rumo rock, mas também por causa da ousadia de sua capa. Uma fotografia de um grupo de belas mulheres nuas estampava Electric Ladyland. Recusada pela gravadora, a capa original acabou sendo substituída por uma foto da cabeça de Hendrix.

BEGGARS BANQUET
ROLLING STONES
A idéia dos Stones era de que a capa de Beggars Banquet, lançado em 1968, levasse a fotografia de um banheiro sujo e repleto de pichações. As gravadoras Decca e London, responsáveis pelo disco, fizeram a banda adiar o lançamento do álbum para que a banda pudesse providenciar uma nova arte: uma imitação de um cartão de convite. A capa original só veio à luz em 1984, quando Beggars Banquet foi (re)lançado em CD pela primeira vez.

BLIND FAITH
BLIND FAITH
O primeiro e homônimo trabalho do super grupo de Eric Clapton, Steve Winwood e Ginger Baker provoca controvérsia até hoje. O autor da imagem na capa, que exibe uma garota nua segurando um avião prateado, alega que a menor foi fotografada com o consentimento dos pais. Apesar do disco hoje manter a capa original, na época de seu lançamento ele foi recolhido e a imagem da garota substituída por uma foto em preto e branco da banda.

Edição 995 (7 de junho de 2008)

2008-06-08T18:08:00.000-07:00

Esporte para os dedos

jogo Guitar Hero agrada muita gente que nem mesmo joga videogame. O motivo é o repertório, que contém apenas clássicos do rock and roll. Nas três edições já lançadas, riffs marcantes como os de Smoke On The Water e You Really Got Me puderam ser executados nos teclados de computadores, controles de videogames e até mesmo em pequenas guitarras fabricadas para o jogo no planeta inteiro! O game é uma febre no mundo, no Brasil e, especializando mais ainda, em São José do Rio Pardo também.

E o mercado para a franquia Guitar Hero tende só a aumentar. Pouco tempo após o lançamento do terceiro jogo da série, mais duas novidades estão prontas para chegar às mãos dos fanáticos jogadores: “Guitar Hero: Aerosmith” e “Guitar Hero: On Tour” (ou “Guitar Hero 4”). A primeira é uma versão diferente do jogo, pois contém apenas músicas da banda Aerosmith, com exceção de outras que os integrantes do grupo quiseram incluir no jogo. O contexto do jogo narra a história do grupo de hard rock norte-americano, seguindo a ordem real dos fatos. O lançamento está previsto para o dia 29 deste mês. Já a segunda novidade é a esperada quarta edição do game, que não vai mudar apenas no playlist e nos gráficos, mas também nos instrumentos “tocados”. Assim como no jogo rival “Rock Band”, o jogador pode escolher se quer fazer a linha da guitarra, do baixo, do teclado ou até mesmo da bateria. Segundo o site da Activision, fabricante do jogo, o “Guitar Hero 4” deve ser lançado “no período das férias escolares dos Estados Unidos”, ou seja, daqui a um ou dois meses.

Toda a agitação em torno desses lançamentos foi dobrada nesta semana. Na terça-feira foi publicada a seguinte nota no site do Metallica: “Um ‘Guitar Hero’ só do Metallica: fato ou ficção? Vamos apenas dizer que talvez, apenas talvez, se você já tiver dominado One no ‘Guitar Hero III: Legends of Rock’, pode haver um pacote de músicas do Metallica no futuro. Mais detalhes no meio do ano...”. O jeito é esperar e impreterivelmente se surpreender cada vez mais com o sucesso do jogo. Não vai demorar muito para que outras edições especiais de bandas famosas comecem a surgir. Sorte de quem aliou a fome à vontade de comer: jogar “Guitar Hero” e gostar de rock é uma combinação bastante perfeita.

Som de qualidade

or volta da meia-noite, começou a tocar uma vinheta que todo mundo reconheceu na hora: a sinfonia de relógios e despertadores da Time, do Pink Floyd. Era o começo do show da banda Electra, no sábado passado, dia 31 de maio, nas piscinas da AAR. Passado todo o clima da misteriosa introdução da música, entra o grupo todo para fazer uma apresentação sensacional. Os músicos são de extrema qualidade, inclusive o guitarrista rio-pardense Fernando Calsoni. O som estava perfeitamente ajustado, sem estouros, sem microfonias. Tudo em perfeita harmonia para destacar o principal fator da noite, o porquê das não muitas pessoas que ficaram até cerca de 4 horas da madrugada no salão ao lado da piscina do clube. Esse fator era o repertório.

Apesar do ecletismo, nada além do bom e velho rock and roll das décadas passadas. Muita música elétrica como a You Shook Me All Night Long, do AC/DC, o ápice do show. Clássicos como Rock And Roll All Nite e Smoke On The Water não ficaram de fora. Outras com intensa participação do público foram a Born To Be Wild e a Mr. Crowley, em que o tecladista e o guitarrista arrebentaram na introdução e no solo respectivamente. Além de muita coisa que não me lembro, rolou também Queen (I Want To Break Free, Radio Ga Ga, We Will Rock You e uma parte da Bohemian Rhapsody), Led Zeppelin (Rock And Roll) e duas em que o cantor mostrou que é bom mesmo: Wasting Love, do Iron Maiden, e Tears Of The Dragon, da carreira solo do Bruce Dickinson. Canta demais ele. Como Pink Floyd não faz mal a ninguém, logo veio de baldada: além da Time, teve Another Brick In The Wall, Shine On You Crazy Diamond e a romântica Wish You Were Here. Para terminar, Perfect Strangers e uma parte de mais uma do Pink Floyd, Run Like Hell.

Foi uma noite fantástica. Parabenizo aqui os músicos, a produção do evento e todos os presentes, que não perderam a animação em momento algum. Aos que não foram, não percam a próxima.

Edição 994 (31 de maio de 2008)

2008-06-01T17:13:00.000-07:00

“No mustache?”

im, é ele mesmo, Tony Iommi, o “riff master” do heavy metal, ao lado do não menos importante e lenda-viva Ozzy Osbourne. Mas, e o bigodinho característico? Deu para perceber claramente que é o Tony Iommi no foto tanto pelas roupas quanto por sua guitarra, a tradicional Gibson SG na versão para canhotos, e a maneira como a empunha. Porém, sem contar essas indispensáveis nuanças, a maior referência para se reconhecer Tony não está presente nesta fotografia: o bigode, em inglês, o “mustache”. Destaque também para o Ozzy com cara de adolescente, nos bons tempos.

Essa imagem é provavelmente da época dos shows dos primeiros discos do Sabbath, no comecinho da década de 70.

Completando semana passada

Relação de músicas do álbum Humanity: Hour I, o vigésimo primeiro da carreira dos alemães do Scorpions, lançado em maio de 2007.

1. Hour I
2. The Game Of Life
3. We Were Born To Fly
4. The Future Never Dies
5. You’re Lovin’ Me To Death
6. 321
7. Love Will Keep Us Alive
8. We Will Rise Again
9. Your Last Song
10. Love Is War
11. The Cross (apresentando Billy Corgan)
12. Humanity

Edição 993 (24 de abril de 2008)

2008-05-25T18:34:00.000-07:00

Um ano depois, o novo disco do Scorpions

vigésimo primeiro álbum de estúdio dos vovôs do Scorpions foi lançado há exatamente um ano, em maio de 2007. A crítica no mundo inteiro entrou em concordância: Humanity: Hour I é um dos melhores desde os clássicos Blackout e Love At First Sting, de 1982 e 1984 respectivamente. E apesar de já fazer um ano desde seu lançamento, o álbum continua impressionando cada vez mais os novos ouvintes, inclusive eu. Por isso, nesta semana me incubi à difícil tarefa de resenhar um disco de um grupo mais que clássico.

Confesso que a voz eletrônica feminina que logo na primeira faixa, Hour I, nos dá as boas-vindas (“Welcome to Humanity. This is Hour I”) é bem estranha. Mas logo os ouvidos já se acostumam com o peculiar hard rock do Scorpions. Uma música bacana para a abertura de um álbum, porém não é tudo aquilo. Se não fosse a primeira faixa, ninguém daria bola. Já a segunda é uma das minhas favoritas no CD. The Game Of Life é uma baladinha pesada, típica do Scorpions. O nível das letras e composições começa a subir. É justamente a música-hit do álbum, a com o refrão mais pegajoso e pronto para estourar nas rádios e na boca do povo.

As duas próximas faixas, a terceira e a quarta, não são as fantásticas, contudo muito boas. We Were Born To Fly e The Future Never Dies seguem uma linha parecida com a anterior. Letras melosas, porém inteligentes, e “refrões chiclete”. A quinta canção é You’re Lovin’ Me To Death e lembra muito as músicas do disco anterior, o Unbreakable, de 2004. Tinha tudo para se tornar a melhor do álbum até que o refrão chega e estraga tudo, com uma rima sem vergonha e um ritmo chato.

Seguindo a ordem, a sexta faixa, 321, empolga bastante principalmente pelos solos de guitarra. Mas a repetição exaustiva do refrão “Are you ready to rock?” cansa. Coitado do vocalista Klaus Meine! Se bem que ele se redime na sétima canção, uma balada muito gostosa, que relembra demais os tempos da Still Loving You. A letra e a harmonia bem compostas de Love Will Keep Us Alive apenas fazem o pé-de-meia para que todos se convençam ainda mais que Klaus é um dos “caras” quando se fala em vocalista de rock, atingindo notas incrivelmente agudas. We Will Rise Again tenta resgatar um hard rock mais pesado, furando a série de baladas. Apenas tenta. Mas é incrível como os licks e riffs de Matthias Jabbs e Rudolf Schenker são cada vez mais distantes dos padrões de mesmice atuais.

Your Last Song e Love Is War talvez sejam as duas músicas que estão no disco apenas para compensar o gasto, apenas para não se ter prejuízo. Têm refrões muito previsíveis e comerciais. A décima primeira e penúltima poderia afundar todas as outras, quando vi que esta faixa, The Cross, tinha a participação de Billy Corgan, do Smashing Pumpkins. Mas, ainda bem, não. Seus vocais são bem discretos, por sorte.

A última faixa (totalizando doze) é a Humanity, surpreendente. Letras e melodias diferentes de tudo acompanhadas por alguns instrumentos de orquestra, como um violino, me parece. Só que o final da música, assim como o de outras — até parece que o Scorpions desaprendeu — , é horrível! Depois da frase “Good bye” ter sido dita um punhado de vezes, o fechamento do disco se dá com o refrão da música em forma de jingle de carrossel de circo, por uns estonteantes 20 segundos. Não sendo o bastante, de repente surge a voz de uma menininha dizendo algo incompreensível. No mínimo estranho.

Como li em críticas, podem dizer que faltou peso e velocidade ao disco, analisando o retrospecto do Scorpions. Mas é de se admirar que um grupo antigo como os “escorpiões alemães” esteja na ativa até hoje e fazendo coisa boa e inédita. A maioria está excursionando com sucessos antiqüíssimos, sem qualquer renovação. Ademais, recomendo esse disco: Humanity: Hour I. Quatro estrelas.

Edição 992 (17 de maio de 2008)

2008-05-19T10:26:00.000-07:00

Wander Taffo (1954-2008)

orreu, na quarta-feira desta semana, dia 14, uma importantíssima figura do rock nacional, o guitarrista Wander Taffo. Ele fez parte de grandes bandas do rock nacional, como o Rádio Táxi, o Secos & Molhados, o Made In Brazil e o Joelho de Porco. A surpresa minha se deu ao aliar sua idade à causa de sua morte. Wander tinha apenas 53 anos de idade — completaria 54 hoje — e faleceu por causa de um infarto. Ele nem tinha qualquer histórico da fatalidade. Procurou um médico alguns dias antes da sua morte e fez os devidos exames do coração, que não detectaram qualquer anomalia.

O Brasil inteiro ficou chocado com a morte de Taffo. Muitos músicos já deixaram sua homenagem, como o Lobão, que disse que “o rock está chorando”, e os irmãos Busic, que atualmente estão no grupo Dr. Sin mas apareceram pela primeira vez na banda Taffo, que foi formada pelo Wander e fazia um hard rock muito bom.

Wander Taffo foi um grande guitarrista, de técnica muito apurada. É considerado um dos melhores do Brasil e até mesmo do mundo. Foi um dos fundadores do EM&T, a Escola de Música & Tecnologia, que em seu site publicou a foto acima com a mensagem: “Você fará muita falta”. Fica aqui minha singela homenagem.

Um top 8 diferente (conclusão)

ontinuando a lista no mínimo estranha — foi publicada na revista “Mundo Estranho”... — que reúne os oitos piores discos da música, os quatro seguintes lançamentos que completam nosso “top 8 diferente” não ficam nenhum pouco atrás dos de semana passada. No quesito bizarrice, é claro. Se nas quatro outras posições, ícones como Elvis Presley (ou melhor, seu empresário-sanguessuga), Lou Reed e John Lennon figuraram no rol, na conclusão deste um nome será facilmente reconhecido, principalmente por quem é mais velho...

O The Shaggs é uma banda feminina, na verdade formada por três irmãs, que causa divergências. É porque praticamente o mundo todo acha que o disco lançado por elas, Philosophy Of The World, de 1969, é um lixo. E é mesmo: não têm noção nenhuma de andamento e de afinação! A história mais contada é a de que o pai das três Shaggs insistiu tanto que elas finalmente gravaram um LP. A diversidade de opiniões de que falei é por causa de uma declaração do mítico Frank Zappa: “São melhores que os Beatles”. Calma, Frank! Tudo bem que a coragem e o amadorismo das garotas são admiráveis, mas não é para tanto!

Vou usar uma citação do autor da matéria: “Imaginem um caubói texano gritando e uivando em cima de um acorde só e acompanhado por uma insana bateria. De repente, pinta um trompete que só faltou dizer: ‘desculpem, entrei no estúdio errado’...”. Eu fui comprovar se era isso mesmo e me assustei com o realismo das palavras do autor. É exatamente isso o que acontece com o disco Paralyzed, de 1968, do The Legendary Stardust Cowboy. O “peão” não poupa os gritos à la Frank Aguiar, sem contar o trompete desgovernado que aparece no meio das músicas, que não têm pé nem cabeça.

Preste atenção nisso: a série de TV “Jornada nas Estrelas”, a “Star Trek”, fez muito sucesso na década de 60. Os atores e produtores eram muito badalados pela mídia e convidados, ou forçados, a produzir coisas como o disco The Transformed Man, de 1968, do ator William Shatner, que fazia o Capitão Kirk do seriado. No LP, músicas populares da época foram recitadas por William. Reparou? Foram recitadas, não cantadas! E como o ator possui aquela pinta de canastrão, não hesitou em jogar todo o seu “charme” nas interpretações. No repertório, músicas como Mr. Tambourine Man, do Bob Dylan, Lucy In The Sky With Diamonds, dos Beatles, e até mesmo a bossa-nova Insensatez, do Tom e do Vinícius, na versão em inglês How Insensitive, viram verdadeiros dramas mexicanos na voz do Capitão Kirk.

Esse é considerado o pior disco de heavy metal de todos os tempos. Os norte-americanos do Cirith Ungol levaram tão a sério o conceito de agressividade do metal que a música deles chega a ser agressiva aos ouvidos, principalmente no álbum King Of The Dead, de 1984. As harmonias são até audíveis, mas os vocais, não sei se por defeitos na gravação do LP ou por problemas de nascença do cantor (o mais provável), são deploráveis. Entretanto, encarnando o espírito metaleiro, muitos críticos consideram o Cirith Ungol como o verdadeiro metal, escancarado para a simplicidade, sem muita frescura, sem preocupações. Talvez a banda fosse boa justamente se fosse única no mundo. Porque já produziram heavy muito melhor do que isso.

Edição 991 (10 de maio de 2008)

2008-05-11T16:02:00.000-07:00

Um top 8 diferente

a revista “Mundo Estranho” do mês de abril, foi publicada uma matéria que reunia oito álbuns musicais. Tudo bem, oito discos, pode ser até mesmo um “Top 8”. Mas não. Eram oito álbuns que são considerados os piores da história. Aqueles que, por serem tão ruins, passam a ser bons, ou melhor, clássicos. E como achei interessante esse achado, resolvi falar nesta semana sobre esses oito imortalizados lançamentos. Segundo o próprio autor da matéria, Ayrton Mugnaini Jr., “qualquer ‘zé-mané’ pode fazer uma gravação ruim. Mas só um ‘grande artista’ consegue criar uma obra tão péssima que mereça ser imortalizada nesta lista!”. Então, que comece a sessão tortura com os quatro primeiros integrantes da lista, que será completada na semana que vem.

A primeira pérola é um lançamento do rei do rock Elvis Presley. É o tipo de idéia que só deu certo porque estava escrito o nome do cantor na capa. É o álbum Having Fun With Elvis On Stage, de 1974. O conteúdo são os diálogos e piadas sem graça que Elvis fazia no meio dos shows. Um desastre... Só que, como a lavagem cerebral nos fãs era forte, o LP vendeu muito mais do que outros discos de música e até mesmo de humor.

Confesso que esse foi o que mais me impressionou. Lou Reed, em 1975, estava prestes a romper, de propósito, o contrato com sua gravadora. E só para sacanear, lançou um dos discos mais bizarros que já ouvi, o Metal Machine Music. Um nome chamativo. Os fãs correram e compraram o LP. Mas, ao colocar o “bolachão” para tocar, descobriram o verdadeiro mico que literalmente pagaram: um disco duplo com mais de uma hora de microfonias e distorções. O próprio Lou Reed confirma: “Ninguém que eu conheço conseguiu ouvir esse disco de uma só vez. Inclusive eu”. Faço das dele minhas palavras.

Florence Foster Jenkins tentou ser cantora de ópera. Tentou, mas não conseguiu. Em 1941, quando já passara dos 50 anos idade, decidiu gravar um disco, o Queen Of The Night, em que a soprano recitava óperas. A voz dela é até bonita, mas sem qualquer afinação. O álbum até fez sucesso, mais até pela coragem do que pelo talento de Florence, que retrucava a críticas: “Podem dizer que não sei cantar, mas não podem dizer que eu não cantei”.

O exemplo humano John Lennon deixou bem claro que todo mundo tem seu lado idiota. Em 1969, ele e Yoko Ono lançaram o Wedding Album, com apenas duas faixas. A primeira, apesar de não ser muito comum em álbuns de música, é até perdoada: uma entrevista. Porém, a segunda “incriminou” o casal. Durante meia hora, John e Yoko gritam e gemem o nome do outro sem qualquer acompanhamento instrumental. A calamitosa situação foi bem resumida por um crítico na frase: “Fica uma chatice depois do segundo John”.

Edição 990 (3 de maio 2008)

2008-05-04T17:08:00.000-07:00

Robertinho de Recife: não é axé, não!

ma grata surpresa me veio nesta semana. Navegando pelos blogs da rede mundial de computadores, descobri um guitarrista brasileiro que é considerado por muitos críticos como o melhor da história da música brasileira, levando-se em conta inclusive a MPB, não só o BRock. Seu nome é Robertinho de Recife. Você deve conhecê-lo mais até pelas músicas infantis (e infames) que lançou, como O Elefante e É de Chocolate, com o Trem da Alegria. Mas, ainda bem, Robertinho viajou por muitos outros estilos musicais, passando pela MPB de Fagner, pelo heavy metal da Metal Mania e pela, pasmem, música clássica do seu projeto Rapsódia Rock. Atualmente mantém um estúdio no Rio de Janeiro e só trabalha com feras, como Zé Ramalho, Cidade Negra e Zélia Duncan.

Primeiramente, é muito importante destacar os músicos brasileiros, ainda mais os que fazem boa música em terra de quem gosta de escutar só lixo. E o Robertinho de Recife é um desses ótimos compositores e intérpretes conterrâneos nossos. Ele nasceu na capital pernambucana, como seu próprio nome informa. Desde os 12 anos de idade já tocava com umas bandas de Recife e era notado como um guitarrista virtuoso. Realmente, Robertinho nos lembra muito o estilo de Eddie Van Halen. Utiliza bastante a técnica criada pelo “guitar hero” holandês, o tapping.

Lançou seu primeiro disco, Jardim de Infância, em 1977. Alguns outros álbuns vieram depois. Mas o que achei foi a pérola Metal Mania, de 1984, um dos primeiros discos de heavy metal feitos no Brasil. A guitarra é simplesmente fantástica, mas os vocais... Robertinho de Recife, como cantor, é um ótimo guitarrista. Tanto é que pouco tempo depois do lançamento ele providenciou um outro vocalista para seguir com os shows da Metal Mania.

Logo na primeira faixa, Fantasia Preto e Prata, um solo de guitarra sensacional, escancaradamente inspirado em Van Halen. Mas nada de cópia, tudo bem original. Nas outras músicas, a tosquice das letras só não chama mais atenção que os riffs de guitarra porque às vezes não dá para ouvir o que o Robertinho está cantando. Além disso, porque, é claro, uma guitarra bem tocada, assim como qualquer outro instrumento, se sobrepõe numa música.

Um outro solo muito conhecido é o da música Revelação, de Fagner. Seqüências alucinantes de notas executadas com um feeling bem brasileiro mesmo. Em 1990, Robertinho de Recife, após a turnê da Metal Mania, lançou o disco Rapsódia Rock, junto de um projeto que contava com vários shows. Nestes, Robertinho, fantasiado igual a Mozart, misturava ritmos aliado a uma orquestra. O resultado foi muito bom.

Hoje, ele mantém um estúdio no Rio e faz pouquíssimas participações em álbuns de amigos, infelizmente. Você que não conhece o Robertinho de Recife, procure saber. Um grande guitarrista brasileiro. Você não vai se arrepender.

Enfim, o fim

cho que “enfim” não é a palavra certa. Parece que eu estava esperando ansiosamente que isso acontecesse. Mas, depois de tantas discussões e indiretas (as mais diretas possíveis), enfim, está prestes a acabar a carreira da segunda banda com mais discos de ouro da música, o Rolling Stones. Acontece isso por causa de brigas entre o Mick Jagger e o Keith Richards há vários anos. É claro que ninguém desejava que o fim chegasse mas, como não podemos fazer nada, o jeito é rir das declarações que um dava sobre o outro.

Por exemplo, recentemente, quando perguntaram a Mick o que ele achava da autobiografia de Richards, ele disse assim: “Será interessante. Quero dizer, acho que uma pessoa deveria se lembrar da própria vida para depois poder escrevê-la”, fazendo alusão à perda de memória de Keith Richards por causa do uso excessivo de drogas. Já um pouco antes, em 2003, Richards criticou Mick por este ter aceitado o título de “Sir” conferido pela coroa inglesa. Mick Jagger, com aquele sarcasmo mais que presente, retrucou: “Ele está se comportando como uma criança que reclama porque não ganhou o sorvete”.

Após 45 anos de carreia, o Rolling Stones dificilmente fará novas apresentações. O clima está pesadíssimo entre os integrantes, principalmente, lógico, entre Mick Jagger e Keith Richards. Porém eu coloquei “dificilmente”. Não quer dizer impossível.

Edição 989 (26 de abril de 2008)

2008-04-27T16:45:00.000-07:00

Um disco épico que nem mesmo foi lançado

astou-se mais de 13 milhões de dólares na produção do álbum mais caro da história. É também um dos mais famosos da música. Famoso não pelas canções ou por inovações, ou ainda pela produção artística. Nada disso. E sim porque o Guns N’ Roses, na verdade apenas o Axl Rose, está numa dita enrolação com os fãs, com os produtores e com os especulativos contratos com gravadoras que lançariam o épico Chinese Democracy. Desde 1997 no forno, o disco se tornou um trabalho de Penélope, inacabável. O que realmente deu uma remexida nessa estática situação foi uma notícia publicada no site do Guns, que diz que a banda está em fase de negociação com uma produtora que lançaria o álbum mais “difícil-de-parir” que já se viu na música. Só que não se pode garantir nada ainda: basta apenas rever o histórico dessa verdadeira epopéia.

Após os lançamentos dos dois discos Use Your Illusion e da turnê destes, começou um inevitável declínio na carreira do Guns. O baterista da formação clássica saiu e o álbum de covers The Spaghetti Incident? foi merecidamente um fracasso comercial. Tudo dando errado. Mas o pior veio em 1996, quando o guitarrista Slash abandonou o grupo. A partir daí, o líder Axl Rose formou uma nova trupe de instrumentistas e anunciou o início dos trabalhos de estúdio para a gravação de um novo disco, o famoso Chinese Democracy. Em 1999, uma palhinha: uma música que seria lançada no álbum entrou na trilha sonora de um filme. Como diz um amigo, agora vai! Ficaram todos esperando mas nada de disco novo.

A gravadora da banda na época tentou cobrir o atraso com um CD das melhores músicas tocadas ao vivo. Em 2001, o grupo faz uma grande apresentação no Rock In Rio 3. A ansiedade agora não era só dos fãs, mas também da imprensa, que aguardava o desfecho daquela novela. Mais um período com o Guns parado, até que em 2004 mais um álbum tapa-buraco surgiu, o Greatest Hits. Naqueles tempos, já fazia 11 anos que um disco de inéditas não era lançado pela banda. Você que acha que estas rasteiras nos fãs e na imprensa já eram o bastante, não se contente, pois tem mais. Em 2006, Axl disse em entrevista à revista “Rolling Stone” que as pessoas “vão ouvir música este ano”. Desde então, há dois anos, nada de lançamento.

Neste 2008, já são 15 anos sem um disco de inéditas do Guns N’ Roses. Uma década e meia esperando por um disco eternamente adiado. E se o tempo ajuda a amadurecer e melhorar as coisas, então podemos aguardar um ótimo álbum, pois 15 anos não são pouco tempo. Segundo declarações de Axl, alguns arranjos até lembram o Queen. Aliás, o guitarrista Brian May faz participação especial numa das faixas de Chinese Democracy.

Muito se fala sobre a possibilidade de este excessivo adiamento ser uma jogada de marketing. Com grandes expectativas criadas em torno do lançamento, maior a vendagem do disco. Também se comenta, em tom de chacota, que o álbum seria lançado justamente quando a China se tornar uma democracia, como sugere o título do CD. Por isso, a estréia teoricamente nunca aconteceria. O fato é que toda essa história já é motivo de piada há anos. Quando algo demora a acontecer, logo surgem as comparações com o álbum ainda não lançado do Guns N’ Roses.

Numa outra nota, o site informa que o boato sobre um reality show que seria baseado no demorado lançamento do álbum é uma grande mentira. Até porque, vamos falar sério, não há nexo nenhum entre coisa e outra. E esse reality seria mesmo real, como pede o próprio nome? Acho que não, porque ninguém conseguiria assistir a um programa de TV que durasse mais de uma década.

■ A divulgação da turnê do Chinese Democracy, que seria lançado em março de 2007, foi em vão.

Edição 988 (19 de abril de 2008)

2008-04-20T22:20:00.000-07:00

Nós somos a família feliz Ramones

o contrário do que sempre cito em todas as semanas sobre as bandas “milenares” que mesmo em estado de aposentadoria continuam firmes e fortes em suas carreiras — ainda bem, senão nossos ouvidos não sobreviveriam a um monopólio forçado de lixos musicais —, desta vez vamos tratar de um grupo que nesta década vem se desfigurando e perdendo uma luta da qual nenhum de nós pode sair vitorioso. Estou falando do Ramones, uma das bandas precursoras do punk e das mais importantes para o rock’n’roll. Nos últimos sete anos, os três fundadores e principais integrantes da banda, que encerrou carreira em 1996, morreram. Deixaram órfãos todos os admiradores desse grupo de sonoridade única, inigualável. Diria até que são os melhores do punk rock, estilo que é caracterizado pela ausência da técnica. Só que o importante é o que chega aos nossos ouvidos, não o que o músico consegue ou não fazer com seu instrumento. E nesse quesito os Ramones eram muito bons, indiscutivelmente. As canções do grupo são ao mesmo tempo pesadas a nível quase metaleiro e suaves e dançantes como um bom disco dos anos 80.

Então, para quem pouco sabe da banda, algo difícil, vamos lá. O Ramones surgiu na década de 70, no início do movimento punk. A banda foi fundada em 1974 e é assimilada, ao lado dos ingleses do Sex Pistols, como precursora do estilo musical. Ao mesmo tempo em que a turma de Sid Vicious é considerada a que melhor incorporou o espírito punk, é inquestionável o fato de a musicalidade do Ramones ser bem superior, bem mais evoluída. Por causa disso, o grupo é soberano quando o assunto é punk rock. Influenciou as bandas das gerações seguintes do estilo, como o The Clash, o Bad Religion, o Dead Keneddys, o The Smiths e o The Cure. O fato é o seguinte: o Ramones é uma das bandas mais importantes da história do rock e ponto final. Uma pena que os principais integrantes já tenham falecido.

O primeiro a puxar a fila para o outro mundo foi o vocalista Joey Ramone, mais precisamente Jeffrey Ross Hyman, já que o sobrenome Ramone é artístico. Faz parte daquele pessoal que canta de maneira única, inconfundível. Aliás, a música do Ramones seria igual à das outras bandas punk se não fosse pela voz abafada de Joey. Pois é assim mesmo. É “one, two, three, four!”, paulada, palhetada agressiva na guitarra, três acordes simples e pronto. A característica voz de Joey Ramone nos faz afirmar com convicção de que o Ramones é único mesmo.

Na quarta-feira desta semana, 15, fez sete anos da morte de Joey. A doença que causou sua morte foi um linfoma, moléstia contra a qual Joey lutava há anos. É um tipo de câncer que afeta o sistema linfático, responsável inclusive por parte da produção dos glóbulos brancos do nosso sistema imunológico. Não era nada simples. Mas o que realmente complicou ainda mais sua situação foi quando, no inverno norte-americano, escorregou na escada congelada do prédio onde morava. Fraturou a bacia e para fazer a cirurgia necessária foi preciso interromper o tratamento medicativo contra o linfoma. Logo, o câncer se alastrou e Joey faleceu em um domingo de Páscoa. A notícia chocou o mundo todo, que acompanhava fielmente a sua luta para viver, torcendo para que o pior demorasse a vir. Apesar de tudo, o acontecido só comprovou que Joey Ramone era um dos artistas mais populares e queridos até mesmo no século XXI, quase trinta anos depois de estourar com o Ramones. Carisma não faltava para ele.

Após sua morte, em 15 de abril de 2001, nos deixaram também o baixista da formação original da banda Dee Dee Ramone, em junho de 2002, e o guitarrista Johnny Ramone, em setembro de 2004. Com isso, da formação original da banda só está vivo hoje o primeiro baterista, Tommy Ramone. Apesar das consecutivas mortes de integrantes do grupo nos últimos tempos, esse “sobrenome” nunca vai desaparecer. Cada fã em cada canto do mundo (e não são poucos) já faz parte da, como diz a música We’re A Happy Family, família feliz Ramones.

Edição 987 (12 de abril de 2008)

2008-04-18T21:39:00.001-07:00

O cacife está alto

á estão confirmadas as presenças de mais quatro grandes bandas com shows no Brasil, inclusive na cidade de São Paulo, nossa opção mais próxima com relação a apresentações de grande cacife. São elas o Whitesnake (na foto acima), o Queensrÿche, o Helloween e o Gamma Ray. Todos estes grupos farão shows nas capitais paulista, fluminense e mineira, exceto o Queensrÿche, que se apresentará apenas em São Paulo e no Rio de Janeiro. A semelhança entre esses fatos é justamente uma grande facilidade para os rio-pardenses que querem ir a um dos shows: os ingressos são vendidos pela internet, de modo fácil, no site da empresa Ticketmaster (www.ticketmaster.com.br). Outra igualdade é o local das apresentações. Em São Paulo, serão sempre no Credicard Hall, ambiente de acústica muito boa.

O show que está mais próximo de acontecer é uma união estilo “pai e filho”. Vou explicar: Kai Hansen foi um dos fundadores da banda precursora do speed metal, Helloween. Em 1988 ele abandona o grupo e, dois anos mais tarde, forma o Gamma Ray, com o qual toca até hoje. Após 20 anos, essas duas bandas fazem atualmente uma turnê conjunta, que vai passar por São Paulo no próximo dia 20. O repertório deve abranger tanto as canções recentes de ambos os grupos quanto os clássicos do Helloween da época de Hansen. Não é a toda hora que acontecem essas reuniões extraordinárias. Por isso, apresse-se porque ainda há ingressos a venda.

Outra atração, nem tão próxima, apenas no dia 16 de maio, é a banda estadunidense de metal progressivo Queensrÿche. Não é tão popular assim para os conhecedores superficiais do heavy metal. Mas os amantes do metal clássico não dispensariam um show desses. Clássicos como Operation Mindcrime, cantados pela excepcional voz de Geoff Tate, vão ser relembrados, com absoluta certeza. As entradas de todos os setores do Credicard Hall estão à venda desde ontem, inclusive no site da Ticketmaster.

Mas, vamos combinar: as três bandas acima são apenas coadjuvantes preparando o terreno para a grande atração do começo de maio, o Whitesnake. Depois de mais de uma década fora dos palcos, apesar de algumas reuniões inconstantes, o grupo comandado por David Coverdale, dono de um timbre vocal inconfundível, retomou carreira definitiva em 2002. E os shows no Brasil vão contar até com as novidades do disco recém-lançado da banda, Good To Be Bad. Novidades apenas quanto às canções, porque, no mais, o hard rock continua comendo solto, assim como nos indispensáveis clássicos das décadas passadas, que, apesar da divulgação do novo álbum, não vão nem podem ficar de fora. O show será no dia 9 do próximo mês. A pré-venda de ingressos acaba hoje, portanto, em pouco tempo, quem acessar o site da Ticketmaster já vai poder gastar alguns (bem gastos) níqueis em entradas para a apresentação. Se você realmente pretende assistir a esse show, não dê bobeira: os ingressos vão evaporar em pouco tempo, até mesmo porque são pouquíssimos.

A dica está aí. Três apresentações com quatro bandas de peso. Os preços agradam a todos, todavia ainda são um pouco salgados; variam de 80 a 300 reais. Mesmo com essas quantias meio salgadas, vale a pena desembolsar as economias e não perder essas oportunidades. No 2008 brasileiro já tivemos shows de muita gente boa, como Deep Purple, Iron Maiden, Bob Dylan, além do Ozzy Osbourne, no final de semana passado, e do Riders On The Storm (a versão do The Doors sem Jim Morrison), que inclusive foi ontem. Para quem não foi em nenhum destes, serve de consolo o fato de estarmos apenas no começo do ano.

Queensrÿche.

Edição 986 (5 de abril de 2008)

2008-04-18T21:38:00.001-07:00

Aqueçam os motores

pesar da permanência de muitas bandas antiqüíssimas no mundo fonográfico atual, podemos considerar apenas algumas destas como verdadeiras lendas vivas, verdadeiros poços profundos de histórias já contadas e a ainda o serem. Destaquemos algumas como o Scorpions, o Deep Purple, o Kiss, o Pink Floyd, o Iron Maiden. Só que, com exceção da primeira, nenhuma das outras bandas citadas teve uma carreira ininterrupta, com discos lançados a todo o momento e turnês e shows mundo afora como o Motörhead. O atualmente power trio inglês foi fundado em 1975 pelo baixista, vocalista e beberrão Lemmy Kilmister. Com o passar dos anos aconteceram várias mudanças na formação, porém o Motörhead nunca desapareceu da cena roqueira desde a década de 70.

Verdadeira lenda do rock esse tal de Lemmy! Uma figuraça. Com seu estilo super-agressivo ao tocar baixo e ao cantar com o microfone nas alturas, auxiliou no processo de popularização do heavy metal na década de 80, demonstrando fielmente, e na prática, a maneira de ser do roqueiro, do metaleiro. O Motörhead — com trema mesmo — foi e ainda é um dos grupos mais queridos pelos verdadeiros fãs do rock, principalmente por causa das letras totalmente desleixadas, mas nunca desrespeitosas, compostas por Lemmy, que falam, de modo bem sujo, dos temas mais grotescos, como mulheres, sexo, bebedeiras, drogas e jogatinas.

Aliás, o mau vício dos jogos de azar é o tema da talvez mais conhecida música do Motörhead, o clássico Ace Of Spades. A letra trata dos jogos de cartas e da manipulação destas, enfatizando a carta mais charmosa do baralho, o ás de espadas. Lemmy confessa que compôs essa canção porque é um assíduo jogador, preferindo, porém, apostar nas máquinas caça-níqueis. Então por que não fez uma música sobre as “slot machines”? Segundo ele, com toda a razão, porque “não seria legal cantar sobre frutas rodando!”.

Eu disse “atualmente trio” porque nem sempre foi assim, como a maioria das pessoas conhece o Motörhead. De 1984 até 1995, o grupo contava com dois guitarristas, logo, quatro integrantes. O tradicional Phil Campbell, que está na banda até hoje, e mais alguns pares de outros que não deram certo. Até que em 95 decidiram manter apenas Phil na seis-cordas. Lemmy adorou e empregou o fato como pretexto para deixar a sonoridade de seu baixo elétrico ainda mais nervosa. Diferente da maioria dos baixistas, que tocam com suavidade notas separadas e bem definidas, Lemmy desce o braço nos grossos fios de aço de seu Rickenbacker e faz soar agressivamente cordas soltas e power chords, elementos característicos de técnicas de guitarra, não de baixo.

Hoje, o Motörhead segue carreira e teve seu último disco, Kiss Of Death, lançado em 2006. Por depoimentos de Lemmy e dos outros dois integrantes da banda, o grupo vai continuar tocando por mais um longo tempo. Lemmy sempre se refere ao comediante galês Tommy Cooper quanto à sua morte. Cooper morreu no palco, no meio de uma apresentação. E é assim que o líder do Motörhead quer partir para o outro mundo: no meio de um show. Perguntado sobre seu destino depois do fim, o surpreendente Lemmy retruca com absoluta certeza: “O inferno. Lá estão todas as mesas de sinuca”.

Só rindo mesmo!

Nesta quarta-feira, no meu acesso semanal ao site de cifras e letras do Terra, o Cifraclub, me deparei de frente com o imenso abismo no qual caímos. No “Top Letras”, as letras mais acessadas do site, está na segunda posição a ‘música’ — o quê? — “Dança do Créu”, do MC Créu. Quando vi aquilo, senti vergonha de ser brasileiro. O pior de tudo é que, seguindo o dito de que não é o artista que faz o público e sim o público que faz o artista, não é o MC Créu o total “culpado” disso tudo. Mas sim a parcela burra, idiota da população brasileira, que são as pessoas que escutam essa porcaria. E o que mais me assusta: tem idiotas em todos os lugares, porém, poucos. Só que no Brasil essa parcela aparenta ser grande.

Primeiro que quem escutou esse lixo musical, mesmo que por acaso, sabe que a letra consiste em poucas palavras, sendo a maioria delas “créu”. Então, perguntem-se: quem se interessaria por saber cantar uma letra dessas? Saiba que um dos vídeos da “Dança do Créu” no Youtube já foi visto mais de oito milhões de vezes. E não vai demorar muito para que esses excrementos apareçam no Faustão, no Luciano Huck... Pois é, a grande mídia dá total apoio para “isso”. E é pior ainda saber que a maioria da platéia vai dançar e cantar junto. Todos brasileiros, nossos conterrâneos, envergonhando o glorioso passado musical do Brasil. Muita gente boa da música brasileira que já morreu e que inclusive já foi nesses programas de TV não vai parar quieta no túmulo.

Edição 985 (29 de março de 2008)

2008-04-18T21:37:00.002-07:00

Enquanto isso, atrás das portas

uita água está rolando entre os integrantes (ou ex-integrantes?) do The Doors. Desde a morte de Jim Morrison, a mente brilhante da banda, em 1971, nunca se soube ao certo se o lendário The Doors voltou ou não. No começo dos anos 2000, os remanescentes Robby Krieger, guitarrista, e Ray Manzarek, tecladista, deram início a uma turnê em que se apresentavam como o “The Doors of the 21st Century”, ou seja, o The Doors do século 21. E foi por aí que essa verdadeira confusão começou.

Com a morte de Jim, os outros três integrantes tentaram continuar com o The Doors, porém pouco tempo depois este se desfez, em 1972, após dois álbuns mal-sucedidos se comparados aos da fase Morrison. Desde então, nada realmente importante com relação a uma volta do The Doors. Até que em 2001, o trio, constituído pelos dois nomes supracitados e pelo baterista John Densmore, se junta para gravar um DVD para o canal de TV VH1, com várias participações especiais nos vocais.

Um ano depois, em 2002, Krieger e Manzarek unem-se numa polêmica turnê, nomeados como “The Doors of the 21st Century”. Como assim? The Doors sem Jim e sem o baterista Densmore? Alguém tinha que reclamar; e como Morrison já tinha morrido há mais de 30 anos, John Densmore foi quem pagou o pato. Instaurou ação judicial contra os outros dois ex-companheiros e o nome The Doors parou de ser usado. Atualmente, a dupla utiliza a denominação “Riders On The Storm”, nome de uma canção da banda.

Só que onde está o problema nisso tudo? Quando das audiências do processo, Ray Manzarek gastou cerca de 3 milhões de dólares. E como ele tinha uma apólice de seguro que o protegia contra “danos de publicidade”, logo acionou sua seguradora. Esta, por sua vez, foi totalmente omissa e não cobriu nem cobrirá o imenso prejuízo. Não contente, o tecladista entrou com uma ação contra a empresa e essa foi engavetada em 2006. Recebi a notícia de que nesta terça-feira, 25, o tribunal norte-americano de apelações resgatou essa briga. Briga esta que reflete também na situação entre os membros remanescentes da banda. Jogando às claras: está cada vez mais longe a possibilidade de uma reunião do bom e velho The Doors.
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ais uma foto bacana de se ver. Aquela que nos faz voltar ao tempo e lembrar de como era boa a música nas décadas passadas. Posando para a foto, antes das entrevistas, o Rainbow em sua mais tradicional formação, com a lenda viva Dio nos vocais. Da esquerda para a direita: o guitarrista Ritchie Blackmore, o baixista Bob Daisley, o vocalista Ronnie James Dio, o tecladista David Stone e o baterista Cozy Powell. A banda estava em turnê de divulgação do seu terceiro disco, Long Live Rock’n’Roll, de 1978, ano em que foi tirada esta fotografia.

Interessante na história do Rainbow é o fato de que Blackmore, após ter saído do Deep Purple, procurava novos instrumentistas para formar uma nova banda. Muito difícil, não é mesmo? Então, ele achou uma jóia rara: o já formado grupo Elf, que tinha acabado de demitir seus guitarristas. É muita coincidência mesmo. Gravaram o primeiro disco e logo Ritchie mandou todos para a rua, exceto Dio, talvez para não ficar com a má fama de ter pego algo pronto e, assim, mais fácil de se fazer.

O Rainbow também é conhecido por ter revelado algumas personalidades do mundo do rock, como o próprio Dio, que depois foi cantar com o Black Sabbath, Graham Bonnet, mais tarde vocalista do Michael Schenker Group, Don Airey, atual tecladista do Deep Purple, e Joey Lynn Turner, também futuro integrante do DP.

Edição 984 (21 de março de 2008)

2008-04-18T21:37:00.001-07:00

Na ressaca da Fórmula 1

uem não assistiu à corrida de Fórmula 1 no fim de semana passado não perdeu absolutamente nada. Com os brasileiros se saindo muito mal, o GP da Austrália, mais precisamente na cidade de Melbourne, se mostrou bastante monótono, assim como a maioria das provas dessa categoria esportiva. Só que nos bastidores estavam se preparando quatro indivíduos — de cara pintada — que poderiam compensar a ausência de grandes emoções na corrida de carrinhos. Eram eles Gene Simmons, Paul Stanley, Tommy Thayer e Eric Singer, ou seja, o lendário quarteto Kiss.

O nome Kiss é lendário, mas a formação atual não é a clássica, que teria Ace Frehley e Peter Criss na guitarra e bateria, respectivamente, em vez de Tommy Thayer e Eric Singer. Porém de qualquer modo a banda completa em 2008 seu trigésimo quinto ano de fundação. O Kiss surgiu em 1973 de uma remota idéia do israelense Gene Simmons e de Paul Stanley após o fim da banda Wicked Lester, da qual participavam. Logo, eles procuraram novos integrantes para mais um grupo musical. Encontraram Ace, através de um anúncio de jornal, e Peter, através da revista “Rolling Stone”. Criaram assim um movimento que revolucionaria o modo de ser na década de 70. A vertente roqueira conhecida como glam rock fez a cabeça das juventudes norte-americana e internacional da época. Quatro pessoas compondo música simples, com refrão “chiclete” e ainda por cima abusando — bota abusando nisso! — de maquiagens e roupas espalhafatosas... Estava armado o circo.

Em 1974 já estava lançado o primeiro disco, auto-intitulado, da banda. A formação clássica seguiu até 1980, quando Peter Criss abandonou o grupo, cedendo o espaço para o talentoso Eric Carr. Dali várias mudanças ocorreram: na formação, na musicalidade e até mesmo na aparência. Em 1983, num golpe publicitário, o quarteto da época simplesmente aboliu as máscaras pintadas nos seus rostos. Mais tarde, numa nova jogada, a tradicionalíssima pintura facial retornou com a turnê do disco ao vivo MTV Unplugged. Logo, os empresários enxergaram uma ótima oportunidade de retomar o Kiss em sua formação original, com Ace e Peter. O resultado foi o disco Psycho Circus, de 1998, e uma turnê que passou pelo Brasil em dois concertos, no mesmo ano. Após a turnê, houve mais uma breve transgressão até que Ace e Peter deixaram a banda novamente.

Hoje, o Kiss é o terceiro grupo musical que mais possui discos de ouro e de platina, perdendo apenas para os insuperáveis Beatles e Rolling Stones. Como já havia citado acima, o Kiss completa 35 anos de sua fundação em 2008. O show em Melbourne, no domingo passado, foi o de abertura da nova turnê em comemoração ao aniversário da banda: Alive/35 Tour. Por enquanto, não há shows programados no Brasil, todavia fãs já deram início a uma petição tipo abaixo-assinado online que pudesse mobilizar os empresários da turnê. Se você quer assiná-la, clique aqui. Vamos lá! Não é toda hora que o Brasil tem a chance de receber uma banda como o Kiss, ainda mais em turnê comemorativa.
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No último sábado, dia 15, completou-se uma década desde a morte de Tim Maia, figura importantíssima da música popular brasileira. Foi um grande compositor e intérprete de inconfundível timbre vocal. Infelizmente, faleceu por infecção generalizada depois de passar mal no começo de uma apresentação. Parece até que foi ontem.

Edição 983 (15 de março de 2008)

2008-04-18T21:36:00.002-07:00

Artimanhas do destino

á cerca de 30 anos, Ozzy Osbourne deixava a banda que inventara o heavy metal, abrindo espaço para que outros músicos pudessem decolar em sua carreira musical, já que estes tocariam com um artista já consagrado. Ozzy, na busca por esses instrumentistas, realizava audições tanto na Inglaterra quanto nos Estados Unidos. E foi numa dessas passagens pela terra do Tio Sam que ele encontrou um verdadeiro guitarrista de heavy metal, aquele cabeludo que usa guitarras diferentes e, principalmente, compõe de modo diferente. O próprio Ozzy Osbourne diz que, quando fazia os testes, procurava alguém com um estilo próprio. E encontrou. Era Randy Rhoads o guitarrista que não só o cantor precisava, mas o mundo todo.

É chamado pelos fãs mais radicais como “o eterno companheiro de Ozzy”, até mesmo desmerecendo os posteriores Jake E. Lee e Zakk Wylde. Que não se pode desmerecer os outros dois “companheiros” de Ozzy, tudo bem; mas que Randy Rhoads foi bem melhor que os dois juntos, disso não se tem dúvidas. Os riffs ao melhor estilo Tony Iommi e os solos acrobáticos são prova disso. O clima dessas composições combina com a fase pós-Black Sabbath de Ozzy, que nessa época se afundou em remédios e antidepressivos.

Apesar da carreira curtíssima, Randy Rhoads deixou uma legião de fãs e de guitarristas seguidores, influenciados por seu “estilo próprio”. Antes de fazer parte da banda de Ozzy Osbourne, ele tocava no Quiet Riot — que inclusive lançou álbum em homenagem a Randy quando morreu, sendo este o de maior vendagem do grupo. Randy gravou dois álbuns com Ozzy: Blizzard Of Ozz, de 1980, e Diary Of A Madman, de 1981. Após isso, tinha pretensões de deixar a banda para dedicar-se à música erudita. Porém o destino não o permitiu.

Em 19 de março de 1982, há quase 26 anos, Randy se encontrava em Orlando, Flórida, em turnê com Ozzy. Depois de dirigir muito, o motorista do ônibus da banda convidou Randy e a cabeleireira da turnê para alguns rasantes com um pequeno avião. Segundo fontes, na terceira vez em que sobrevoavam o ônibus, assustando quem estava dormindo dentro dele, a asa direita da aeronave colidiu levemente com o automóvel, fazendo com que o piloto perdesse o controle e colidisse o avião contra uma mansão próxima — nenhum morador da residência sequer se machucou. Os três passageiros, inclusive Randy Rhoads, morreram na hora. Mais tarde, seria descoberta na autópsia a presença de cocaína no organismo do motorista do ônibus, que pilotava o avião naquela data. Rhoads estava “limpo”.

Acidente? Assassinato? Com ou sem intenção de matar? As supostas sentenças são muitas, só que para um suspeito que também morreu, e no mesmo dia da suposta vítima... As lembranças são eternas: as guitarras Flying V preta com bolinhas brancas e a Les Paul creme, o clima dos solos ao vivo. E tudo acabando com uma bobeira quando ele tinha apenas 25 anos. Tinha muito mais para extrair de suas guitarras, às vezes até maiores que o próprio pequeno corpo. É mais fácil encarar o fato como simplesmente mais uma artimanha do destino.

Edição 982 (8 de março de 2008)

2008-04-18T21:36:00.001-07:00

O infindável Dylan e sua obra

dmirável é o fato de um artista de 66 anos ainda estar em atividade. Podia ter parado de tocar e cantar para aproveitar os milhões que ganhou nos tempos juvenis. Mas, apesar da voz um pouco gasta, Bob Dylan continua na ativa e encantando platéias do mundo todo com a famosa e infindável turnê Never-Ending Tour.

Desta vez Modern Times, o 44.º disco do cantor norte-americano e que ganhou o Grammy como melhor álbum em 2006, rege os shows. Em São Paulo foram dois, na quarta e na quinta-feira, na Via Funchal — com ingressos caríssimos, que variavam entre 250 e 900 reais!

Como já disse acima, a voz de Bob Dylan se desgastou com o tempo. Se isso é visível (audível) em seus últimos discos de estúdio, imagine ao vivo, onde qualquer intérprete tem um desgaste enorme. Mas é indiscutível que ele é uma lenda viva na história da música.

Conviveu com grandes nomes da sua época, compartilhando suas composições com esses. Canções como Like A Rolling Stone, incessantemente reproduzida pelos Rolling Stones, All Along The Watchtower, regravada por mais de 60 artistas, desde Jimi Hendrix, Eric Clapton, David Gilmour e Elton John até U2, Lenny Kravitz e Prince, e tantas outras como Highway 61 Revisited, Masters Of War e o clássico Blowin’ In The Wind são unanimemente considerados hinos da música mundial.

As músicas de Bob Dylan têm letras fantásticas. Pode procurar as traduções que você não vai se arrepender. Com conteúdos inteligentes, as poesias de Dylan são verdadeiros protestos escancarados pelos direitos civis, como em Blowin’ In The Wind, traduzida livremente: “Sim e quantos anos as pessoas podem viver sem que lhes permitam ser livres?”.

É realmente uma porrada direta nos líderes governamentais egocêntricos e desumanos. E o pior de tudo é que essa música foi lançada em 1963 e ainda se encaixa perfeitamente no contexto do mundo atual, infelizmente.
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orreu no último domingo, 2 de março, em Toronto, o guitarrista solo Jeff Healey. Canadense, faleceu aos 41 anos por um tipo raro de câncer que tinha desde a infância. A moléstia, denominada como retino-blastoma, afeta a região dos olhos e por isso foi causa da perda de visão de Jeff quando tinha apenas um ano de vida.

Jeff Healey ficou conhecido por desenvolver uma técnica até então inédita: tocar com a guitarra apoiada em suas pernas, pressionando os dedos da mão esquerda como se a escala do instrumento de cordas fosse um teclado.

Produziu trabalhos muito bons e tocou com Ian Gillan e Stevie Ray Vaughan em algumas apresentações. Em sua própria banda, fazia um blues de muita identidade. Foi um ótimo guitarrista, guardadas as dificuldades ao ter que tocar o instrumento de maneira até estranha.

Edição 981 (1º de março de 2008)

2008-04-18T21:35:00.003-07:00

Voltando aos anos 80 com a donzela de ferro

ais uma banda clássica está excursionando pelo Brasil nesse começo de ano. Depois de um fim de semana em que o Deep Purple visitou nossa terra, agora é a vez do Iron Maiden, uma das mais importantes bandas da história do heavy metal. A última vez em que vieram foi em janeiro de 2004 pela turnê do álbum Dance Of Death, passando pelo Rio de Janeiro e por São Paulo, num show no estádio do Pacaembu e que, segundo quem esteve lá, foi fascinante.

Apesar de pouco tempo ter passado, a “donzela de ferro” vem com mudanças desde as turnês anteriores, principalmente no repertório. Diferente dos shows de 2004 e do Rock In Rio de 2001, quando o Maiden estava em fase de divulgação de discos recém-lançados, a turnê Somewhere Back In Time chega para fazer uma volta ao tempo. Com a formação da década de 80 mais o elétrico Janick Gers, a intenção da banda é relembrar os seus “golden years”, a fase áurea do grupo. Os principais álbuns relidos na turnê são Powerslave — o palco é idêntico, baseado em temas egípcios — e Somewhere In Time — apesar da mudança de sonoridade nesse álbum, sucessos como Wasted Years não poderiam ficar de fora; além de tudo, o nome desse disco é o que sugeriu o nome da nova turnê do Iron Maiden.

As apresentações no Brasil serão em três cidades: São Paulo, Curitiba e Porto Alegre, respectivamente nos dias 2, 4 e 5. Ou seja, amanhã já tem show do Maiden no Palestra Itália. E os ingressos deste já se esgotaram há tempos. Para falar a verdade, bem no começo do ano. Os 48 mil sortudos, mais outros tantos curitibanos e porto-alegrenses, vivenciarão a experiência mais desejada pelos milhões de fãs da banda no mundo todo.

Além de tudo isso, quem não gostaria de vibrar na extasiante introdução de uma das melhores músicas do Iron Maiden e que só abria os shows da World Slavery Tour na década de 80? Poucas pessoas do Brasil tiveram essa oportunidade, no Rock In Rio de 1985. Aces High contagia o público com a velocidade do riff principal, um dueto extraordinário que representa de maneira muito fiel o que era o som da banda nos “golden years”.

A fase de ouro do Iron Maiden tem vez garantida na nova turnê. Mas e os outros sucessos? É totalmente questionável a presença de dois elementos nesses shows. E vamos tentar contorná-los, já que fazem importante parte na história da banda. Janick Gers, depois da volta de Adrian Smith em 1999, deveria ter saído do grupo? Eu acredito que um “sim” seria muito radical, já que a energia que tomou o Maiden depois da entrada de Gers é indispensável a qualquer show de heavy metal. E se dois é bom, três é melhor ainda. Alguns amigos me indagam por que Fear Of The Dark vai ser tocada, argumentando que é uma música ultrapassada, composta sem Adrian Smith na formação e sem identificação qualquer com o clima da turnê. Concordo, mas a música é um sucesso indiscutível e já que tudo é uma grande volta ao tempo, por que então deixá-la de fora? Sugira isso a algum fã fervoroso para ver o que ele acha.

Um bom show a todos, para quem vai e para quem fica, como eu. O jeito é, depois da maratona do Iron Maiden no Brasil, sair procurando vídeos Youtube afora. Alguma outra sugestão?

Edição 980 (23 de fevereiro de 2008)

2008-04-18T21:35:00.001-07:00

De volta ao Brasil

“asilo” Deep Purple está de volta ao Brasil neste fim de semana pela turnê Rapture Of The Deep, que já havia passado por aqui no final de 2006. Há mais de um ano, a lendária banda havia feito sete shows no país. Neste 2008, são apenas três: ontem no Rio de Janeiro, hoje em Curitiba e amanhã em São Paulo. Como era de se esperar, os ingressos para o show na capital de nosso estado já estão esgotados — pelo menos é o que informa o site da empresa Ticketmaster.

Ian Gillan, Roger Glover, Ian Paice, Steve Morse e Don Airey (que assumiu os teclados em 2002 após a saída de um dos fundadores da banda, Jon Lord) preparam um repertório que absolutamente ninguém consegue reconhecer: Highway Star, Child In Time, Perfect Strangers, Black Night e nada mais nada menos que o riff de guitarra mais famoso de todos os tempos: Smoke On The Water. E pergunte aos fãs se eles querem outra coisa... É só clássico!

Sem descontar as pausas entre os integrantes, o Deep Purple completa, em 2008, 40 anos de fundação. Nesse período, o DP teve oito formações diferentes. Tudo bem que quem for (ou foi) a um dos shows da banda no Brasil queria mesmo é ver a tradicional “Mark II”, com Jon Lord e, principalmente, Ritchie Blackmore. O guitarrista, que compõe de modo inovador, intercalou por inúmeras vezes os trabalhos no Deep Purple e no Rainbow; atualmente toca no grupo de música renascentista Blackmore’s Night, que tem sua esposa, Candice Night, como vocalista. Mas todos sabem que Steve Morse não é um instrumentista qualquer e dá conta do recado.
Bom, o jeito é esperar pelos próximos shows, se é que estes acontecerão, já que os integrantes podem se aposentar a qualquer momento.
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ncontrei essa foto numa das minhas investidas pelos blogs da internet. A imagem foi retratada em 1978 e mostra duas das mais tradicionais bandas do rock e heavy metal no mundo: Black Sabbath e Van Halen, que abria os shows para a já consagrada banda precursora do metal. Então vamos nos situar cronologicamente, já que a foto é de 30 anos atrás. Enquanto Ozzy estava de trouxa feita e pronto para sair do Sabbath, a banda norte-americana Van Halen ainda nem sabia do estrelato que os esperava pela frente.

Identificando: Michael Anthony (baixista do Van Halen), Geezer Butler (baixista do Black Sabbath), Alex Van Halen (baterista do Van Halen), Bill Ward (baterista do Black Sabbath), Tony Iommi (guitarrista do Black Sabbath) e Eddie Van Halen (guitarrista do Van Halen). Os agachados são Ozzy Osbourne (vocalista do Black Sabbath) e David Lee Roth (vocalista do Van Halen).

Aliás, falando em Ozzy e Van Halen, especula-se na imprensa nacional a possibilidade de uma empresa estar preparando um pacotão especial de shows para a segunda metade do mês de março. Nele estariam inclusos Van Halen, Ozzy Osbourne e Black Label Society (a banda de Zakk Wylde, o guitarrista do Ozzy). Não se sabe ainda se as três bandas se apresentariam no mesmo dia, em dias diferentes, enfim, todo o assunto é uma grande incógnita a qual esperamos se definir logo.

Edição 979 (16 de fevereiro de 2008)

2008-04-18T21:33:00.000-07:00

Quase três décadas sem Bon Scott

rian Johnson que me desculpe mas cantar no AC/DC como Bon Scott cantou é uma missão bem, diríamos, impossível. Tudo bem que o primeiro disco lançado pela banda australiana com Johnson nos vocais é o segundo mais vendido da história. Uau! Até eu me impressionei pela primeira vez. Back In Black, de 1980, fica atrás apenas da maior “apelação comercial” de Michael Jackson, o disco Thriller, que vendeu cerca de 54 milhões de cópias, contra 43 milhões do disco-condolência do AC/DC. “De Volta Em Preto” é uma homenagem póstuma a uma das melhores vozes do mundo, de timbre muito particular e inconfundível. Ao escutar Bon Scott dá para perceber na primeira palavra, na primeira sílaba da canção que é o próprio que está cantando. Além de tudo isso, a voz do escocês (apesar de a banda ter se formado na Austrália) tem um pequeno problema: vicia!

O nome verdadeiro de Bon é Ronald Belford Scott; nasceu em 9 de julho de 1946 em Kirriemuir, na Escócia, e se mudou para a Austrália muito novo, assim como os irmãos guitarristas do AC/DC Malcolm e Angus Young. Cantou e tocou bateria em grupos que ganharam até certa fama para a época, como The Fraternity e os Valentines. E a sua história na banda que faz o mais puro rock’n’roll começou de modo curioso: ele passou a ser motorista de vários grupos terra dos cangurus afora e, por um empurrãozinho do destino, tornou-se chofer de quem? Do AC/DC, banda recém-formada pelos Young, que tinha Dave Evans nos vocais. Depois de mais uma ajuda de forças maiores, Evans briga com o grupo e, logo, Bon é indicado pelo empresário da banda para ser o novo vocalista.

Não tinha como não se apaixonar pela voz rasgada e ao mesmo tempo aveludada de Bon Scott. Aceito na hora, em 1975 a banda lança seu primeiro álbum: High Voltage. E, depois de alguns outros discos, vem o trio-de-ferro da fase áurea do AC/DC: Let There Be Rock, de 1977, Powerage, de 1978, e Highway To Hell, de 1979. Dentre os grandes clássicos da banda, esses três discos possuem grande parcela de contribuição. Com o último, Highway To Hell, o grupo ganhou falsa fama de satanista, quando na verdade esse nome (“auto-estrada para o inferno”) é uma sátira a Stairway To Heaven (“escadaria para o paraíso”), do Led Zeppelin.

Bom, isso aqui não é uma sessão puxa-saco mas vamos admitir que a música do AC/DC na era Bon Scott é fantástica. A banda mostrava, tanto nas letras de duplo sentido quanto nos shows, o lado sexy que possuía. Aquela figura do chamado “rocker”, com cara de arruaceiro, conquistador de garotas, mas que no fundo só queria diversão, era incorporada perfeitamente pelos integrantes do grupo, principalmente por Bon.

Infelizmente, como quase sempre acontece na história dos bons, Bon Scott, quando a carreira do AC/DC começava a se impulsionar inclusive nos Estados Unidos, deixou-nos no dia 19 de fevereiro de 1980, há quase 28 anos. O motivo foi uma bebedeira que resultou na causa de morte mais idiota que existe: afogamento no próprio vômito. Vale a pena lembrar que Jimi Hendrix também morreu assim (por coincidência ou não). O cara que melhor personificou o rock’n’roll foi encontrado morto no banco de um carro.

Além do “trio-de-ferro” e do primeiro disco, High Voltage, o AC/DC, com Bon Scott nos vocais, lançou outros álbuns não menos importantes: TNT, de 1975, Dirty Deeds Done Dirt Cheap, de1976, e If You Want Blood (You’ve Got It) (ao vivo), de 1978. A maioria dos fãs é unânime: Bon Scott no AC/DC foi o melhor. Depois da morte dele, Brian Johnson até que fez bons trabalhos, mas que não chegam nem aos pés dos anteriores. A única maneira de se considerar a era Brian Johnson boa é se convencer de que Bon Scott nunca existiu.

Edição 978 (9 de fevereiro de 2008)

2008-04-18T21:32:00.002-07:00

Os precursores do rock progressivo

obert Fripp é um dos chamados “revolucionários” da guitarra. Inglês, em 1968, formou uma das mais importantes e injustiçadas bandas de rock: o King Crimson. Injustiçada, por quê? Porque a grande mídia nunca deu atenção ao grupo por causa da sonoridade totalmente diferente criada por formações inconstantes, sendo Fripp o único membro presente em todas essas.

O King Crimson é considerada a banda precursora de um estilo que mistura a agressividade e a velocidade do heavy metal com harmonias mais bem elaboradas. O rock progressivo, que tomaria forma mais precisa com Pink Floyd, Yes e Rush, já era “rascunhado” por Fripp no King Crimson, apesar da musicalidade do grupo conter outras categorias de som, como jazz, folk e até mesmo música erudita.

Como já afirmado acima, Robert Fripp é o único membro constante da banda, tendo esta outros bons integrantes, como Greg Lake, que mais tarde formaria o Emerson, Lake & Palmer.

Atualmente, o King Crimson está em atividade. O último disco de estúdio, The Power To Believe, foi lançado em 2003, com uma formação que está durando até hoje, por enquanto.
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Woodstock: paz e amor

essa última quinta-feira, dia 8, foram completados 35 anos da morte de Louis Nicky, proprietário da fazenda Woodstock, onde ocorreu o mais importante festival de música de todos os tempos, o famosíssimo “Woodstock Music and Art Fair”, ou seja, “Festival de Música e Arte de Woodstock”, nos dias 15, 16 e 17 de agosto de 1969.

O evento tomou importância por vários fatores: as dependências do sítio estavam preparadas para receber cerca de 50 mil pessoas, porém, com o auge do movimento hippie, foi constatada a presença de simplesmente 400 mil indivíduos, sendo que a maioria nem pagou o ingresso. Grandes músicos da época se apresentaram lá, inclusive Janis Joplin, The Who, Santana e Jimi Hendrix, este finalizando a festança com um clássico universal, Hey Joe.

O aniversário de morte de Louis não possui tanta relevância quanto o festival organizado em sua propriedade, que ele cedeu gentilmente aos artistas que tramaram o megaevento.

Edições 976 e 977 (26 de janeiro e 2 de fevereiro de 2008)

2008-04-18T21:32:00.001-07:00

As 10 bandas mais conceituais do século XX

amos fazer uma viagem pelo tempo? E essa viagem é bem democrática, abrigando tanto pessoas mais velhas, que terão boas lembranças dos seus tempos juvenis, quanto mais jovens, como eu, que sabem que no mundo fonográfico atual se está esquecendo de um importante fator: a musicalidade. É... o bate-estaca das boates e, principalmente, o funk, que não é o verdadeiro funk mas todo mundo insiste em chamar esse lixo musical assim, são os estilos que a maioria dos adolescentes escutam hoje. E eu pergunto: onde está a musicalidade? Escondida nos estonteantes sons eletrônicos produzidos em uma picape de DJ ou nas letras nojentas e sem base de cantores (ou melhor, MCs) sem a mínima qualidade? O pior é que todos esses ainda têm o total apoio da imprensa. É por isso que sou saudosista.

Bom, agora que voltei, depois de ficar quase um ano sem escrever neste jornal, por falta de tempo, pretendo esboçar minhas idéias neste espaço por um período maior do que da primeira vez em que freqüentei as páginas do DEMOCRATA.

Voltando ao assunto: nossa viagem vai passar pelos anos 60, 70 e 80, invadindo um pouco a década de 90, até o “suicídio” de Kurt Cobain, vocalista do Nirvana, quando iniciou-se uma era marasmática, que perdura até hoje, infelizmente. Procurei listar dez bandas que representassem bem os conceitos de seus estilos musicais e, como esse número é bem reduzido, ficou muita gente boa de fora, valendo a pena citá-los: Deep Purple, The Doors, Yes, Metallica, Queen, Ramones, Scorpions, The Who, The Jimi Hendrix Experience, etc. Preferi não apelar para nomes tão superiores como Beatles, Rolling Stones, Elvis Presley ou Bob Dylan. Tudo isso daria uma outra lista não menos importante do que esta. Ah, para cada grupo cito alguns discos que não podem faltar em qualquer estante. Então, vamos lá! Aí vão os grandes nomes, em ordem cronológica:

Pink Floyd
A banda inglesa foi fundada em 1965 e são relacionados a esta grandes nomes: Roger Waters, Syd Barrett, David Gilmour, Nick Mason e Richard Wright, sendo os três últimos os atuais membros do grupo de vovôs que está na estrada até hoje, com mais de quatro décadas de carreira. Maior nome do rock progressivo mundial, a grande obra-prima da banda foi o álbum The Dark Side Of The Moon, de 1973. Além disso, também deixo a dica de um dos melhores shows da história, registrado no DVD P-U-L-S-E, de 1994. O clima do show é realmente fantástico.

Led Zeppelin
Já em 1968, Robert Plant, Jimmy Page, John Paul Jones e John Bonham (vale a pena citar o quarteto completo) começavam a escrever, em linhas tortas, o heavy metal. Porém, a principal característica musical do grupo inglês foi a mistura do rock com o blues. Com um toque psicodélico, típico dos anos 60, os “deuses do rock” são, a meu ver, a banda que mais influenciou todos os outros grandes nomes que surgiriam mais tarde. A dica vai para Physical Graffiti, álbum duplo, um dos mais vendidos. É neste disco que se encontra a cansativa, porém interessante, Kashmir.

Black Sabbath
Agora, sim! O lendário Ozzy Osbourne e sua trupe (todos ingleses, para variar), de 1968, são considerados os “inventores” do heavy metal. Atualmente, são tachados como black metal, devido às letras, no mínimo estranhas, e às harmonias totalmente doidas, com muita dissonância e acordes diminutos. O melhor álbum do grupo é, sem dúvidas, Paranoid, de 1970, o segundo lançado pela banda e o único que alcançou o primeiro lugar nas paradas do Reino Unido.

Jethro Tull
O grupo inglês — que coincidência! — Jethro Tull, de 1968 também, revolucionou totalmente a música folk (nome chique dado à música regional) da época, ao misturar esta com pitadas de rock progressivo. O resultado foi ainda melhor com a inserção de solos de flauta nas músicas, executados pelo também vocalista Ian Anderson. É claro que a sugestão fica para Aqualung, de 1971, álbum que contém música homônima, sendo esta o maior êxito da banda.

AC/DC
Esta banda é pura energia, literalmente! Além dos irmãos guitarristas Malcolm e Angus Young, o integrante mais ilustre do grupo foi o cara que melhor personificou o rock’n’roll: Bon Scott. Com certeza, ele terá espaço merecido em outra oportunidade, mas vamos falar da banda. Formado na Austrália, em 1973, o AC/DC adicionou o ingrediente que faltava ao rock: a diversão. Escute os três discos e escolha o melhor (é difícil): Let There Be Rock (1977), Powerage (1978) e Highway To Hell (1979) — todos da fase de ouro da banda, com Bon nos vocais. É só pedrada!

Rush
O power trio formado por Geddy Lee, Alex Lifeson e pelo “professor” Neil Peart é a prova viva de que bandas com três pessoas podem fazer tanto ou até mais barulho do que grupos com mais gente tocando. Formado em 1974, o Rush faz uma música totalmente independente, sem se preocupar com questões comerciais — há faixas de estúdio com mais de dez minutos de duração. Mas essa “preocupação” é bem irrelevante: apesar da extravagância presente não só na duração mais que exagerada de algumas músicas, os canadenses são o quinto grupo com mais discos de ouro e platina. Ou seja, problemas comerciais não existem para eles. A dica vai para Moving Pictures, de 1981, oitavo disco de estúdio, que possui um clássico da banda, Tom Sawyer.

Van Halen
O nome desta banda vem do sobrenome de um dos maiores nomes da guitarra no mundo: Eddie Van Halen. Mesmo acompanhado por David Lee Roth, Sammy Hagar ou Gary Cherone nos vocais, Eddie sempre foi o grande destaque do grupo, formado em 1974, nos Estados Unidos (apesar de os irmãos Van Halen serem holandeses). O movimento punk estava prestes a explodir na Europa enquanto, do lado de cá do Atlântico, se concretizava, junto do Van Halen, a vertente mais popular do rock: o hard rock. Fica a sugestão de dois álbuns: Van Halen, primeiro da banda, chocando os ouvidos da época, principalmente com a estrondosa Eruption, e For Unlawful Carnal Knowledge. O primeiro apresenta David cantando e o segundo, Sammy.

Sex Pistols
Formado na Inglaterra, em 1975, o grupo é considerado precursor do punk rock. Porém, há dúvidas sobre qual banda criou o movimento, sendo que o Sex Pistols é contemporâneo dos estadunidenses do Ramones. Só que há um pormenor: os ingleses incorporaram o espírito punk de uma forma muito mais convincente, levando ao mundo a musicalidade suja e rápida de caras sem o menor talento e o famoso lema: ‘faça você mesmo’. Outro fator que popularizou a banda é a sua atitude sobre o que acontecia no Reino Unido da época, como a crítica ao excesso de pompa dos líderes do império em Anarchy In The U.K., do álbum Never Mind The Bollocks, Here’s The Sex Pistols, de 1977, primeiro lançado pelo grupo. Outra coisa: Sid Vicious é um péssimo exemplo.

Iron Maiden
Em 1975, Steve Harris, depois de tocar em outros grupos, resolve reunir alguns amigos para fazer um barulho. O baixista só não pensou que isso culminaria numa das maiores bandas da história do heavy metal. Os ingleses do Maiden deram início ao movimento chamado NWOBHM (New Wave of British Heavy Metal, traduzindo: Nova Onda do Heavy Metal Britânico), pelo qual resgatavam os conceitos do velho metal, como as letras sombrias e os riffs à velocidade da luz. Só que, apesar das letras com tendência ao satanismo, o grupo produz um som muito melodioso, sendo associado, assim, ao metal melódico. É difícil dar alguma sugestão porque todos os álbuns dos anos dourados, os famosos “golden years” da banda, são ótimos. Então, lá vai: Powerslave, de 1984, quinto álbum da banda, deu origem a uma das turnês mais eletrizantes da história, a Word Slavery Tour, que passou, inclusive, pelo Brasil, na ocasião do primeiro Rock In Rio, em 1985.

Nirvana
Quando todos pensavam que o rock havia morrido na década de 90, tendo como seu principal “assassino” a música pop, surge uma luz no fim do túnel: Nirvana. Formada em 1987, a banda norte-americana era um fenômeno jovem da época, criando, a partir de uma mistura muito bem dosada, o estilo denominado como grunge, que, em inglês, quer dizer “sujo”. Hoje, qualquer analfabeto em música é capaz de reconhecer os acordes iniciais, produzidos pela guitarra de Kurt Cobain, de Smells Like Teen Spirit, do álbum Nevermind (que, diga-se de passagem, tem uma capa fantástica), de 1991, segundo álbum do grupo. O sucesso do disco foi tamanho que alguns críticos chegam a assimilá-lo como melhor de todos os tempos — vamos admitir: não é para tanto. Só que, como tudo tem um final, o vocalista e guitarrista da banda, em 1994, é encontrado morto com um tiro de espingarda calibre 12 disparado na cabeça. A primeira suspeita foi suicídio, porém, na necropsia, foi constatado que Kurt havia usado uma grande quantidade de cocaína, tornando, assim, impossível que ele tivesse forças para levantar a arma e puxar o gatilho. Desde então, nada como o que foi produzido no século XX tem agradado os ouvidos mais exigentes.

Edição 937 (28 de abril de 2007)

2008-04-18T21:31:00.001-07:00

ARQUIVO
Marca de qualidade nacional

Nesta semana, vamos falar de uma das bandas brasileiras que mais tiveram prestígio, e têm até hoje, no exterior. São os fluminenses do Paralamas do Sucesso. Apesar de os três integrantes do grupo, Herbert Vianna, Bi Ribeiro e João Barone, terem realmente nascido no estado do Rio de Janeiro, eles iniciaram a carreira em Brasília e foram a primeira banda do Planalto a descer para o eixo Rio-São Paulo, abrindo as portas para outras, como Legião Urbana e Capital Inicial.

A formação inicial do trio tinha na bateria João Vital, que logo deixou o grupo por motivos até hoje não explicados. Em seu lugar, um dos melhores bateristas do mundo: João Barone. Os três estavam prontos para compor e tocar boa música, porém, onde? Bi tinha a resposta: na casa de sua avó (que também lhe deu o primeiro baixo), em Copacabana. Os trabalhos começavam nas tardes dos finais de semana e se estendiam até as dez da noite. Inclusive, em um desses barulhentos ensaios, os vizinhos não suportavam mais e chamaram a polícia: o resultado foi uma pequena visita de um homem-da-lei para, em vez de proibir o grupo de tocar, tomar uma cafezinho e conversar sobre música com a vovó. O caso da avó de Bi rendeu até música, que foi lançada no primeiro LP do grupo, Cinema Mudo, de 1983, e chama-se Vovó Ondina É Gente Fina. Em um trecho da música, Herbert faz alusão à vistoria do policial, com um pequeno exagero: “Chamaram a polícia, mas que barra. Desliga essa guitarra que a coisa está indo de mau a pior. São trinta soldados contra uma vovó”.

Apesar desta engraçada música, o álbum não emplacou e a aposta da EMI, gravadora que assinou com os Paralamas por longo tempo quando ainda eram uma “banda de garagem”, se concretizou nos anos seguintes, com o lançamento do LP O Passo do Lui, de 1984, que tem, entre outras, as músicas Óculos, Meu Erro, Me Liga e Romance Ideal, e o show do grupo no primeiro Rock in Rio, já em 1985.

Outros discos que merecem destaque são Selvagem, de 1986, em que a banda evolui das letras adolescentes para canções totalmente politizadas e críticas, e o famoso disco D, resultado de um show memorável no Festival de Montreux, na Suíça, em 1987, que demonstra bem que os Paralamas são realmente a marca de qualidade do rock nacional, inclusive no exterior. Na minha opinião: a melhor banda brasileira da história.

Além do disco Arquivo 1990-2000, um dos últimos trabalhos do grupo foi o acústico da MTV, de 1999, que ganhou a premiação do Grammy como melhor álbum latino-americano de rock. Nesse show, a banda resgata um antigo sucesso do Legião que tem uma letra muito atual: Que País É Esse?

Após um período de recuperação do acidente com o ultraleve na baía de Angra dos Reis, Herbert Vianna canta e toca guitarra em cadeira de rodas, o que não mudou em nada a atitude moralista da banda. Os três integrantes, Herbert, Bi e João Barone, são exemplos de vida e de músicos, já que estão entre os melhores em seus instrumentos. O mercado fonográfico internacional se rende cada vez mais à música brasileira, com a MPB, a Bossa Nova e o rock dos Paralamas do Sucesso.

BEAT
Para quem não gosta de Guns
O Guns N’ Roses é aquela banda que consegue atingir os dois extremos de gosto da população mundial. Há quem adore de paixão e há quem odeie de não querer nem que citem o nome de tal banda. Talvez esse último grupo tenha ouvido somente as músicas mais pesadas, em que Axl “apela” nos vocais a la Robert Plant. Porém, duas músicas muito melodiosas e calmas do grupo agradam até os “anti-Guns”: Don’t Cry e November Rain. As duas têm harmonias muito interessantes e distorções e solos de bateria mais leves que o normal da sonoridade da banda. É o lado light, e muito bom, do Guns N’ Roses.

SEMIFUSAS
Mistura de ritmos
O Jethro Tull se apresentou nessa segunda-feira, 23, em Porto Alegre, relembrando os grandes sucessos desde os primeiros anos de estrada. São passados trinta anos de história do grupo de Ian Anderson, que, segundo a imprensa, não atraiu muitos fãs ao local, porém os presentes puderam presenciar um show com uma diversidade incrível de ritmos: blues, erudito, pop, country, rock. O ápice do show foi a execução de Aqualung, maior êxito da banda. Enfim, o Jethro Tull é um grupo que deveria ter um espaço mais merecido na mídia.

Pop Ira!
O Ira! acaba de lançar seu mais novo disco, Invisível DJ, que, segundo Edgard Scandurra, se apresenta mais maduro e com um toque pop, que suavizou a levada rock’n’roll que rege a banda. A maioria das canções foi composta pelo guitarrista (canhoto, como Jimi Hendrix), que completa dizendo que o grupo se empenhou fazendo um trabalho artístico no disco, que tem encartes e outros adereços, para que o público compre o CD original e não o baixe em MP3. Além de tudo isso, esse álbum marca a volta do Ira! ao lançamento de canções inéditas, algo que não acontecia desde Entre Seus Rins, de 2001.

Edição 935 (14 de abril de 2007)

2008-04-18T21:30:00.000-07:00

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Aerosmith, a lenda viva

Passaram-se quase quatro décadas de carreira e a banda Aerosmith vai se tornando cada vez mais uma lenda viva do rock’n’roll. O quinteto liderado por Steven Tyler, que se apresentou nesta quinta-feira em São Paulo, já vendeu, em 23 álbuns, mais de 100 milhões de cópias. Prêmios já foram muitos, dentre Grammys e MTV Awards. Certa é uma coisa: quem foi ao Morumbi no dia 12 pode considerar-se um privilegiado, porque, além da abertura do Velvet Revolver, acompanhou uma das mais tradicionais e antigas bandas. O Aerosmith faz parte do grupo dos “vovôs” do rock (alguns aposentados, outros não), assim como Led Zeppelin, Iron Maiden, Deep Purple e Rolling Stones.

O início da longa trajetória da banda pode ser resumido em uma pequena e curiosa história: Joe Perry e Tom Hamilton tocavam em uma banda chamada The Jam Band. Steven Tyler, na Chain Reaction, que tocava muitas músicas do Beatles. Fora disso, Perry trabalhava em uma lanchonete, a qual era freqüentada assiduamente por Steven. Logo, o cliente viu o lado guitarrista de Joe Perry, em uma apresentação da Jam Band, e ficou impressionado. Juntou-se a Steven e Perry o baixista Tom Hamilton. O que muita gente não sabe é que o atual vocalista do Aerosmith tocava, na época, bateria. Não demorou muito para perceber que essa não era sua vocação e, com a entrada do baterista Joey Kramer no grupo, deixou as baquetas e foi para o microfone. Ao mesmo tempo, Ray Tabano (guitarrista base) marcava uma breve passagem pela banda, dando lugar a Brad Whitford, que o substituiu na função. Enfim, depois de algumas desavenças entre os integrantes, essa formação clássica do Aerosmith é a que, desde 1984 (quando houve uma reunificação dos membros originais da banda), permanece atualmente: Steven Tyler nos vocais, Joe Perry e Brad Whitford nas guitarras, Tom Hamilton no baixo e Joey Kramer na bateria.

O nome Aerosmith, segundo a própria banda, foi criado por Joey Kramer, que gosta de palavras começadas por “aero”. Assim, foi decidido que o nome do conjunto seria a combinação “Aerosmith”. Acredita-se, ainda, que a expressão seja um trocadilho com “Arrowsmith”, nome de um livro.

Após a formação da banda e um tempo de experiências com apresentações em bares e casas noturnas, o Aerosmith finalmente assinou contrato com a Columbia Records, gravadora com a qual lançou o seu primeiro disco, em 1972, intitulado com o nome da banda. O sucesso do álbum, e principalmente do single Dream On, foi estrondoso e durou uma década, com mais lançamentos de discos e turnês eletrizantes (próprias do estilo hard rock). Porém, por volta de 1980, os dois guitarristas deixam a banda por motivos pessoais (substituídos por Jimmy Crespo e Rick Dufay), provocando uma pequena decadência no sucesso, até então, crescente. Já em 84, houve o retorno de Perry e Whitford, que continuam até hoje no grupo.

Na década de 90, o Aerosmith só voltou a estourar com o lançamento uma das músicas mais conhecidas da banda: I Don’t Want to Miss a Thing, que é o tema romântico de “Armageddon”. Além dessa, outras três canções também entraram na trilha sonora do filme, inclusive Sweet Emotion, que tinha emplacado em 1975.

Seguindo turnê, a banda, ainda mais depois do sucesso que fez na trilha do filme “Armageddon”, não precisa mostrar mais nada para ninguém. Steven Tyler e Cia. já estão mais que tachados como uma lenda viva.

BEAT
A canção continua a mesma
É o título do DVD do Led Zeppelin que reproduz, através de um filme com pequenas historinhas, o lendário show de 1973, no Madison Square Garden, nos Estados Unidos. The Song Remains The Same, que é nome de uma música também, reúne grandes sucessos da banda, como Stairway To Heaven, Dazed And Confused e Whola Lotta Love. Jimmy Page, para variar, está incrível, tocando sua guitarra até com arco de violino. Além do baixista John Paul Jones e do vocalista Robert Plant (que também exibem grandes apresentações), John Bonham, simplesmente, arrebenta na bateria. Como diz o slogan da capa, um show inesquecível!

SEMIFUSAS
Salvem a Terra!
Foi anunciada nessa semana a criação do evento “Live Earth”, uma série de shows em todos os continentes que pretende sensibilizar a população mundial sobre o grave problema ambiental que se passa no nosso planeta. Os organizadores esperam um total de dois bilhões de pessoas assistindo aos shows no local ou pela TV. Isso é uma boa notícia. Mas, a melhor é que a apresentação sul-americana será no Rio de Janeiro, em julho ou agosto. Vários artistas já confirmaram presença, como Madonna, Genesis, Red Hot Chili Peppers, Foo Fighters, Bon Jovi e The Police.

Com novo fôlego
Depois do lançamento do segundo disco e do sucesso impressionante no ano passado, a banda Arctic Monkeys deu início a mais uma turnê pela Europa, por enquanto só na Inglaterra. Segundo a imprensa de lá, o grupo está mais maduro e aparentando novo fôlego para 2007. Não vai demorar muito tempo para que o número de fãs da banda no Brasil cresça, já que a música é de qualidade, afinal, o grupo levou o prêmio de banda revelação da British Awards, em 2006.

Edição 934 (7 de abril de 2007)

2008-04-18T21:29:00.000-07:00

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Uma volta por cima

O que se faz no mundo do rock depois de sair de uma banda por brigas? Normalmente, e principalmente na década passada, a resposta é: se afundar nas drogas e na bebida. Foi o que aconteceu com a maioria dos “incontáveis” ex-integrantes do Guns N’ Roses. Praticamente, todos os que já deixaram o grupo tiveram por motivo brigas com o vocalista Axl Rose, o “chefão” da banda.

O maior dos exemplos é o do guitarrista Slash, que faz parte da classe dos “guitars heroes”, os super-heróis da guitarra. Saul Hudson, o popular Slash, deixou a banda em 1996, pra variar, por causa de conflitos com Axl. Ficou um bom tempo esquecido no mundo musical, até que em 2002 se reuniu com outros dois renegados pelo Guns: o baixista Duff McKagan e o baterista Matt Sorum. No mesmo ano, foi chamado o também ex-Guns Izzy Stradlin, para reforçar as guitarras, porém o convite não foi aceito. Logo, juntou-se ao grupo Dave Kushner (guitarrista). O circo estava armado e só faltava o vocalista para o início das gravações da música Set Me Free, pronta para ser executada e inserida na trilha sonora do filme “Hulk” e no primeiro álbum da banda. O canal de TV VH1 criou um programa da espécie concurso para encontrar um cantor para a “experiente” banda (que ainda nem tinha se lançado). O escolhido foi Scott Weiland, que tinha acabado de se desconciliar do grupo grunge Stone Temple Pilots. Depois de gravar para a trilha do filme “Hulk”, novamente o grupo participou das músicas de uma película, desta vez de “Uma Saída de Mestre”, para a qual gravou Money, do Pink Floyd, com um solo fantástico de Slash. Nascia assim o Velvet Revolver, que a cada dia vai se afastando mais do fantasma do Guns N’ Roses.

E o Brasil vai presenciar a volta por cima dos integrantes do Velvet Revolver, que abrirá o show dos veteranos do Aerosmith, nesta quinta-feira, 12, no estádio do Morumbi, em São Paulo. Ainda não foi confirmada a possibilidade de a banda fazer mais uma apresentação, no Rio de Janeiro, na mesma semana. Para esse show, no Morumbi, Slash disse, em entrevista ao “Estadão”, que a banda prepara uma coletânea com sucessos do Guns, do Nirvana (Negative Creep, por exemplo) e da ex-banda do vocalista Scott. Além disso, será executado também o grande sucesso Wish You Were Here, do Pink Floyd, que, segundo Slash, tem sido um dos ápices do show em todos os lugares por onde passaram.

Adicionando-se a tudo acima, é claro que as canções próprias do Velvet, do álbum Contraband (2004), também marcarão presença. Já as que acabaram de sair do forno, do disco Libertad, podem ser tocadas, mas a chance é pequena, já que o álbum ainda nem foi lançado. Aliás, presentes nesse álbum estão também duas canções cover: Psycho Killer, do Talking Heads, e Can’t Get It Out Of My Head, da Electric Light Orchestra.

Não dá para se negar, que, na quinta-feira, os alvos das atenções serão todos focados em Scott Weiland e Slash. Nas apresentações do Velvet, Scott é um verdadeiro showman: veste quepe de Mussolini, dança, anima o público, enfim, é o mais entusiasmado com o trabalho que vem sendo feito pelo grupo. Já Slash, não é preciso nem dizer. O cara é um dos maiores guitarristas do hard rock, discípulo de Jimmy Page e o mais style da banda (com seus esvoaçados cabelos, cartola de mágico e óculos escuros redondos).

Pode-se dizer que o Brasil, nesse início de ano, está bem servido de shows internacionais: depois de ter recebido, no final de semana passado (dia 31 de março), o lendário Roger Waters e, em fevereiro, os britânicos do Coldplay (me falha a memória se já houve alguma outra apresentação desse porte), a “terra dos impostos (e dos apagões aéreos)” está pronta para acomodar num só dia Aerosmith e Velvet Revolver, que, particularmente, vem se demonstrando, através de seus integrantes, uma grande lição de vida de como se dar a volta por cima.

BEAT
Relembrando um sucesso
A dica dessa semana é uma música romântica que estourou nos anos 90. Composta e executada a violão e voz pelo grupo Extreme, More Than Words e sua melodia são repletos. O clipe da canção é em preto e branco, o que reforça ainda mais a idéia de romantismo. É uma música que já foi várias vezes regravada por outros artistas, porém estes não conseguem superar a original, que chega ao patamar de outros grandes sucessos românticos mais antigos, como Unchained Melody e Love Me Tender.

SEMIFUSAS
No extremo da confusão
Nessa semana, reinaram a confusão e a polêmica no mundo da música. Keith Richards, dos Rolling Stones, teria dito em entrevista a uma revista que “a coisa mais estranha que tentei cheirar foi meu pai”. Em seguida, ele confirmou que seu genitor fora cremado em 2002 e que, ao misturar as cinzas com cocaína, o mix “desceu bem”. Já na quarta-feira, Richards, que possui um vício por narcóticos mais que conhecido pelo mundo, desconversou e negou suas palavras, justificando que teria ocorrido um erro de interpretação do entrevistador que, aliás, se diz certo que a história não é uma invenção, pois há muitos detalhes, que não podem ser imaginados na hora. Um caso muito confuso e estranho, sem dúvidas.

Começo de ano punk
As bandas e artistas mais tradicionais do punk rock e do hardcore estão chegando aos baldes no Brasil. Só no final de semana passado, teve Pennywise e Ian Mackaye em São Paulo. O baterista dos Ramones já confirmou uma apresentação num festival de rock de Recife, nesse mesmo mês de abril. No sábado que vem, 14, presença confirmada dos americanos do Bad Religion na metrópole paulistana. E, ainda sem data definida, é praticamente certa a vinda da banda inglesa Buzzcocks no final do mês corrente. Ufa! O jeito é aproveitar e correr atrás dos ingressos que vão ser vendidos como água.

TRÊS
Três músicas para se ouvir depois de assistir a um noticiário:

Selvagem – Paralamas do Sucesso
Que País é Esse? – Legião Urbana
Rebelião – Skank

Edição 931 (17 de março de 2007)

2008-04-18T10:04:00.002-07:00

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O verdadeiro funk (britânico)

Não diga que lhe vem à cabeça, quando se fala de funk, nomes como Tati Quebra-Barraco ou algo do tipo. Isso é um lixo musical! Denigra as origens do verdadeiro funk. Essa levada foi criada, como todas as outras, a partir do blues. Primeiramente, foi usada em grupos de instrumentos de sopros, proporcionando uma sonoridade muito boa, como com os lendários Kool and The Gang. No Brasil, o Jota Quest, nos seus primeiros discos, tinha uma enorme influência do funk. Atualmente, o maior representante mundial do ritmo (se é que vão seguir carreira) é a banda Jamiroquai.

Foi criada em 1992 e tem influências não só do funk como também de uma vertente musical chamada acid jazz, que teve origem na Inglaterra, no começo da década de 90. O grupo é formado por cinco integrantes principais e mais percussionistas e vocais. Os membros atuais são Jason Kay, ou Jay Kay, (vocalista), Rob Harris (guitarrista), Paul Turner (baixista), Matt Johnson (tecladista) e Derrick McKenzie (baterista). Da formação original, de 92, só sobrou o cantor Jay; todos os outros instrumentistas passaram a integrar a banda depois da saída de alguém.

O nome Jamiroquai, segundo Jay Kay, vem de uma fusão de “jam”, palavra inglesa que representa, também, sessão, improviso, e “Iroquai”, uma tribo norte-americana com a qual Jay diz “se identificar filosoficamente”. Em 1993, o grupo já lançava seu primeiro trabalho, Emergency On Planet Earth, um disco que critica a situação ambiental do planeta. Foi um dos álbuns que mais vendeu em menos tempo na história da música. Na época, a formação da banda tinha, além de Jay Kay, Wallis Buchanan, Stuart Zender, Toby Smith e Nick Van Gelder.

O grupo sempre foi muito preocupado com as situações mundiais. Além de lançar um álbum “ecologicamente correto”, participou do concerto No Boundaries, que contou com a presença do Pearl Jam, inclusive. A intenção foi arrecadar fundos para os refugiados do Kosovo, que sofre até hoje com guerras civis (na época, foi praticamente posto no chão durante guerra pela separação da antiga Iugoslávia). Em meados da década de 90, o Jamiroquai lançou seu terceiro disco, Travelling Without Moving, que critica o mau uso da engenharia genética (a clonagem de seres vivos). Já em 96, lançavam Virtual Insanity (que ganhou o Grammy de melhor single e quatro prêmios da MTV), no dia em que a ovelha clonada Dolly nasceu.

Voltando à linha do tempo: depois do primeiro disco, foi lançado The Return of the Space Cowboy, de 1994, que conta com o sucesso Space Cowboy. Mais dois discos até assumirem de vez a postura funk que regera o grupo até o momento. É o lançamento de Funk Odissey, de 2001, que melhor demonstra a sonoridade do Jamiroquai. Já em 2005, o álbum Dynamite, último lançado, traz grandes sucessos que formaram ainda mais fãs pelo mundo inteiro, inclusive no Brasil. Teve até música em trilha de novela da Globo: Seven Days in Sunny June, uma baladinha romântica no melhor estilo “anos 80”.

Atualmente, o Jamiroquai, como já noticiado aqui, vive uma fase de transição. O grupo procura um substituto para Jay Kay, que não renovou contrato com a gravadora. O sucesso futuro não é certo, já que Jay era a alma, a essência do grupo. O ótimo vocalista deu o parecer de não querer voltar, não. Não só o sucesso como também a continuidade da carreira da banda está prejudicada.

Sem futuro previsível, o grupo, instrumental por enquanto, não vai perder o espaço que ganhou no mundo fonográfico, com certeza. Já foram vendidas mais de 20 milhões de cópias mundo afora, sendo essas cópias em apenas seis discos. No papel, é uma média de mais de três milhões de vendas por álbum. Enfim, o jeito é esperar no que vai dar. Garanto que os fãs do Jamiroquai, como eu, ainda têm aquele fiapo de esperança (a última que morre) de que Jay Kay possa voltar atrás na sua decisão e tornar a trilhar o caminho de sucesso da banda.

BEAT
‘Sucessos’ do Pink Floyd
Na semana passada, me foram apresentadas duas músicas que melhor representam a expressão: “a última música do lado B”. São Learning To Fly e On The Turning Way, do Pink Floyd. O lendário grupo liderado por Roger Waters (que, aliás, já agendou show de sua turnê, com sucessos da banda inclusive, aqui no Brasil) foi um dos mais populares da década de 70. Como outras bandas, o Pink Floyd é daquelas que, mesmo não tocando mais, conta com uma verdadeira nação de fãs pelo mundo inteiro. Apesar de não existir mais, há a mínima chance de o grupo voltar aos palcos (não com a formação original), já que, em declaração ao “Fantástico”, da Globo, Waters disse estar a apto a se reunir com os outros membros da banda.

SEMIFUSAS
Novos no Hall da Fama
No final de semana passado, houve a cerimônia que premia os novos integrantes do Hall da Fama do Rock’n’Roll. São três: R.E.M., Van Halen e Patti Smith. O grupo californiano liderado pelo carequinha Michael Stipe recebeu elogios do apresentador da noite, Eddie Vedder, vocalista do Pearl Jam. Além disso, tocou sucessos do passado e do presente, com a sua formação original. A banda-ícone Van Halen foi representada pelo vocalista Sammy Hagar e pelo baixista Michael Anthony. Foram sentidas as faltas dos irmãos Eddie e Alex (Eddie está em uma clínica de reabilitação) e do tradicionalíssimo showman e cantor David Lee Roth. A roqueira Patti Smith se mostrou a mais emocionada com a indicação e relembrou seus maiores sucessos.

De volta às origens
O cantor Robbie Williams, que passou um bom tempo em clínica de reabilitação, pretende voltar à ativa e às origens. A pretensão, até agora não-oficial, é de retornar ao grupo que o revelou, o Take That. A suspeita se mostra clara porque na patente do nome do grupo, renovada recentemente, consta o nome do ídolo como um dos proprietários. O Take That, que voltou aos palcos no ano passado (sem Robbie), daria um grande salto de popularidade, já que seu vocalista é um grande ídolo.

TRÊS
Três músicas para se ouvir com volume exageradamente alto:

Maior Abandonado – Barão Vermelho (na era Cazuza)
Smoke On The Water – Deep Purple
Blue – Simply Red

Edição 930 (10 de março de 2007)

2008-04-18T10:04:00.001-07:00

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Misteriosos 27 anos

Li, em fevereiro, uma matéria da revista online Guia da Semana, recebida por um amigo por e-mail. Logo pensei que seria legal mencionar do que se tratava, depois que se acabasse a série sobre os melhores guitarristas do mundo. Esse artigo, de Humberto Baraldi (é bom sempre creditar os autores), é fruto de uma investigação de fatos ocorridos com músicos famosos e ricos em suas épocas. Eles têm algo em comum, e no mínimo misterioso, que é a idade em que morreram. São no total nove nomes reunidos pela matéria e mais um que acrescentei por conta própria, formando uma lista com dez nomes inconfundíveis.

Para começar, vou apresentar os menos famosos e conhecidos pelas gerações atuais (para não nos assustarmos logo de início...). Temos como presente na lista
Johnny Kidd, ou Frederick Heath. Foi vocalista de uma banda inglesa da época do início dos Beatles, chamada Johnny Kidd and The Pirates. Morreu aos 27 anos, em um acidente de carro, no ano de 1966.

Líder da banda de blues Canned Heat, Alan “Blind Owl” Wilson morreu por causa de overdose por drogas. Ainda não se sabe bem ao certo se é esse o motivo, pois os resultados da necropsia são inconclusos.

Outro que faleceu por overdose, de heroína, foi Gary Thain, integrante da banda Uriah Heep. Para variar, aos 27, em 1975. Na imprensa da época, rolavam dúvidas se ele tinha realmente morrido por excesso de drogas ou por conta de um choque elétrico durante um show.

Em 1978, o guitarrista e cantor da banda Big Star, Chris Bell, morreu em acidente de carro. Nem preciso dizer com que idade.

Esses próximos nomes serão bem lembrados por você. Começando por, talvez, a morte de um famoso mais misteriosa e chocante. Kurt Cobain, líder e vocalista do Nirvana, se suicidou com um tiro de espingarda calibre 12 na cabeça. O fato aconteceu na década de 90, no auge da fama da banda. Deixou uma carta escrita a tinta vermelha para a mulher e a filha pequena, na época. Antes do disparo, tinha se drogado com heroína. Alguns dizem que alguém tão dopado assim não poderia empunhar uma espingarda e puxar o gatilho, mas há controvérsias...

Da mais misteriosa para a mais conhecida (muito misteriosa também): o melhor guitarrista de todos os tempos, Jimi Hendrix. Morreu aos 27 anos, em um quarto de hotel, em Berlim. A “teoria” mais aceita é a que ele tomou cerca de dez pílulas para dormir, causando uma overdose. Ao adormecer, faleceu asfixiado em seu próprio vômito, em 1970.

Um ano antes, o “ex-Stone” Brian Jones foi encontrado morto na piscina de sua casa. A maior suspeita é a de excesso de drogas. Aos 27 anos, deixou os Rolling Stones e entrou em depressão, vindo a falecer.

O lado feminino da lista é representado pela cantora Janis Joplin. A artista ficou para a história por ser a maior intérprete branca do “blues negro” dos Estados Unidos. O motivo, já repetido: overdose por heroína.

O representante brasileiro é o grande compositor Noel Rosa. Fez grande sucesso nos primórdios do samba, no começo do século passado. Aos 27 anos, deixou o país em lágrimas, lutando contra uma forte tuberculose. Sua extensa obra influencia inúmeros sambistas.

Fechando a lista macabra, Jim Morrison, vocalista e líder do The Doors, que tem uma verdadeira nação de fãs pelo mundo inteiro, apesar de o grupo ter se desmanchado no começo da década de 70. Jim foi encontrado, em 1971, pela sua namorada, morto na banheira de seu apartamento em Paris. A autópsia revelou a causa: ataque cardíaco e problemas respiratórios.

Depois de fechar uma lista com os dez melhores guitarristas do mundo, não é o melhor a fazer exibir uma lista com celebridades já falecidas da música. Apesar de tudo, o número 27 representa uma grande mudança na vida das pessoas, mudança essa que, infelizmente, foi negativa para todos esses músicos, muitos deles brilhantes.

BEAT
Acústico a rigor
A banda Ultraje a Rigor lançou no final de 2005 o DVD Ultraje a Rigor MTV Acústico. Com grandes sucessos hilários, como Pelado e Ciúme, e críticos, como Inútil, o show foi encerrado com a clássica Vamos Invadir Sua Praia. Nos extras, making of, três faixas adicionais e entrevistas, inclusive com o guitarrista do Ira!, Edgard Scandurra, que começou no Ultraje. O símbolo da banda, o periscópio de submarino, não podia estar de fora e, para variar, é a capa do DVD.

TRÊS
Três músicas para se ouvir nos momentos de solidão:
Brothers in Arms – Dire Straits
This Ain’t a Love Song – Bon Jovi
The Hardest Part – Coldplay

Edição 929 (3 de março de 2007)

2008-04-18T10:03:00.002-07:00

ARQUIVO
Sir E.C. esteve aqui

Depois de nove semanas (esta é a décima) de textos sobre os melhores guitarristas do mundo, enfim chegamos ao fim dessa série. Já passaram por aqui nomes consagrados: BB King, Jimi Hendrix, Herbert Vianna, Jimmy Page, Carlos Santana, The Edge, Ritchie Blackmore, George Benson e Eddie Van Halen. Ufa! Que time, hein? E para fechar o nosso “Top 10”, é claro que não poderíamos deixar de falar do polêmico Eric Clapton. Garanto que muita gente esperava semana a semana que o britânico fosse citado em um dos artigos, mas o melhor sempre fica para o final.

Seu nome é Eric Patrick Clapton e nasceu em Ripley, na Inglaterra, no dia 30 de março de 1945. Tem o apelido de ‘Slow Hand’, por ser econômico nas notas usadas, apesar de muito técnico. O guitarrista, que já fez parte de bandas como os Yardbirds, Cream e Derek and The Dominos, foi um autodidata, ou seja, aprendeu a tocar sozinho, depois de ganhar sua primeira guitarra aos treze anos.

As origens musicais de Eric Clapton sempre foram mais puxadas para o blues, ritmo que fazia muito sucesso na Europa da década de 60. Logo, se firmou como um dos melhores guitarristas da Grã-Bretanha e do mundo, fazendo com que jovens chegassem a pichar, em locais públicos de Londres, a inscrição “Clapton is God” (“Clapton é Deus”).

O sucesso estrondoso de Eric Clapton começou com o trio Cream, que tinha também Jack Bruce e Ginger Baker como integrantes (o Cream é uma das extintas bandas mais aclamadas nos dias de hoje). Antes, tinha passado por outros grupos, inclusive pelos Yardbirds, sem ter o merecido reconhecimento.

Mas não foi só de sucesso que se fez a carreira de Eric. Em 1976, foi o centro de uma polêmica sobre racismo. Em um show em território inglês, o músico criticou a imigração negra e o aumento populacional do seu país. É claro que tudo aquilo foi um grande golpe na carreira, até então, bem sucedida do guitarrista. Rodavam pelo mundo inteiro sátiras de seus álbuns com o nome de “Eric Crapton”, sendo que “crap” significa, em inglês, “fezes”. Naquele momento, Clapton entrou em depressão e se afundou no alcoolismo, algo que marcou a sua pior fase profissional e pessoal (atualmente, ele mantém uma clínica de recuperação de alcoólicos e drogados em Antígua, onde fora internado na época, com o nome de Crossroads).

Aliás, a Crossroads vem elevando sua conta bancária por conta de vários leilões promovidos por Eric Clapton. Ele já pôs à venda coleções de guitarras, acessórios musicais e outros objetos, fazendo-os render cerca de 8,5 milhões de dólares. O item arrematado pelo maior preço foi a sua conhecida guitarra “Blackie” (uma Fender Stratocaster que é formada por inúmeros pedaços de diferentes modelos das chamadas Strats), que ficou em cerca de US$ 960 mil.

O Slow Hand, na sua época mais famosa, sempre usou as guitarras Fender Stratocaster, pelos botões de volume serem mais próximos da mãe direita do que de outras guitarras. Além disso, foi adepto de uma nova sonoridade que se criava junto com a Stratocaster, que tem um som mais agudo (enquanto as guitarras semi-acústicas, como as Les Paul, da Gibson, tinham os graves mais pesados). Eric Clapton foi o precursor da técnica de se tocar a guitarra ao mesmo tempo em que se usa a alavanca de tremolo.

E não é só um guitarrista de altíssimo patamar, mas também cantor e compositor. Já fez belas letras e melodias, principalmente depois que um filho seu, de quatro anos de idade, morreu ao cair da janela de um prédio (compôs as canções Tears In Heaven e My Father’s Eyes, em homenagem ao filho perdido).

Alguns momentos na vida de Eric foram, no mínimo, estranhos, como quando, em 2004, depois de ser proibido de dirigir na França, foi visto guiando um Porsche 911 em uma rodovia, na “cidade-luz”. Teve sua carteira de motorista cassada, inclusive no Reino Unido.

A propósito, o título do texto se refere a um álbum ao vivo lançado em 1975 por Clapton, que se chama E.C. Was Here (“E.C. [Eric Clapton] Esteve Aqui”).

Hoje, Eric Clapton tem 61 anos e segue carreira solo, lançando álbuns de inéditas e fazendo shows mundo afora. Polêmico, muitas vezes; excêntrico, outras tantas; errado, claro que sim (afinal, errar é humano); e um dos melhores guitarristas do mundo, sempre.

BEAT
Show no templo
É no Circo Voador, o templo da música e, principalmente, do rock nacional que ocorrem as melhores apresentações. Uma delas é o show que resultou de uma união de Flavio Venturini e Toninho Horta, dois músicos muito competentes. O CD lançado, Flavio Venturini e Toninho Horta no Circo Voador, tem apenas nove faixas, pouco para os amantes da boa MPB. Porém, a qualidade das composições e dos arranjos de Nascente, Qualquer Coisa a Ver Com o Paraíso, Fantasia e outros compensa a pouca quantidade de músicas. A apresentação de 1997 vale a pena ser ouvida.

SEMIFUSAS
Fim de banda?
Nessa quarta-feira, 28, o líder e vocalista da banda Jamiroquai afirmou a uma revista musical que, praticamente, encerrou sua carreira. Jay Kay, que já possui uma fortuna avaliada em cerca de 60 milhões de dólares, disse ter perdido a sua inspiração e, na renovação do contrato com a gravadora, “pulou fora”. Segundo ele, a probabilidade de voltar aos palcos é mínima, porém a chance de o Jamiroquai também encerrar a curta carreira é grande. Depois de vender 27 milhões de cópias, a banda pode decepcionar os fãs se interromper o bom trabalho desempenhado até agora, trabalho esse que é bom, principalmente, por causa da musicalidade da voz de Jay Kay.

Do contra
Pelo menos foi como se apresentou a banda Deep Purple, na pessoa de seu tradicionalíssimo vocalista Ian Gillan, ao pedir aos fãs para que não comprem seu último CD, um relançamento de um show de 1993, na Inglaterra. Essa apresentação aconteceu quando Gillan e Ritchie Blackmore estavam brigados (detalhe: depois dessa, foram apenas mais cinco shows até Blackmore deixar a banda). Completou dizendo que vai ficar muito decepcionado se os fãs comprarem o CD. A banda só soube do relançamento da “obra-prima” poucos dias antes de chegar às lojas. Palavras de Ian Gillan: “Não comprem esse disco. Comprem outro, qualquer outra coisa”.

TRÊS
Três músicas para se ouvir antes de uma festa:

Discothèque – U2
Dancing Days – Lulu Santos
She’s Electric – Oasis

Edição 927 (17 de fevereiro de 2007)

2008-04-18T10:03:00.001-07:00

ARQUIVO
Vulcão Van Halen

Antes de começar a escrever esse texto, tinha de ouvir mais uma vez aquele revolucionário solo de guitarra. Todos os elementos, misturas de escalas, técnicas com a mão direita, efeitos, usos da alavanca de tremolo e do slide, tudo mesmo estava incluído ali. É a primeira faixa do disco Best of Volume 1. Quando apertei o play e os alto-falantes do pequeno rádio começaram a vibrar, a sensação era a de se estar voando sobre algo quente, e ao se olhar para baixo, via-se a lava em ebulição do vulcão Van Halen. Então, quando a guitarra de Eddie passava a dominar a sonoridade, a erupção era inevitável. O som comum a todos os ouvidos do mundo, o de Edward Van Halen, explodia pelo ar como, realmente, a lava vulcânica liberada em uma erupção. E esse fenômeno natural foi a inspiração para o fenômeno musical que alavancou a carreira da banda Van Halen. Em 1978, quando lançaram seu primeiro disco, a música Eruption foi a grande sensação da época, tanto para a crítica musical e o público quanto para os guitarristas influenciados pelo hard rock que surgia junto do Van Halen.

No meio da década de 70, surgia o Van Halen, em meio a uma safra punk muito proveitosa no mundo todo. O guitarrista da banda é um dos mais conceituados no mundo. É simplesmente o mágico Edward Lodewijk Van Halen, vulgo Eddie Van Halen. Nascido na Holanda em 26 de janeiro de 1955, faz parte de um seleto grupo de “dinossauros do rock”, que influenciou não só o modo de se tocar guitarra, mas o modo de se viver de sua respectiva época.

Ao lado de David Lee Roth, o vocalista clássico do Van Halen (apesar de o grupo já ter contado com a presença de Sammy Hagar e Gary Cherone nos vocais), Michael Anthony e seu irmão Alex Van Halen, Eddie viveu nos palcos em uma época em que o cigarro era moda (em 1984, inclusive, foi lançado o álbum que tem a capa clássica do bebê fumando, nomeado com o ano de seu lançamento, 1984). Talvez por isso o Van Halen não tenha o espaço merecido na mídia mundial, apesar de exercer muita influência nesta até hoje.

Olha que de influência Eddie Van Halen entende muito bem: suas técnicas são usadas e estudadas até hoje. Uma de suas caraterísticas é a de tocar a guitarra martelando as cordas com os dedos da mão direita (ele é destro). Essa técnica é conhecida por tapping. Logo, as notas ficam mais “ágeis”, proporcionando um efeito de “multiplicação” destas. Se assim Eddie já é muito hábil, com a palheta engatilhada então, nem se fala: suas palhetadas são muito rápidas, fazendo trinados à velocidade da luz.

Os quatro integrantes do grupo participam do quesito composição. As harmonias e letras são bem escritas, como em Why Can’t This Be Love e Dreams, e, muitas vezes, misteriosas e com muitas tensões, como na canção Right Now. O trabalho do Van Halen vem se mostrando cada vez mais inovador nos últimos anos.

Aliás, inovação foi o que fez Eddie ao ser o principal usuário das guitarras com sistema de ponte Floyd Rose (adotado, na época, por várias fábricas, inclusive a Fender, que quase levou a Gibson à falência). Esse sistema consiste em a ponte ser móvel para o uso da alavanca e ter pequenos botões de micro-afinação, como em um violino. Tocava muitas vezes com apenas um captador instalado e com somente o botão de volume. Em tudo, Eddie entrou para a história.

E adivinha o que fiz depois de salvar o texto e desligar o computador? É claro que ouvi as outras 16 canções da coletânea do Van Halen, prestando muita atenção na guitarra de Eddie Van Halen, eterna e revolucionária. Não levando ao pé da letra, acredito que uma “erupçãozinha” de vez em quando (ou melhor, sempre!) não faz mal a ninguém.

BEAT
Rock mais reggae
O resultado dessa soma já é mais que conhecido há mais de quinze anos. São os mineiros do Skank, em um show fantástico no entardecer mineiro da histórica Ouro Preto, registrado em 7 de julho de 2001, no DVD MTV Ao Vivo. O grupo relembra todos seus sucessos ao completar, na época, uma década de estrada. Fechando a apresentação com a clássica É Proibido Fumar, de Roberto Carlos, com uma participação ativa do público presente, a qualidade desse show é só mais uma prova de que o bom trabalho do quarteto vem rendendo ótimos frutos.

TRÊS
Três músicas para se ouvir no ócio (momento fértil da nossa imaginação):

Fly Away – Lenny Kravitz
Call Of Ktulu – Metallica
Vôo Livre – Roupa Nova

Edição 926 (10 de fevereiro de 2007)

2008-04-18T10:02:00.002-07:00

ARQUIVO
O cheio vazio do jazz

No português, os antônimos, palavras inversas que expressam um extremo e outro, podem ou não cair bem em um texto. Vai depender do assunto tratado por esse texto. Eu acredito que o jazz é o tema que demonstra, de melhor maneira, que os opostos se atraem e algo que nos soa tão cheio, tão completo aos ouvidos pode não ser aquilo que parece. O verdadeiro jazz é aquele que varia tanto em tonalidade quanto em tempo. As levadas podem ser características desde um tradicional blues até um tango de nossos hermanos argentinos. O tempo e a dinâmica vão tomando forma ao longo da música e dos improvisos. Portanto, ao ouvir um jazz e pensar: ‘Nossa! Essa música é boa, hein! Os caras devem ter ensaiado isso dia e noite!’, não se engane, não é assim. 90% do que rola numa música de jazz saiu ali, no momento, num show ao vivo ou mesmo nas gravações em estúdio. O que der na cabeça do músico, ele rapidamente o expressa no seu instrumento (inclusive na voz), fazendo com que cada solo se torne único e irreplicável. Quando esse solo de jazz é da guitarra da George Benson então, não é diferente.

Nasceu em Pittsburg, nos EUA, no dia 22 de março de 1943. Se interessou pelos instrumentos de cordas através do havaiano ukelele (semelhante ao cavaquinho). Até hoje, a sua mistura de jazz e rock é única. Trouxe para a guitarra suas influências de Miles Davis e Charlie Parker, inclusive tocando junto com eles e gravando álbum ao lado do mestre do jazz, Miles Davis.

Apesar de todo o sucesso conquistado nos últimos anos, George Benson teve um começo de carreira difícil. Por seu estilo nato de misturar os ritmos, foi rejeitado como acompanhante por vários músicos do jazz. Jazz esse que não agradava muito os fãs do rock. Mesmo assim, conflitou as duas levadas (jazz e rock) e só fez sucesso e se tornou popular mundialmente em 1976, quando assinou contrato com a Warner e gravou o disco Breezin’, uma mistura desse jazz-rock com o pop da época. Com o LP lançado, vendeu milhões de cópias, ganhou discos de ouro e platina e faturou o Grammy.

Sua sonoridade “jazzística” é mais marcante porque usa guitarras acústicas, com graves acentuados e agudos mais leves. Sempre preferiu a marca Ibanez, por ter a caixa de ressonância acústica maior que das outras. Nos improvisos, usa muito as notas graves e vai, gradualmente, subindo para as agudas nos momentos certos, criando um clima na música. Característica do seu jazz também é a mistura de escalas, tocando a nota que lhe der na cabeça. As tensões surgem naturalmente e em abundância, e, mesmo assim, dando tudo certo no final.

Benson sempre mesclou suas parcerias com vários artistas, que tocam diversos instrumentos. Desde trompetistas, como Miles Davis, até organistas, como Jimmy Smith, com quem gravou álbum como músico participante, porém até compondo canção própria para ser lançada no disco, o sucesso Mimosa.

Atualmente, possui 63 anos e uma carreira de brilho não tão bem encerrada quanto iniciada. Afinal, o início foi marcante, com uma chegada para ficar no mundo fonográfico. Porém, o encerramento da carreira ainda não é certo. Ainda bem. George Benson foi inovador e criou um jazz nunca visto antes no mundo do rock, e um rock inédito para o universo do jazz.

Desse modo, podemos dizer que o jazz é repleto, cheio (quase transbordando...). E que George Benson faz parte desse jazz. Então, se depois de ouvirmos uma mistura tão divergente (com antônimos e tudo), e não entendermos muito bem o que era aquilo, não nos desesperemos. Uma resposta é única e certa: isso é jazz!

BEAT
Resgate o baú do Raul
O rei do hippie nacional, Raul Seixas, pede sua ajuda. Pode estar meio empoeirado e amarelado como papel velho pelo tempo. Esquecido pela indústria e consumidores musicais. Porém, é o eterno Raulzito. Portanto, resgate o baú do Raul Seixas: tente outra vez, senão, eu também vou reclamar, mesmo dando uma de Alcapone, fazendo ou não parte de alguma sociedade alternativa. Ouça mais Raul Seixas. É cultura. “Colando” da Maria Olívia G. R. Arruda, a frase do Raul que mais se encaixa no mundo atual é: “Parem o mundo, que eu quero descer!”.

SEMIFUSAS
Punk nas metrópoles
A banda californiana Pennywise confirmou mais dois shows na agenda não tão compromissada. Ocorrerão nos dias 30 e 31 de março, em São Paulo e Rio de Janeiro, respectivamente. Os fãs de punk rock e hardcore têm prato cheio, pois os poucos ingressos já estão à venda e não vão durar muito tempo, não. Combinando com as letras politizadas e críticas do grupo, está a nossa esperança de que SP e RJ capitais não se tornem, definitivamente, as metrópoles da violência, como, infelizmente já estão se tornando.

Hotel insubstituível
Nesta quinta-feira, 8, o grupo estadunidense The Eagles anunciou que será lançado, em breve, trabalho inédito da banda. Depois de estourar com o sucesso Hotel California, o grupo se separou em 1980 e só se reuniu em 1994, dando uma pausa de quase quinze anos. Segundo o vocalista bem-humorado e quase-idoso, Don Henley (59 anos), o disco de inéditas “deve sair em 60 ou 90 dias, se nós não nos matarmos antes”.

TRÊS
Três músicas para se ouvir tomando banho:

This Love – Maroon 5
De Volta ao Planeta – Jota Quest
Run To The Hills – Iron Maiden

Edição 925 (3 de fevereiro de 2007)

2008-04-18T10:02:00.001-07:00

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Mudando o curso da história

Não há dúvidas sobre quais são as principais bandas e os principais guitarristas que escreveram seu nome na história do rock. Desenharam sua trajetória e se tornaram indispensáveis na formação e influência de novos guitarristas. Além de muitos outros (como Jimmy Page e o Led Zeppelin, Jimi Hendrix e o Experience, The Edge e o U2), Ritchie Blackmore e o lendário Deep Purple mudaram o curso da história. O Deep Purple (Blackmore foi um dos fundadores da banda) representa muito (bota muito nisso!) na longa história do rock’n’roll.

Não foi só no Deep Purple que Richard Hugh Blackmore (nascido em Weston Super Mare, na Inglaterra, em 14 de abril de 1945) fez sucesso e conquistou fama. Depois de muitos transtornos e brigas com outros integrantes (e conseqüente saída sua do grupo), Ritchie fundou o Rainbow, banda da qual seria o único líder. Mais tarde, deixou-a de lado e voltou ao Deep Purple, numa reunião com os principais integrantes da banda. Em 1994, mesmo depois desse retorno, fazendo uma volta triunfal e gravando discos memoráveis, novamente teve desavenças com o vocalista Ian Gillan. Não se contentou e voltou com reformulações para o Rainbow. Em 1997, fundou a banda com que realiza apresentações até hoje, o Blackmore’s Night.

Antes de seguir sua carreira como guitarrista, ganhou de seu pai o primeiro violão, aos dez anos de idade. Foi do doador do presente que também recebeu aulas de violão clássico. Curiosamente, demorou a aprender e mostrava-se sem vocação para aquilo. Ainda bem que seu pai é que estava errado, desacreditando no filho e dizendo até, em tom de brincadeira, que ia quebrar o violão na cabeça de Ritchie. Para a alegria da verdadeira população mundial de fãs do Deep Purple e do Rainbow, ele seguiu carreira como guitarrista.

Com a guitarra nas mãos sempre foi muito virtuoso e hábil em improvisos. Foi o mentor do chamado neoclassicismo da guitarra: que tem influência de músicas eruditas da antiga Europa. Além disso, usa bastante a escala do blues, adequando-a facilmente à tonalidade desejada, sempre com a distorção ligada. Ao lado de Jimi Hendrix, se notabilizou como um dos grandes usuários dos amplificadores Marshall, que são extremamente fortes e resistentes.

Destro, sempre preferiu as Fender Stratocaster, por causa da disposição dos captadores. Aliás, uma das grandes curiosidades da música é o fato de Ritchie Blackmore retirar (ou desligar) o captador central de suas guitarras, deixando o som menos “mascado”, fazendo com que o reflexo do atrito da palheta (ou dos dedos) com as cordas fique mais suave. Outra marca do guitarrista é a mudança da chave de ativação do captador no meio dos improvisos, sempre alterando a sonoridade de sua guitarra. Explora bem a alavanca de tremolo, “entortando” os acordes sem desafinar o instrumento.

Na composição de riffs, utiliza muitas tensões, deixando a harmonia misteriosa. Na música mais conhecida do Deep Purple, Smoke On The Water (riff que executa com os dedos), fica clara essa característica. Aliás, essa canção conta uma história real: no início da década de 70, o Deep Purple ia gravar o álbum Machine Head num cassino em Montreux, na Suíça. Na noite anterior ao dia de gravações, haveria um show de Frank Zappa. Nessa apresentação, um infeliz da platéia disparou um sinalizador no piso, feito de bambu, do estabelecimento. O cassino foi incendiado e destruído. O grupo teve de gravar o disco no estúdio móvel dos Rolling Stones, que estava, na ocasião, na cidade suíça.

Todos esses dados e informações são importantes e constam com presença cada vez mais marcante na história mundial. Quem não conhece o Deep Purple (algo muito difícil), pode ser considerado um analfabeto em rock. São essas bandas e esses guitarristas, grandes personagens, que vão mudando o curso da história e ampliando cada vez mais a página escrita pelo rock’n’roll numa enciclopédia imaginária chamada história mundial.

BEAT
Armas e rosas nos clipes
Para quem gosta de clipes musicais bem feitos, com um enredo preparado e filmagem otimizada, a dica dessa semana é o DVD do Guns N’Roses Welcome to The Videos. São no total treze faixas com clipes de sucessos de várias épocas. Os modos de edição dos vídeos são variados: neles, são inseridas pequenas estórias, além de imagens feitas com a banda em estúdio e em shows. E é claro, não podemos deixar de citar a musicalidade suja, porém interessante, do grupo norte-americano fundado em 1985.

SEMIFUSAS
Legião no cinema
Para os fãs de Renato Russo e do Legião Urbana: a música Faroeste Caboclo, um clássico do grupo, foi adaptada para filme e suas gravações serão iniciadas no começo do mês corrente. A notícia da semana foi o desenrolamento de um processo que não permitia que a produtora começasse a filmar (as gravações teriam começado no final do ano passado). Isso aconteceu porque a gravadora do Legião, a Tapajós, tinha vetado na justiça as filmagens por se afirmar como única e exclusiva titular dos direitos autorais da banda. Porém, o STJ liberou o início das gravações. Para nós, o jeito é esperar o lançamento de tal película.

Sorria Jamaica
Esse é o nome de um show que será realizado dia 10, na cidade de St. Ann, na Jamaica, onde Bob Marley nasceu. A apresentação (“Smile Jamaica”) está por conta dos quatro filhos do rei do reggae e promoverá a paz mundial. O acontecimento se deve também ao aniversário de Bob Marley que, se estivesse vivo, faria 62 anos na terça-feira próxima, dia 6. Em maio desse ano, serão também completados 26 anos da perda de um grande soldado da paz, Bob Marley.

Edição 924 (27 de janeiro de 2007)

2008-04-18T10:01:00.003-07:00

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The inconfundível Edge

Algumas coisas são inconfundíveis. Coisas as quais captamos seu primeiro milímetro e descobrimos toda a extensão de seu quilômetro. É como o agradável odor de algo preparado na cozinha se espalhando pela atmosfera. Na hora, qualquer pessoa, mesmo a “ruim de garfo”, descobre qual iguaria está sendo confeccionada. É o mesmo que ouvir uma música do U2. Sem considerar a também inconfundível voz de Bono, aquele timbre de guitarra que chega ao aparelho auditivo não nos soa incomum. É o jeito único de The Edge tocar, fazendo com que qualquer música, desde as manjadas até as menos conhecidas, seja decifrada como do U2.

David Howell Evans, o The Edge, nasceu em 8 de agosto de 1961, em Barking, município de Londres. Quando tinha um ano de idade, mudou-se para Dublin, na Irlanda, a futura cidade-berço do U2. Para se tornar guitarrista tão conhecido e respeitado no mundo inteiro, começou a tocar desde os oito anos de idade. Sua primeira guitarra foi uma Gibson X-Plorer. Usufruía o tempo livre para estudar guitarra com seu irmão Dick.

Quem deu início à banda foi Larry Mullen Jr., baterista do U2, que fixou, em 1976, comunicados no corredor da escola onde estudavam, à procura de membros para formar um grupo musical. Na primeira reunião, apareceram os quatro integrantes atuais da banda, incluindo Edge, mais o irmão dele, Dick, que logo se desinteressou e se ocupou em outra função. Os quatro seguem até hoje, entrando em estúdio para a gravação de mais um álbum de músicas inéditas.

Na vida pessoal, Edge já se casou duas vezes: em 1983, com Aislinn O’Sullivan, e em 1997, com Morleigh Steinberg, dançarina da turnê Zoo TV. Tem cinco filhos, três da primeira união e dois da atual. Outro marco de sua vida pessoal é que, ao lado dos outros integrantes do U2, sempre foi muito ligado a movimentos religiosos.

Isso aconteceu depois do lançamento do álbum October, de 1982, quando todos os membros da banda, exceto o baixista Adam Clayton, se juntaram a um movimento religioso. Mais tarde, depois de Bono e Larry romperem suas relações com esse movimento que freqüentavam, Edge não o fez, proporcionando uma quase saída sua da banda. Depois de todas essas polêmicas, o guitarrista prosseguiu com o quarteto, para alegria dos fãs.

Na turnê Vertigo, encerrada no início desse ano, Edge usava várias guitarras, desde as Gibson Les Paul até as Fender Stratocaster. Aliás, uma de suas características é variação das guitarras, usando assim timbres e afinações diferentes. Dentre suas particularidade como guitarrista, está a utilização abusiva de pedais e pedaleiras de efeitos. Nos improvisos, também usa e brinca com o pedal wah-wah. E, mesmo assim, não descaracterizando o típico som da guitarra. Compõe riffs de poucas notas e acordes (mas com muitos efeitos), fazendo com que esses se tornem conhecidos e únicos, os inconfundíveis sucessos do U2.

Ao longo dos anos, o U2 foi se desvirtuando de um simples conjunto musical para se tornar um grande movimento pacifista mundial, com letras conscientes e que passam mensagens que nunca são de mais. Aliás, o nome U2 seria uma abreviação improvisada de “you too”, ou seja, “você também”. As letras, as melodias, os solos e, principalmente, a guitarra são inconfundíveis e totalmente distintos da sonoridade de outras bandas. No U2, The Edge é uma dentre quatro mentes dinâmicas que não só produzem inconfundível som, mas espalham pelo mundo todo mensagens de paz.

BEAT
Bengalas na madrugada
Um ótimo programa de rádio para se ouvir é o Jurassic Pan, da Jovem Pan. Os grandes clássicos do pop e rock da década passada estão presentes na lista das músicas executadas. Quem gosta daquelas velhas baladinhas e principalmente do supra-sumo do rock’n’roll mundial tem um prato cheio. O programa vai ao ar, na sintonia 88,7 FM, de segunda a sexta, num horário não muito favorável à audiência, da meia-noite à uma hora. Mas vale a pena dormir um pouco mais tarde para não deixar de lado as músicas um pouco mais velhas, mas clássicas, que andam meio esquecidas pela maioria dos ouvintes atuais.

SEMIFUSAS
Tom
Nesta quinta-feira, 25, Antônio Carlos Jobim completaria, se estivesse vivo, seus 80 anos. A obra interminável do músico brasileiro contará com uma caixa especial de DVDs Maestro Soberano, em comemoração ao seu octogésimo aniversário. Portanto, fãs: fiquem ligados no lançamento dessa obra-prima (!), que vai contar com três documentários inéditos, mostrando a trajetória de suas apresentações. Ainda há a possibilidade da inclusão de outros três discos no box: um show ao vivo em Montreal, em 1986, outro em Los Angeles, em 1987, e a entrevista que Tom concebeu em 1993 ao tradicional programa “Roda Viva”. O grande detalhe do dia 25, além dos aniversários do compositor e da metrópole nacional, foi a publicação de um estudo que mostra que apenas um terço da obra de Tom Jobim, que conta com 38 álbuns oficialmente lançados, está disponível nas lojas do Brasil.

Califórnia no Canadá
Esta não é uma notícia muito atual mas acredito que algumas pessoas não estão a par desse acontecimento. Morreu sexta-feira passada, 19, um dos vocalistas do grupo canadense The Mamas and The Papas. Segundo a família, Denny Doherty morreu por causa de uma doença ainda não especificada. O quarteto meio masculino meio feminino se tornou popular na década de 60 com a música California Dreaming.

Edição 923 (20 de janeiro de 2007)

2008-04-18T10:01:00.001-07:00

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Minha Santa Ana!

Meu Deus do céu! Invoquem todos os santos, pois um cara que toca guitarra desse jeito... só gritando nomes divinos mesmo pra ver se você está sonhando ou se é verdade mesmo que habita à face do planeta Terra um ser desse. Calma, o Ministério da Saúde (mental) considera: pode ler esse artigo, porque, mesmo parecendo, não é de autoria do José Simão. Se fosse Anna (leia-se o livro “Anna de Assis”, de Jeferson Ribeiro), com dois enes mesmo, os euclidianos iam ficar é possessos. Mas é por aí mesmo que vamos chamar a próxima atração dentre os melhores guitarristas do mundo, o mexicano Carlos Santana (meu São Carlos!).

Se alguém ainda não o viu esticar os dedos para “fabricar” notas mais agudas do que a guitarra pode ressoar, notas mais agudas do que a última contida no braço da guitarra, está perdendo um show de habilidade. Mas, vamos começar do começo, normalmente. Tudo iniciou-se aos 20 de julho de 1947 em Autlán de Navarro, no México, quando e onde Carlos Santana nasceu. O pai dele era violinista e, conseqüentemente, o primeiro instrumento que aprendeu a tocar foi o violino. Mas, aos 8 anos de idade, já migrou para a guitarra, a contragosto do pai.

Quando se mudou para São Francisco, nos EUA, na década de 60, fundou o Santana Blues Band, um grupo de seis músicos. O nome, mais tarde, seria abreviado para apenas Santana. Só que, depois de três álbuns lançados, o terceiro em 1971, a formação original da banda se desfez. Carlos Santana continuou em turnê com outros músicos convidados para manter a crescente popularidade do grupo. Surgia, para aquela época, uma inovação, que era uma mistura de música mexicana e blues, com um toque caribenho. Tudo isso incluído na sonoridade do Santana.

Nas décadas de 70 e 80, quando Carlos Santana adotou para a banda o curioso nome de Devadip, indicado por um líder espiritual que o guitarrista freqüentava, vários álbuns do grupo foram lançados e turnês pelos Estados Unidos se seguiram. Santana se firmou como um dos guitarristas mais habilidosos de todos os tempos. Nos seus improvisos, usa muito as tensões (notas fora da escala), e nos momentos certos, com tendências do mambo e outros ritmos caribenhos.

De lá pra cá, os fatos têm acontecido rapidamente para Carlos Santana: em 1998, entrou para o Hall da Fama do Rock’n’Roll; em 1999, lançou CD e DVD do álbum ao vivo Supernatural, ganhando, no ano seguinte, nove Grammys (igualou o recorde histórico de Michael Jackson). Aliás, na carreira, Santana soma dez Grammys, os nove do álbum Supernatural, e um que conquistou numa parceria com Eric Clapton. O guitarrista inglês disse certa vez a uma revista que “Santana é o cara com mais luz própria que eu já conheci”.

Santana não é mais uma palavra sinônima de uma banda, mas sim de um guitarrista que, ao longo dos anos, vem mostrando porque é, atualmente, um dos músicos mais respeitados no mundo inteiro. Ainda mais se estiver carregando sua guitarra. Depois que você descobrir que esse cara chamado Carlos Santana existe mesmo, aí pode crer que tudo é possível.

BEAT
Música velha de roupa nova
A dica dessa semana é o CD do grupo Roupa Nova, Ouro de Minas, de 2001. O disco conta com canções de compositores das Gerais, desde os membros do Clube da Esquina, como Milton Nascimento, Beto Guedes, Lô Borges e Flávio Venturini, até bandas mais atuais do rock mineiro, como o Skank. Detalhe: todos esses sucessos interpretados pelos músicos de extrema qualidade do Roupa. Participações especiais de Zélia Duncan, Elba Ramalho, Luciana Mello e Ivete Sangalo, que é marcante em uma releitura do clássico Sal da Terra, de Beto Guedes. Esse CD só vem comprovar um clichê já mais que manjado: a música mineira é uma das melhores do Brasil.

SEMIFUSAS
Elvis não morreu, se multiplicou
Não é algo novo fãs do ícone Elvis Presley se vestirem a caráter do ídolo para relembrar o rei do rock. No fim de semana passado, numa cidade do interior da Austrália chamada Parkes, 147 admiradores de Elvis, “devidamente” caracterizados, se reuniram para estabelecer um novo recorde do Guiness. Foi esse o número exato de pessoas cantando a inesquecível Love Me Tender. Até o prefeito da cidade não ficou de fora da farra, ajudando a compor o produto de uma multiplicação que vale a pena.

Mais Lee do que nunca aos sessenta
“Pela vida que levei, não imaginava que chegaria nem para o café da manhã do dia seguinte, quanto mais aos 60 anos”. Essa é a eterna ‘Tutti Fruti’ Rita Lee que está completando seus 60 anos de vida hoje. E em grande estilo: num show gratuito na praia de Copacabana. O público esperado deve ser enorme (tomemos por exemplo o Revéillon na Paulista em que a ruivinha agrupou dois milhões de pessoas). A apresentação será registrada e vai constar numa caixa especial com três DVDs dos 40 anos de carreira de Rita Lee. E por que não terminar com palavras da própria?: “Preciso de mais 60 anos para realizar a metade do que tenho na cabeça”.

Edição 922 (13 de janeiro de 2007)

2008-04-18T10:00:00.001-07:00

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Espere... e engane-se

Esse é Jimmy Page. O guitarrista da extinta banda Led Zeppelin, um dos maiores fenômenos do rock’n’roll da década de 70. Ele é, com toda a certeza, um dos músicos que mais influenciou os estilos atuais. Não é à toa que, nascido em Londres, na Inglaterra, foi grande amigo de outros guitarristas do seu patamar, como Eric Clapton e Jeff Beck. Page e Beck já tocaram juntos, antes da era Led Zeppelin de Page, na também extinta banda Yardbirds, em meados de 1960.

James Patrick Page nasceu em 9 de janeiro de 1944, num distrito chamado Heston, localizado no norte de Londres. Aos 12 anos, já aprendeu a tocar guitarra, sempre com sua marca registrada, a Gibson Les Paul, normalmente de cor laranja. Em 1958, entrou para um concurso de calouros, chamado “Search for Stars”, na TV inglesa, o que não o alavancou como esperado. Mais tarde, fez participações especiais com a banda Crusaders, em suas primeiras apresentações e sessões de gravações em estúdios.

O melhor período, o de maior ganho de experiência de Jimmy Page, foi quando se tornou músico de estúdio e, segundo estimativa, participando em 60% das produções musicais feitas em todo o território britânico. Gravou solos de guitarra em singles de bandas importantes como em Heart Of Stone, dos Rolling Stones, e o primeiro do The Who, I Can’t Explain.

Mas foi no Led Zeppelin (antes, passou três anos tocando com os Yardbirds ao lado de Jeff Beck) que Jimmy Page se firmou como uma das grandes influências dos guitarristas atuais. São características do músico sexagenário (completou seus 63 anos nesta terça-feira, 9), além das Gibson Les Paul e dos violões e guitarras de mais de um braço, a agilidade e o virtuosismo. Todos os seus solos e improvisos são inovadores. Quanto mais você pensa que sabe que nota Jimmy vai tocar, mais você se engana. Aliás, o Led Zeppelin foi uma das bandas que teve a maior capacidade de criação de todos os tempos. Dentre todos seus álbuns e todas as músicas contidas neles, o grupo conseguiu idealizar novos ritmos, novas levadas e composições diferentes.

Atualmente, mais de 20 anos após a separação do fantástico Led Zeppelin, a dupla Jimmy Page e Robert Plant se reúne para shows beneficentes, como o que fizeram em prol das crianças órfãs da África, especialmente do Marrocos (essa apresentação foi lançada em DVD).

A história do rock’n’roll mundial deve muito ao Led Zeppelin e a Jimmy Page. A inovação nos improvisos, a criação de novas idéias e o modo de se tocar guitarra são marcas do músico que ficarão afixadas na história. Ah, só avisando: não espere que essas marcas continuem vivas para sempre, pois daqui a pouco tudo pode mudar, afinal, tudo pode-se esperar de Jimmy Page.

BEAT
Uma janela no rock’n’roll
Desde 1.º de janeiro deste 2007, já se pode ouvir por inteiro no site do U2 (www.u2.com) a nova música da banda. O single foi lançado também no começo do mês. Window in The Skies é um 6 por 8 bem musicado e composto que é expectado pelo quarteto como o mais novo sucesso nas rádios. Mas se você quiser, pode também assistir ao clipe que já está disponível no YouTube, com duas versões diferentes: a original e a alternativa, uma montagem muito bem feita com vários artistas internacionais cantando. Saia na frente e ouça esse novo sucesso do U2, antes do refrão “Oh, can’t you see what love has done?” chegar às rádios brasileiras.

SEMIFUSAS
Volta para se comemorar
Está rolando na imprensa musical pelo mundo todo uma suposta reunificação dos membros do The Police. A volta aos palcos seria uma comemoração do trigésimo aniversário do maior sucesso da banda, Roxanne. 21 anos depois do encerramento das atividades musicais, a especulação de que o trio britânico voltaria a fazer shows, nos EUA e na Inglaterra, se deve a uma declaração do baixista e vocalista Sting, em seu site, de que os 30 anos de Roxanne serão comemorados. Isso foi o estopim de uma volta para se comemorar, já que o guitarrista Summers e o baterista Copeland sempre foram adeptos a um retorno do The Police aos palcos.

O fim não está próximo
Pelo menos foi o que afirmou o baterista Stephen Morris, de outra banda clássica, o New Order. Foi criada uma polêmica de que o próprio teria dito, no fim do ano passado, que o grupo “daria um tempo”. Nesta semana, para a alegria dos fãs, Morris desmentiu a declaração e deu uma de louco: “É a primeira vez que ouço isso”. Ainda completou dizendo que têm um álbum para terminar e um filme para ser lançado. O New Order agitou São Paulo em um show memorável em novembro de 2006.

Edição 921 (6 de janeiro de 2007)

2008-04-18T09:59:00.002-07:00

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Aonde quer que vá

É a própria pessoa que mostra seu talento, não só empunhando uma palheta em uma mão e um braço de guitarra na outra, mas sim espalhando sua mensagem por onde quer que passe. Mas para que tanta, realmente, enrolação, se tudo que quero dizer se define em apenas um ilustre cidadão brasileiro, o guitarrista dos Paralamas do Sucesso, Herbert Vianna? Pois é, Herbert Lemos de Sousa Vianna, e mais nada.

Nasceu em João Pessoa, na Paraíba, em 4 de maio de 1961. Logo criança se mudou para Brasília devido à vida militar de seu pai. Foi lá que conheceu Bi Ribeiro (baixo) e Vital Dias (bateria), fundando, em 1982, os Paralamas do Sucesso. Dali em diante não tinha mais jeito: o caminho deles, mas principalmente o de Herbert, estava traçado. Nesse caminho, bem no início, Vital teve de ficar para trás, dando lugar a João Barone, na minha opinião, um dos melhores bateristas do mundo. Nada que pudesse tirar a palavra “sucesso” da mira do trio. Foi justamente por causa dessa saída que a fama estourou junto da banda. Esse sucesso era Vital e Sua Moto, que rendeu o espaço necessário na mídia e o contrato com a gravadora EMI.

Nas guitarras, Herbert sempre usou bem os pedais de efeito, fazendo bases limpas em músicas de reggae e nos rocks mais pesados, usufruindo muito bem de distorções. Com estilo único, é um dos guitarristas mais virtuosos do mundo no quesito de improviso, sendo muito rápido e ágil.

Herbert Vianna tem também projetos paralelos, como os três álbuns solos já lançados: Ê Batumarê (1992), Santorini Blues (1997) e O Som Do Sim (2000). Como compositor, já poetizou várias canções para outros artistas, como os sucessos de Ivete Sangalo Quando A Chuva Passar e Se Eu Não Te Amasse Tanto Assim.

Aliás, nas letras de músicas, sempre foi um compositor muito emotivo e realista. Nas chamadas músicas-protestos, foi marcante na luta contra a Ditadura Militar, na década de 80, com Perplexo e Selvagem, letras para se ouvir e ficar pensando por algumas horas. Nos tempos de hoje, Luís Inácio (300 Picaretas) é a poesia perfeita para definir o Poder Legislativo nacional. O título se refere a uma declaração de Lula quanto aos deputados brasileiros corruptos.

Uma das marcas registradas de Herbert Vianna é a cabeça raspada, que na verdade é fruto de um implante capilar mal sucedido. Na vida pessoal, já namorou por anos Paula Toller, do Kid Abelha. E mais tarde se casou com a inglesa Lucy Needham, com a qual teve três filhos.

Em 4 de fevereiro, o pior momento da carreira e da vida pessoal de Herbert: o acidente com o ultraleve na baía de Angra dos Reis. Na ocasião, Lucy morreu e o músico, que estava pilotando a aeronave, ficou quase dois meses internado, praticamente todo esse período em coma. Teve sorte de somente perder os movimentos das pernas e parte da memória, escapando da morte. Depois da fatalidade, compôs a música Aonde Quer Que Eu Vá, para a sua eterna amada esposa. Nessa canção, é notável o talento de escrever do apaixonado poeta Herbert Vianna.

Atualmente, quase seis anos após o acidente, ele recuperou a memória totalmente, mas continua paraplégico, o que, aliás, não o impede nem de tocar guitarra, nem de pensar, escrever e compor. Herbert segue turnê junto com os companheiros de banda, mostrando muita alegria, normal do caráter do músico, e vontade de viver. Tudo porque, aonde quer que vá, de pé ou sentado numa cadeira de rodas, estará com as idéias a mil, com os dedos fervilhando de ânsia em tocar no aço das cordas de uma guitarra. Mais uma vez: Herbert Vianna, e mais nada.

BEAT
Cidade do reggae
Quando se fala em reggae, não se pode deixar de fora a banda Cidade Negra, e o seu DVD Acústico MTV. O ritmo jamaicano de contratempo é marcante em todos os sucessos do grupo do vocalista Toni Garrido. Dentre esses sucessos, podemos destacar A Sombra da Maldade, abrindo o show, Firmamento, Onde Você Mora? e A Cor do Som, música de um fechamento fantástico. Foi nessa apresentação, gravada em 25 de novembro de 2001, no Rio de Janeiro, que o ícone do reggae nacional apresentou Girassol, o mais recente sucesso da Cidade Negra (antes do show, foram distribuídos girassóis para o público, para criar o clima de estréia). Nas participações especiais, Gilberto Gil. Nos extras, videoclipe de Girassol, making of, discografia da banda e multi-ângulo de duas músicas.

SEMIFUSAS
Reinvenção do som
O vocalista irlandês Bono, do U2, confirmou que nas próximas semanas a banda entrará em estúdio para a gravação do seu 12º álbum de músicas inéditas. Em entrevista à rádio britânica BBC, Bono diz que o quarteto pretende reinventar sua sonoridade, depois de “passar pelo ciclo que estávamos presentes nos últimos álbuns. Quero ver o que mais podemos fazer, ir para um próximo nível”. Bono ainda completou que talvez o rock possa ficar um pouco mais pesado. O álbum será o primeiro a ser lançado depois da coletânea U218 Singles e é esperado ainda para 2007. Da última vez que o U2 disse que iria em busca de novas idéias, em 1990, surgiu no ano seguinte a obra-prima Achtung Baby.

Mais uma pausa
A banda carioca Barão Vermelho anunciou que vai fazer mais uma pausa, só que desta vez indeterminada, para que os integrantes possam avançar com seus trabalhos solos, depois da gravação e da turnê MTV Ao Vivo. Mas, a boa notícia para os fãs do grupo que lançou Cazuza é o lançamento de um DVD triplo, em comemoração dos 25 anos de estrada. A previsão é que ainda em janeiro a coletânea chegue às bancas.

Edição 920 (30 de dezembro de 2006)

2008-04-18T09:59:00.001-07:00

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Divisor de águas

A definição certa para divisor de águas seria: pessoa que marque com uma estaca sua presença numa linha do tempo. A partir dessa estaca, existiriam os períodos anterior e posterior ao tempo em que esta pessoa viveu. Sem qualquer comparação subliminar, pense em Jesus Cristo. O tempo é contado em antes e depois de Cristo. Mas já estacionando no assunto música e na série dessa coluna sobre os melhores guitarristas do mundo e é claro, pela foto, já deu para perceber de quem estou falando: James Marshall Hendrix, ou então, Jimi Hendrix, pelo nome artístico. Ele é considerado, sem sombra de dúvidas, o guitarrista de maior importância e influência de todos os tempos.

Hendrix considerava B.B. King o melhor guitarrista do mundo. Aliás, as inspirações dele foram os grandes artistas do R&B (rhythm and blues) como o próprio B.B. King e T-Bone Walker. Jimi utilizava o recurso chamado feedback, que significa realimentação, além de outros efeitos em pedais como distorção e o wah-wah (Jimi Hendrix foi o grande “explorador” do pedal wah-wah, usando-o muito bem, sem exageros e nos momentos certos).

Nascido em Seattle, estado de Washington, começou a estudar música com um instrumento chamado “ukelele” — que possui quatro cordas e é muito parecido com o cavaquinho brasileiro — que ganhou de seu pai. Mais tarde, comprou, por cinco dólares, sua primeira guitarra acústica, colocando-se já no caminho de sua futura vocação.

Jovem, tocou por várias bandas de sua cidade natal, para depois alistar-se no exército como voluntário para a guerra do Vietnã, fazendo treinamentos como pára-quedista. Dizia ele que, ao atirar-se de pára-quedas, o som do ar assobiando inspirava-o em seus solos de guitarra. Foi dispensado porque, numa das revistas do serviço psiquiátrico, diz estar apaixonado por um de seus colegas de exército. Tudo isso para se dedicar à música.

E essa escapada do exército valeu a pena. Em 1965, assinou seu primeiro contrato (não muito proveitoso para o músico: assinou por três anos e ganhou um dólar e 1% dos direitos autorais de suas gravações). No ano seguinte, já tinha sua própria banda em estúdio, Jimmy James and the Blue Flames, apresentando-se regularmente em Nova Iorque. E foi numa dessas apresentações que o empresário e músico Chas Chandler conheceu Jimi Hendrix. Levou-o para a Inglaterra e formou um dos grupos mais conhecidos e creditados no mundo, The Jimi Hendrix Experience, com Jimi na guitarra e vocal, Noel Redding no baixo e Mitch Mitchell na bateria. O primeiro grande sucesso do grupo foi uma regravação de Hey Joe.

Are You Experienced? foi lançado em 1967 e é considerado até hoje, ao lado de outros tantos, um dos melhores álbuns lançados até hoje. Foi na Experience que Jimi Hendrix começou a praticar o seu ritual de queimar sua guitarra no final dos shows. Isso já causou tanta confusão... Hendrix já se queimou e danificou amplificadores e parte do palco em um desses rituais.

Falando sobre as guitarras de Jimi Hendrix, as famosas Fender Stratocaster, podemos citar que o guitarrista canhoto usava guitarras de destro. Nas Fender, utilizava muito a alavanca de trêmolo, aumentando ainda mais a tendência psicodélica da sua música, promovida principalmente pelo consumo de drogas. E foram as drogas que realmente deterioraram a carreira de Jimi Hendrix, levando-o a uma decadência sem volta.

Depois de sair da Experience por brigas com Noel Redding, fundou ainda outras duas bandas sem sucesso. Ainda tocou outras vezes com grupos provisórios de velhos amigos, mas nada que impedisse o fim de sua carreira. Em 18 de setembro de 1970, foi encontrado em uma cama de hotel, com sua namorada, desmaiado, após ter tomado nove pílulas para dormir, asfixiando-se em seu próprio vômito. Horas depois, morre no hospital por falência de órgãos, por conta de uma overdose, o melhor guitarrista da história.

Hoje, todos os seus direitos autorais pertencem à empresa Experience Hendrix, comandada por sua irmã. Com quase 10 anos de existência, a firma já faturou mais 44 milhões de dólares com direitos autorais. Mas a obra de Jimi Hendrix é mais extensa e vale mais do que alguns milhões de dólares. Afinal, ele foi o marco dos guitarristas de todo o mundo, pois foi o mais criativo, o mais inovador, o mais virtuoso. Enfim, acho que já podemos definir mais duas épocas mundiais: antes e depois de Jimi Hendrix.

BEAT
Bon Jovi em Londres
A dica dessa semana é o DVD Bon Jovi Live from London. O show da banda de New Jersey foi gravado em 25 de junho de 1995, pela turnê de divulgação do disco These Days. Começando com Livin’ On A Prayer, o grupo liderado por Jon Bon Jovi viaja por todas as suas fases, passando por todos os seus sucessos. Grandes apresentações tanto de Jon quanto do guitarrista Richie Sambora (e seus óculos redondos) são marcantes nas imagens. No meio do show, são armados grandes bonecos infláveis. O resgate de sucessos foi encerrado com a romântica This Ain’t A Love Song.

SEMIFUSAS
Rei do soul
O lendário James Brown, que faleceu segunda-feira, aos 73 anos, foi velado nessa quinta-feira na famosa casa de shows em que fez muito sucesso, o teatro Apollo, em Nova Iorque. Brown dizia aos filhos que se algo acontecesse, queria lotar o Apollo mais uma vez; e conseguiu, não como todos queriam, mas valeu a pena homenagear o rei da música soul. Uma dia antes do concorrido velório, no letreiro do local estava escrita a mensagem de ‘descanse em paz’. A sua energia no palco ainda vai influenciar muitos artistas por algum tempo.

Selos beatlescos
No começo de janeiro do ano que chegará à meia-noite de amanhã, vão circular os novos selos postais produzidos pelo Correio Real da Grã-Bretanha. Infelizmente, vão circular somente por lá. As ilustrações contidas são as dos álbuns mais famosos dos Beatles. São no total seis, incluindo os lendários Revolver e Abbey Road.

Edição 919 (23 de dezembro de 2006)

2008-04-18T09:58:00.000-07:00

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Mais um blues, por favor

Nesta semana, vamos começar uma série de artigos sobre os melhores guitarristas do mundo. Desde os mais virtuosos até os mais simples, desde os mais conhecidos até os menos afamados pela mídia. Podemos viajar por todos os estilos musicais, mas, curiosamente, sempre falando desse instrumento mágico, que é tanto melódico quanto harmônico, e é claro, dos músicos que fizeram das seis cordas de uma guitarra uma imensa maré de influência nas gerações em que estiveram presentes.

E por que não começar logo com o ‘rei do blues’, a lenda viva BB King? Nascido aos 16 de setembro de 1925 na cidade de Itta Bena, no estado norte-americano do Mississippi, e até hoje seguindo carreira, é considerado um dos melhores guitarristas do mundo. Nos seus solos, costuma usar poucas notas, ao contrário da maioria dos guitarristas. Mas, inversamente proporcional à quantidade de notas usadas, está o sentimento, o chamado feeling, que B.B. King insere majestosamente na música. Certa vez, teria dito: “Posso fazer uma nota valer por mil”.

Riley B. King começou a tocar nas ruas para ganhar um dinheiro extra, em sua cidade natal. Aos 21 anos, em 1947, deu um grande salto no seu começo de carreira: foi para o berço do rock americano, onde moraria Elvis Presley, Memphis, com apenas sua guitarra Gibson semi-acústica e 2 dólares e meio. Mostrando habilidade, mas principalmente muito feeling, teve sua primeira participação em rádios num programa de calouros musicais. Isso abriu caminho para outras apresentações. Mais tarde, teve seu próprio programa publicitário chamado “King’s Sport”, com apenas 10 minutos de duração. O guitarrista foi se tornando tão popular que mais tarde seu programa de rádio teve seu tempo de duração prolongado e o nome alterado para “Sepia Swing Club”. Naquele momento de sua fama, precisava de um nome artístico. Por sua tendência ao movimento crescente do blues, foi apelidado de Blues Boy King, abreviando para, finalmente, BB King.

O apelido virou um dos nomes mais conhecidos e creditados do mundo. BB King era considerado por Jimi Hendrix o melhor guitarrista do mundo. O guitarrista negro aliado ao divisor de águas Hendrix venceu todas as dificuldades e preconceitos da época da Ku Klux Klan.

Além do grande músico Jimi Hendrix, BB King também conviveu e convive até hoje com outros grande nomes. No final da década de 80, gravou a música When Love Comes To Town junto com o U2, arranjando e fazendo voz e solos de guitarra.

Sua guitarra é uma das grandes curiosidades da música. Ele chama todos os seus instrumentos de Lucille. Isso acontece porque, no inverno de 1949, enquanto tocava em um salão no Arkansas, fazia muito frio e foi aceso um barril com querosene para aquecer o ambiente. Durante a apresentação, dois homens começaram a brigar atingindo o barril, virando-o e espalhando fogo por todos os lados. Na correria do momento, BB King esqueceu sua guitarra lá dentro, e foi até edifício em chamas para salvá-la. No dia seguinte, soube que duas pessoas morreram no acidente. E que os dois homens iniciaram a briga por causa de uma mulher chamada Lucille. O guitarrista diz que assim chama seus instrumentos para isso não mais acontecer.

No Brasil, em dezembro de 2006, há pouco mais de 10 anos, fez um show memorável, com uma inspiração extra, segundo ele, do calor do público. Hoje, BB King tem 81 anos e continua arranhando sua guitarra e fazendo seu blues. O tempo parece não ter passado tão rápido para ele.

BEAT
A lenda do funk
O DVD do grupo norte-americano Kool And The Gang, em virtude dos 40 anos de carreira, é um dos melhores no quesito produção. O som é impecável e a imagem usufrui da alta tecnologia das câmeras. Além de tudo isso, é claro, sem contar a competência dos músicos. Nos extras, making of do show. No cardápio musical, grandes sucessos como Celebration e Do It Again.

SEMIFUSAS
2014
Quando falamos sobre 2014, nos vem à cabeça: Copa do Mundo no Brasil. Mas não é só esse acontecimento que poderá agitar o país tropical. O Rock in Rio volta enfim ao Brasil. Segundo o empresário Roberto Medina, a Copa do Mundo será a grande estrela e o Rock in Rio, o co-protagonista. Enquanto isso, muita arruaça: o evento de 2007, que será em Madri, foi adiado para 2008. No fim das contas, o Rock in Rio 2007 será realizado depois do Rock in Rio 2008, que vai ser em Lisboa. Que confusão! Falando em confusão, os organizadores do evento esperam que em 2014 ela não se repita como na última edição que aconteceu por aqui, com um saldo de objetos atirados em cantores, artista mostrando o ‘retaguarda’ e outro até entrando pelado no palco.

Por direitos autorais
Nesta semana tumultuada, o guitarrista da banda inglesa Oasis, Noel Gallagher, acusou os conterrâneos do Green Day de plágio. A denúncia consiste em a música Boulevard Of Broken Dreams, do Green Day, ter a mesma harmonia de Wonderwall, composta pelos integrantes do Oasis. Noel disse: “Eles deviam ter sido decentes e esperar eu morrer. Eu, pelo menos, presto essa cortesia às pessoas de quem eu roubo”. Palavras ditas em entrevista à revista Stuff.

Edição 918 (16 de dezembro de 2006)

2008-04-18T09:57:00.000-07:00

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O acrobata da voz

Você pode chamar também de The Voice (A Voz) ou de Blue Eyes (Olhos Azuis). Nesta quarta-feira que se passou, dia 12, Francis Albert Sinatra comemoraria, se estivesse vivo, seu nonagésimo primeiro aniversário. Sem dúvida, um dos maiores fenômenos musicais do século XX. O multi-facetado artista (cantor, ator, apresentador de TV) nasceu em Hoboken, Nova Jersey, nos Estados Unidos. Já foi casado com quatro mulheres, entre elas duas atrizes: Ava Gardner (sua eterna paixão) e Mia Farrow. De sua primeira união com sua namorada de colégio, teve três filhos: Nancy, Frank Jr. e Tina.

Maior fenômeno musical do século passado: não é fácil assumir por uma quase unanimidade essa posição. Ainda mais em período tão produtivo na parte musical. No século XX, puderam várias gerações presenciar desde Louis Armstrong até Billie Holiday e Tina Turner, como grandes artistas da voz, além dos Beatles, Rolling Stones e outros sinônimos de sucesso.

A grande nuance do uso que Frank Sinatra fazia de sua inirreconhecível voz era uma longa nota vocal sem pausas para respiração (recurso vocal que é utilizado em óperas). Ele conseguia fazer com que uma multidão se calasse para apenas ouvir e apreciar aquele fraseado incrível, que mesmo em acapela (apenas a voz, sem acompanhamento de outros instrumentos), soava perfeitamente como se fosse um enorme coral.

No Brasil, Frank Sinatra veio para arrasar em um show que, diz quem assistiu, foi inesquecível. A apresentação foi num Maracanã lotado, em 1980. O jogador uruguaio Gighia, que fez o segundo gol da celeste contra o Brasil na final da Copa de 1950 no Maracanã, diz: “As três únicas pessoas que calaram o Maracanã foram: o Papa João Paulo II, em sua missa campal, eu e Frank Sinatra”.

O Blue Eyes também trabalhou como apresentador de TV a ator. Participou de filmes conhecidos e premiados como “A um passo da eternidade”, levando o Oscar de melhor ator coadjuvante (1953), e “O homem do braço de ouro”, indicado para melhor ator (1955). Em 72, ganhou o Oscar humanitário. Dentre suas premiações como músico, tem o número incrível de 23 Grammys, desde melhor canção até lenda viva do Grammy.

Por tudo isso, Sinatra possui duas estrelas na Calçada da Fama de Hollywood, uma por seu trabalho no cinema e outra por apresentador de TV (teve seu próprio show de TV por vários anos).

Em 14 de maio de 1998, devido a problemas cardíacos e câncer, o Frank Sinatra falece em Los Angeles. Mas vai continuar sendo aquela eterna voz e ainda vai influenciar muitas gerações de cantores, e de ouvintes.

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Louca mistura
Uma mistura com ingredientes totalmente divergentes às vezes pode dar certo. Foi o caso da apresentação gravada no DVD Metallica S & M. A banda Metallica aliou-se à Orquestra Sinfônica de São Francisco, regida por Michael Kamen, uma das mais creditadas no mundo, para dar um toque clássico ao seu heavy metal e um toque pesado ao erudito. O show está em dois discos, neles também incluídos: making of, multi-ângulos e entrevistas. A grande marca tecnológica do DVD é a seleção de áudio. Você pode adaptar os seus ouvidos e selecionar no menu o áudio só da banda, só da orquestra, ou dos dois juntos. Uma mistura meio maluca, mas que só grupos competentes e prestigiados nas suas áreas musicais conseguem produzir.

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No Super Bowl
O Super Bowl é a expressão que denomina a grande final do futebol americano; e é simplesmente o programa de maior audiência e com o minuto publicitário mais caro da TV no mundo. O evento, que acontecerá aos 4 de fevereiro do ano que vem, tem um momento muito conhecido não só entre os adoradores do esporte, que é o intervalo do Super Bowl. Na final do campeonato dessa temporada, o cantor Prince fará apresentação. No ano passado, a responsabilidade ficou a cargo dos Rolling Stones. De 2004 para cá, a Liga Nacional de Futebol Americano (NFL, em inglês), vem tentando tirar a má impressão que, naquele ano, a cantora Janet Jackson deixou, ao pôr à mostra, sem querer querendo, um dos seios. Prince terá a difícil missão de superar os mais de 141 milhões de telespectadores que assistiram à apresentação da trupe de Mick Jagger.

Coldplay no Brasil
A banda Coldplay está se preparando para fazer três shows, que se realizarão em São Paulo, na Via Funchal, nos dias 26, 27 e 28 de fevereiro. O único problema é que todos os ingressos para as apresentações foram esgotados há uma semana (um dia depois que foram colocados a venda), deixando muitos fãs do grupo inglês a ver navios. Por causa dessa venda estrondosa de entradas, a produtora do Coldplay no Brasil estuda a possibilidade de ampliar o número de shows na capital paulista para quatro. Portanto, se você quer presenciar uma das apresentações mais esperadas de 2007, reserve uma quantia um pouco salgada (os ingressos custariam de 150 a 400 reais) e aguarde a decisão que culminará ou não em um quarto show do Coldplay no Brasil.

Edição 917 (9 de dezembro de 2006)

2008-04-18T09:56:00.000-07:00

ARQUIVO
Imaginar é preciso

Certo dia, um rapaz inglês disse: “Imagine todas as pessoas...”. A frase insiste em perdurar até hoje, não sei porquê. Talvez, realmente necessitemos de um oásis, de um colírio, de uma fuga do mundo real, que é tão cruel, para ainda sim pretendermos e almejarmos algo melhor do que isso. Não se entende para que invadir um país a procura de algo (e não achar), ou então investir bi, bilhões para procurar água em outro planeta. Os problemas na Terra já são tantos, e ainda estamos procurando soluções em Marte. Não sou matemático, mas acredito que com todo esse capital, muita gente poderia sobreviver da fome. Enquanto nós reclamamos que estamos atrasados uma hora do horário habitual do almoço e que estamos “morrendo de fome”, a cada 4 segundos uma criança realmente falece de inanição no mundo. É isso o que motiva algumas pessoas a protestarem e a tomarem gosto pelo agir, ter vontade de fazer alguma coisa para melhorar o mundo em que vivemos.

E uma grande pessoa, que tinha esse raro caráter, era John Winston Lennon. O compositor britânico nasceu em 9 de outubro de 1940, em Liverpool, na Inglaterra. Seu pai, Alfred Lennon, teve de deixá-lo ainda novo por motivos de trabalho. Abandonada pelo marido, sua mãe, Julia Stanley Lennon, deixou o filho para a irmã criar. E durante toda essa parte de sua infância e adolescência, viveu com sua tia Mimi. Apesar de tudo, sua mãe sempre o visitava; e após uma dessas visitas, em 1958, quando John tinha 17 anos, morreu atropelada.

Dentro desse contexto que Lennon conheceu Paul McCartney, que também era jovem, tinha 14 anos, quando sua mãe faleceu de câncer. Os dois se tornaram grandes amigos, fundando os Beatles, junto ao jovem George Harrison.

Na escola, aluno problemático, mas mesmo assim aceito na escola de artes de sua cidade natal. Foi lá que John conheceu Cynthia Powell, com a qual se casou em 62. Tiveram um filho de nome Julian, em homenagem à sua mãe. Como os Beatles estavam fazendo sucesso naquele momento da carreira, o empresário tentou esconder o fato de John ser casado e ter um filho, para não perder suas fãs (algo que não durou muito até ser descoberto).

Com um casamento sem nenhuma solidez, John conhece Yoko Ono e deixa a mulher para viver com a artista japonesa. Mais um filho, Sean Ono Lennon. Com Yoko, John Lennon passou a freqüentar a seita indiana Hare Crishna e a se envolver mais com a situação mundial. Dali em diante, não tinha mais jeito, se tornou um soldado da paz, lutando contra as guerras que aconteciam na época, como em novembro de 1969, quando devolveu à rainha Elizabeth II o seu título de MBE (membro do império britânico) em protesto ao apoio da Inglaterra aos Estados Unidos na guerra do Vietnã. O casal também realizava o chamado “Bed-in for Peace”, uma reunião com a imprensa em favor da paz mundial numa cama de hotel.

O vocalista dos Beatles foi também o mais polêmico deles, principalmente ao citar que eram mais populares que Jesus Cristo e que o Cristianismo um dia vai acabar, o Rock’n’Roll, nunca. O movimento musical continua e cresce a cada dia mais até hoje, mas John Lennon ficou pelo caminho, assassinado em 8 de dezembro de 1980, 26 anos atrás. Entrando no seu edifício Dakota, em frente ao Central Park, em Nova Iorque, John é abordado por um jovem, que tomara seu autógrafo naquela tarde. O rapaz, que era fã de Lennon e dos Beatles, atirou num dos maiores homens que essa humanidade já viu. O autor do crime foi preso no ato pela polícia e confessou que tinha lido num livro uma mensagem subliminar que dizia que John Lennon tinha que ser morto. Foi criado no Central Park um memorial rosário chamado “Strawberry Fields Forever”, com a inscrição Imagine ao centro.

Vale lembrar que a data de sua morte é também a do falecimento do mestre da música brasileira, Tom Jobim. Por coincidência ou não, dois grandes músicos que ainda vão encher muito nossos ouvidos de boa música, e particularmente John Lennon, encher nossas cabeças de suas mensagens de paz e amor, para um mundo melhor. Talvez o que o homem mais necessite nesse momento não sejam guerras e mortes, mas sim imaginação.

BEAT
“Vá para casa”
A dica para um bom ouvinte é o DVD U2 Go Home. O show foi gravado em 1.º de setembro de 2001 no Slane Castle, em Dublin, Irlanda, pela turnê Elevation. Uma apresentação memorável de uma das maiores bandas de todos os tempos. O público privilegiado viu cenas antológicas como quando Bono se envolve numa bandeira enorme da Irlanda; também, parte dos espectadores viveu o domingo de 30 de janeiro de 1972, o Domingo Sangrento, e vibrou com a canção Sunday Bloody Sunday e com Bono falando nome por nome as vítimas do episódio. Nos extras, um documentário do 4º disco da banda, Unforgettable Fire, que mostra os bastidores das gravações no próprio Slane Castle e em estúdio.

SEMIFUSAS
Leilão de gente grande
Nesta segunda, 4, no famoso point leiloeiro Casa Christie’s, teve gente pagando 192 mil dólares pelo manuscrito da música Maxwell’s Silver Hammer, de Paul McCartney. O abonado foi um americano, que fez o maior arremate de um lote de pertences de músicos. Ainda assim, ficou abaixo da estimativa de US$ 200 mil. Outros itens foram leiloados como uma guitarra de Jimi Hendrix, que ficou em US$ 168 mil, e um caderno com letras manuscritas de Bob Marley, vendido por US$ 72 mil.

Canadense pesado
Algo que agrada é o surgimento de novas bandas. Essa não é tão nova, mas está ganhando cada vez mais espaço na mídia norte-americana. O grupo canadense Three Days Grace lançou nessa semana o seu segundo disco, One-X, contando com o reforço de mais um guitarrista, além do também vocalista Adam Gontier, para deixar o som ainda mais pesado, sem perder a base do característico rock melódico. Procurem ouvir essa banda, porque futuramente estará nas paradas de sucessos mundiais, inclusive no Brasil.

Edição 916 (2 de dezembro de 2006)

2008-04-18T09:53:00.000-07:00

ARQUIVO
Beatlemania

A banda que teve 20 e 17 músicas que atingiram o primeiro lugar nas paradas de sucessos dos EUA e Inglaterra, 132 e 174 semanas, respectivamente, em território americano e inglês liderando o ranking de discos mais ouvidos, 5 músicas nos cinco primeiro lugares das mais pedidas nas rádios, o compacto mais vendido dos anos 60 (I Wanna Hold Your Hand, com aproximadamente 5 milhões de cópias), o disco que vendeu mais em menos tempo (A Hard Day’s Night, com 1 milhão de cópias em quatro dias), a canção mais regravada por outros artistas na história (Yesterday). Tudo isso formando um número soberano: cerca de 1 bilhão e meio de discos vendidos no mundo inteiro, ente LPs, singles, cassetes e CDs.

Ufa! Uma banda tão popular, que não só impactou a música, mas as roupas, os cortes de cabelo, inclusive o estilo do nome das bandas mais atuais. Na época, os nomes dos grupos musicais eram grandes, como Johnny and the Moondogs e Long John and the Silver Beatles (nomes anteriores da banda inglesa). Sucedendo estas nominações, The Silver Beatles e finalmente The Beatles. O nome teria surgido de um trocadilho entre beetles (besouros) e beat (batida), mas John Lennon dizia assim: “Sonhei com um homem numa torta flamejante, dizendo: vocês são beetles com A”.

John Lennon (guitarra), Paul McCartney (baixo), George Harrison (guitarra) e Ringo Starr (bateria), sendo, com Lennon como primeira voz, por incrível que pareça, todos os outros integrantes participantes da parte do vocal do quarteto, muitas vezes polêmico, de Liverpool.

Polêmico?, você deve estar se perguntando. Por exemplo, a música Lucy In The Sky With Diamonds teria uma pequena apologia à droga LSD, por ter as mesmas iniciais de tal entorpecente (na época, o disco que contém essa música fora censurado pela BBC). Jornalistas também criavam polêmicas absurdas de integrantes da banda: Paul McCartney teria morrido em acidente de carro em 66, sendo substituído por um sósia, supostamente chamado Billy Shears. Versos de músicas e pistas em capas de discos provariam sua morte.

Não só por polêmicas, criadas pelos próprios Beatles, mas também por jornalistas, desmanchou-se o grupo. Os outros integrantes não gostavam da presença da mulher de John Lennon, Yoko Ono, nos estúdios.

Apesar de tudo, Hey Jude, Imagine, Yesterday, She Loves, I Wanna Hold Your Hand, All You Need Is Love e muitas outras canções, assim como as mensagens subscritas nelas, ficarão vivas na memória mundial por gerações a fio, assim como o nome The Beatles virou sinônimo de “ficar para a história”.

BEAT
Surpreendente Beto
Quem ainda não assistiu ao DVD Beto Guedes 50 anos está atrás no conceito “música popular brasileira”. A apresentação do membro do Clube da Esquina aconteceu em 11 de setembro de 2001 (dia de seu aniversário de 50 anos e, coincidência ou não, exato dia do atentado terrorista ao World Trade Center). Convidados especiais surpreenderam o público como Toni Garrido, da Cidade Negra, e Wilson Sideral. Um show para ver e não mais esquecer.

SEMIFUSAS
U218 Singles
A banda irlandesa U2 lançou semana passada o seu mais novo disco, o chamado “best of definitivo”, reunindo os maiores sucessos desde o 1º álbum, Boy (1980), até o último, How To Dismantle An Atomic Bomb (2004). U218 Singles tem os 16 maiores sucessos de todos tempos mais 2 faixas inéditas (produzidas nos estúdios beatlescos de Abbey Road). The Saints Are Coming é uma gravação cover do grupo universitário punk Skids, da década de 70, com a participação especial da banda Green Day; e Window In The Skies, música inédita que terá seu single (clip e divulgação em rádios) lançado no começo de 2007. Em pré-venda também, o DVD que complementa o álbum, U218 Videos.

Bastidores do The Police
Há umas duas semanas, a extinta banda The Police foi divulgada em seus bastidores em DVD: Everyone Stares: The Police Inside Out. O baterista Stewart Copeland registrava, com sua própria câmera, imagens nunca vistas de preparações para shows, viagens, reuniões de família e muito mais. Copeland, Sting e Andy Summers formaram um dos trios londrinos mais famosos do mundo, surgido de uma safra punk da década de 70. Não há previsão de quando o lançamento poderá chegar ao Brasil.
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*Riff é uma expressão americana para denominar solos (de qualquer instrumento, inclusive da voz) que remetem a lembrança à música que contém tal riff.

* Beat é a tradução em inglês para o pulso, a batida da música. Os lançamentos e sugestões de músicas, clipes, CDs e DVDs constarão nesta seção.

* Semifusa é a nota de menor duração existente na música. Nesta seção, notícias breves serão citadas.

Edição 915 (25 de novembro de 2006)

2008-04-18T09:52:00.000-07:00

Um pouco do rock nacional

Sem sombra de dúvida, o movimento musical mais popular de todos os tempos é o Rock’n’Roll. O adjetivo usado para o estilo musical explica tudo. Ninguém mais queria ouvir música erudita, aquela que tem seu som voltado apenas para a partitura, sem nenhum deslize de notas, de tempo, sem nenhuma marca que deixasse a sua sonoridade um pouco mais agitada, popular.

Bill Halley & His Comets (Bill Halley & Seus Cometas) foi o grupo que gravou o primeiro rock verdadeiramente dito. No Brasil, foi a principal influência para a chegada das guitarras (uma chegada para ficar). Aqui no Brasil, a cantora Nora Ney fizera versão semelhante em inglês, que emplacou com a batida de quatro bem quadradona que caracteriza o rock. A partir daí, o rock nacional adormeceu um pouco, tentando ser reacordado por programas de rádio e de TV, à procura de um novo estouro popular, e por Celly Campelo, que gravou em 1959 o hit até hoje tocado Estúpido Cupido (vendidas cerca de 120 mil cópias).

Nos anos 60, apesar da grande revolta dos artistas da MPB e Bossa Nova (a chamada “Passeata contra as guitarras elétricas”), foi quando o rock começou a ganhar força com o surgimento d’Os Incríveis, ainda com o nome The Cleevers, grupo praticamente instrumental.

Até que em 63, surge o capixaba Roberto Carlos, emplacando músicas como É Proibido Fumar e O Calhambeque. A Rede Record lança no mesmo ano o programa “Jovem Guarda”, com Roberto como rei e seus amigos Erasmo Carlos como tremendão e Wanderléia como ternurinha. O chamado rock primitivo entra de vez no ouvido agradando a todas as raças e classes sociais. A partir daí, surgem Ronnie Von e Jerry Adriani, inspirados no iê-iê-iê dos Beatles, na Inglaterra. Em 68, com a saída de Roberto Carlos, o programa termina.

Tudo isso dando gás para a primeira vertente do rock nacional inspirada na revolta, na rebeldia contra a instauração da ditadura, a Tropicália. A fase do deboche começou o grupo recém-reinstaurado Os Mutantes, com Rita Lee, Arnaldo Baptista e Sérgio Dias (domingo passado, no Fantástico, foi exibida reportagem da volta d’Os Mutantes, agora com Zélia Duncan como vocalista). Kurt Cobain, do Nirvana, teve influências d’Os Mutantes. O grupo começa a se desmanchar em 73 com a saída de Rita Lee. Caetano e Gil surgem com canções vaiadas nos festivais, dando espaço para os inovadores Tom Zé, Gal Costa e Nara Leão.

Nos anos 70, outras vertentes do rock nacional surgiram: a poesia musicada dos Secos & Molhados, com Ney Matogrosso, o hippie nacional com Raul Seixas, o Clube da Esquina de Milton, Lô e Beto, os Novos Baianos, acompanhados de uma invasão nordestina que misturava a música do sertão com rock como Zé Ramalho e Fagner, os alternativos Sá, Rodrix e Guarabira e muitos outros com menos espaço na mídia.

Entrando na “década perdida”, e mostrando que na música a década foi muito bem aproveitada, comecemos pela descida dos rockeiros brasilienses ao eixo Rio-São Paulo, como Legião Urbana e Aborto Elétrico (atualmente Capital Inicial), dando uma cara já bem afeiçoada ao BRock. No Rio, Paralamas do Sucesso (que surgiram em Brasília, mas são cariocas) e Barão Vermelho, liderado pelo eterno poeta Cazuza, estouraram com a inauguração do templo do rock nacional, o Circo Voador, e fazendo com que surgissem Kid Abelha, Lulu Santos e Lobão (ex-Blitz), os dois últimos da banda Vímana. Em São Paulo, os Titãs surgem ao lado de várias outras bandas reveladas em festivais punk como Ultraje a Rigor, Metrô e RPM. No Sul, mais tarde sobem para a fama os Engenheiros do Hawai. Seguindo o exemplo dos Novos Baianos e dos precursores da Tropicália, o Camisa de Vênus chega a São Paulo também aumentando a popularidade do rock. Em Minas, as bandas de heavy metal começam a surgir mas fazendo mais sucesso no exterior do que em território nacional, como o Sepultura (que faz um enorme sucesso nos EUA) e o Angra.

Mas só em 1990 que os mineiros começam a realmente fazer sucesso, com a mistura de rock e reggae Skank. Ao longo da década, outros grupos mineiros surgiram como Jota Quest e Pato Fu. Como sempre, o Nordeste também aparece com novidades como Chico Science & Nação Zumbi, agradando a crítica da época. Raimundos, Mamonas Assassinas, Charlie Brown Jr., Cássia Eller e Los Hermanos foram os principais sucessos da época, alguns fazendo sucesso até hoje.

Atualmente, a definição para rock nacional é uma mistura do pop com heavy metal. As bandas de sucesso são CPM 22, Detonautas, Tihuana e a baiana Pitty, muito pobres de letras e melodias. Da metade da década de 90 para cá, tragédias foram comuns como as mortes de Cazuza, Renato Russo e Cássia Eller, o acidente aéreo de Herbert Vianna e a introdução do rap no rock (não é uma tragédia física, mas definitivamente foi o que afundou a qualidade da música em geral do Brasil).

Mesmo com essas crises, tanto das tragédias quanto da qualidade perdida ao longo do tempo, ainda há remanescentes do verdadeiro rock: Paralamas do Sucesso, mesmo com seu principal integrante paraplégico, Skank, Jota Quest, o bossa-rock Gabriel Guerra, os gaúchos do Catedral, Wilson Sideral (irmão de Rogério Flausino do Jota Quest) e os separáveis Frejat, Guto, Rodrigo, Fernando, Peninha e Maurício (Barão Vermelho), que mantêm a esperança do rock nacional voltar aos anos 80, com letras embasadas, melodias que entram nos ouvidos e nunca mais saem, características do bom e velho Rock’n’Roll.